──現在の活動に至る経緯を、音楽を演奏し始めた頃のことから、聞かせていただけますか？ 父がギタリストだったので家にはギターがいくつもありました。レッド・ツェッペリン（Led Zeppelin）やディープ・パープル（Deep Purple）、ボストン（Boston）といったハードロックから、マニアックなフュージョン系のバンドまで色々と聴かせてくれていたので、子供の頃から音楽との距離は近かったです。でも、自分でギターを演奏しようとまでは思わなかった。高校に入るまでは野球少年だったんですけど、椎間板ヘルニアになって素振りもままならなくなってしまって。打ち込めることがなくなったので、家にあったギターを弾き始めたことが最初のきっかけです。 ──そこからどんどんギターの魅力にはまっていった。 そうですね。うちの高校にはめずらしくジャズ研があって、そこでセッションしたりライブを重ねたりしているうちに楽しくなってきたんです。それからしばらくはギタリストとしての活動が続いて、大学を中退してからもミュージック・バーでの箱付きの演奏家やギター講師をやっていました。 ──THE ROAMERSに入ったきっかけは、何だったのですか？ それまでにもバンドはやっていて、よく出入りしていたRinky Dink Studioというスタジオの系列店の人からTHE ROAMERSを紹介してもらったんです。

──THE ROAMERSはなぜ解散したのでしょう？　いよいよこれから世に広がっていくだろうという空気を感じていたのですが。 2016年の3月に、アメリカの＜サウス・バイ・サウス・ウェスト（SXSW）＞に出演する予定だったんですけど、今まで日本から出演したバンドと同じ手続きを踏んだにもかかわらず、僕らも含めて何バンドかが出られなくなったんです。理由は憶測でしかないんですけど、ビザじゃなくてESTA（短期の米国渡航に必要な入国審査制度）の申請をしていたことが、そもそもグレーだったみたいで。オバマ大統領がイベントを観に来ることになったから弾かれたんじゃないかとか、話していました。でもTempalayはアメリカに前乗りしていたからなのか出演することができて、そこで“持ってる奴ら”と“持ってない奴ら”の差を勝手に感じたりしてすごく凹んだんですよね。そのあとフルアルバムを出す予定だったんですけど、どうしてもクオリティに納得がいかなかくてリリースできなかったり、いろいろあって解散することになりました。 ──そしてTHE ROAMERSのドラマー・katsuyuki higashiとともにravenkneeに。 解散したときに音楽だけで生活していくことは厳しいと思ったんです。だから生活の中で音楽の優先順位を下げてプログラミングの勉強を本格的に始めたんですけど、ある日ravnekneeのjoe（joe matsumoto）が来て、“daydreaming”を聴かせてくれた時に衝撃が走ったんです。「これならいけるかもしれない」と思って加入しました。

──THE ROAMERSはオーセンティックなファンクやブルーズを基調とした生演奏のバンドで、ravenkneeはモダンなロックと打ち込みのエレクトロを独自の感覚で融合したバンド。音楽性も大きく変化していますし、すぐにフィットできたのでしょうか。 THE ROAMERSではレコーディングのエンジニアもやっていたので、パソコン上で音楽を作るスキルはあったんです。エレクトロミュージックのトラックメイクも今ほどではないにせよ、一応作ることはできたので、音作りの面でravenkneeに入ることに違和感はなかったです。 でも、ギタリストとしては大変でした。というのも、エレクトロミュージックのシンセサイザーって本当に自由で、それこそギターも含めてどんな音でも出せる。加えてravenkneeはEDMやフューチャー・ベースの要素も強くて、パッドの太い音とかって、ギターの歪みと性質が似ていて、ギターの立ち位置がすごく難しくなるんです。なので、ravenkneeでの僕は、どちらかと言うとアレンジャーとしての役割のほうが大きいですね。 ──しかしライブを観ると、kyazmさんはやはりギターが好きなギター・ヒーローなんだと思うんです。 ravenkneeはバンドなので、ギタリストとしての役割が求められることも多いんです。じゃあ、限られた制約の中でどうこだわるか。そこは基本的にギターを鳴らすことを前提にするのではなく、引き算の発想で入れるべきところにギターを入れることで、曲が面白くなるように思います。 ──続いてはphaiとS亜TOHでの役割について、教えてもらえますか？ phaiはSawa（Kazutaka Sawa）と考えや好きな音楽の共鳴する部分が非常に多いので、逆に彼に任せ切っている事も多くて、最近はその傾向がさらに強くなっていると思います。パーティヒーローになるっていう隠れたコンセプトがあります（笑）。S亜TOHは、僕にとってLingnaの思想にかなり影響を受けている部分があり、彼の考えるコミュニティやシーン作りのサポートをしているような感覚です。ヒップホップやラップ・ミュージックやエレクトロ、その中でも“アンダーグラウンド”と言われるような音楽も含めて、変に悪ぶることなく自由な発想で再定義して、エッジーな音楽の居場所を広げていこうとするやり方ですね。

──S亜TOHのアイデアはほんとうに面白いですよね。＜亜＞というパーティもそうですし、最近だと＜2021 survive＞も。 ＜2021 survive＞もLingnaが考えたことで、僕はあくまでサポートです。ポストコロナの世界までみんなで生き抜いてパーティをしようというプロジェクトです。まずはコンピレーション・アルバムを作って収益を幡ヶ谷forestlimitに寄付しようと思って、収録曲を24時間で作るところを配信しました。なかなか無茶な試みで、みんなかなりしんどかったと思うんですが、とても楽しくできました。

──そんな3つの顔を休むことなく動かすだけでも大変だと思うんですけど、そんな中ソロ・プロジェクトを始めたのはなぜですか？ あくまで僕の個人的なポリシーであって、みんながそうあるべきとは思っていないことが前提なんですけど、誰かに何かを意見するときは、その人がやっていることをわかっていなくちゃいけないと思っているんです。だから僕はバンドをやる上でギターだけでなくドラムやベースも学んだし、今ではいろんなことができるんです。でも、結局自分では何も表現してないんですよね。どこに行っても左脳的に機能しているだけ。それだと、それぞれの音楽的な方向性の中心にいる、joeやSawaやLingnaと対等じゃないような気がして。それがソロプロジェクトを始めた理由です。 ──同時進行で4つのプロジェクトに取り組むことのメリットについてはどう感じていますか？　例えばエネルギーが散漫になることによる弊害を感じたことはないのでしょうか。 物理的な言い方になってしまうんですが、表面積が狭いほど一点にかかる力は大きいので、どれかの活動に絞ったほうが鋭さが増すとも言えます。でも、インプットという意味では、いろんなプロジェクトをやる方が効果があるように思います。自分で視野を広く持つことを意識しながらディグしなくても、勝手にいい音楽やいい情報が入ってくる。自分の好み以外の音楽や自分1人だと辿り着けなかった感覚を養うことで、自分自身にオルタナティブでいられるんです。 ──kyazmさんの言葉でご自身の音楽を説明するとしたら、どうですか？ 使えるものは全部使っています。エレクトロのサウンドは自由なので使う。ギターの腕にも自信があるから、そこは個性として使う。歌も歌いますし、自身のルーツの1つでもあるブラック・ミュージックも、ハウスなどのDJカルチャーに参加するようになったことから感じたことや、ヒップホップやトラップのサウンドも。それらをごちゃまぜにしたオルタナティヴな感覚に、グルーヴで統一性を持たせた音楽ですかね。

──オルタナティブやパンクという表現がハマると思いました。 主張という意味では、パンクをやっている感覚はありますね。あと最近は音楽としてのパンクにもハマっています。Lil Darkieがすごく好きで、パンクやガレージのギターにトラップのビートを合わせてるんですけど、歪みで音像がもうぐちゃぐちゃで、それがかっこいいんです。セオリーを突きつめつつもそのままは嫌で、裏をかきたい逆を突きたいって、腹の中では常に思っています。 ──打ち込みの音楽なんですけど生演奏感覚のグルーヴを感じられることも、その結果のひとつですか？ DTMに音を入れていく打ち込みの作業も手で打ってるんです。ドラムとかもパッドで打って微調整したり、あえてちょっとズレてるところも残したり。未知の音を使って人間が演奏している感じを出すことには、意識的に取り組んでいますし、そうすることが僕の中で自然なことなんです。 ──前作『frickle firends』と比べると、今作はさらに音のデザインがアップデートされたようにも感じました。 そこはミックスとマスタリングの違いですね。3月13日（金）に＜Alegre＞というパーティで初ライブをすることが決まっていたので、それまでにどうしてもリリースしたくて、納期にこだわっていたんです。今回は時間的に余裕が出たことがいい方向に向かったと思います。音圧があってローもしっかり出ていますし、細かいことにこだわることができてよかったです。

──曲単位だと、まず“mutemass”はどのようなイメージで作ったのですか？ ライブをするにしても曲が足りなかったので、曲自体は＜Alegre＞の前に急ぎで作りました。その時に参考にしたのは仲間のバンド・gatoですね。僕が彼らの曲の中で一番好きなトラップを採り入れたまだライブでしかやっていない曲を真似しつつ、自分のグルーヴ感を出すようにしました。 ──すごく身近なところから着想を得て生まれたんですね。 ほかにも、エレクトロミュージックのトラックにいろんな音を使いたいと思ったのは、phaiのSawaから受けた影響が大きいです。彼は面白い音を一瞬だけ出して引っ込めるとか、そういうセンスに長けてるんです。メロディはS亜THOのLingnaが僕の家に来て、僕が寝ている間にトラックに歌を入れていて、それがカッコよかったところから来ています。ラップができなくてもトラップにはこういうメロを入れたらいいんだって、参考になりました。だから、本当に身近な仲間の力があっての曲ですね。 ──歌詞はどのような想いで書いたのですか？　《コロナ》という言葉も出てきます。 まだ歌詞はそんなに書いたことがないので、いつも苦労するんですけど、この曲はちゃんと自分の言いたい意見をただ言うってことを、全うできました。《コロナ》と歌っていますけど、それに対してどうこうというより、「情報の取捨選択に踊らされんなよ」って。

──新型コロナウィルスの感染拡大は、情報の取捨選択についてあらためて考える大きな出来事だと思います。しかし、誰もが体験したことのない災いで真実は誰もわからないほどに、何を切り取ってどう考えるかが難しくもある。 そこは、知ることを止めたタイミングで終わっちゃうので、正しい情報が見つかるまで調べ続けるしかないと思うんです。それってすごく疲れることだし、いろんな意見に対して見たくも聞きたくもない気持になるのもわかります。だから情報と自分なりに距離を取るためにSNSを止めたっていいし、そこは自由だと思うんですけど、もし今苦しんでいる人を見るのが億劫だとか、そういう理由であった場合は正直どうかなと思います。僕は今の政治に対してそこまで否定的ではないんですけど、ライブハウスや飲食店など、困っているところは困っていると、どんどん声を上げて当然だし、今は経済的に困ってない人もその声を無視しちゃいけない。あとはトーンポリシングとか、往々にして行動をしている人を止めるような抑圧的な考えは、絶対によくないと思っています。 ──kyazmさんは何を以て情報を正しいと判断していますか？ 僕は大学が数学科で前職は機械学習、AIのモデリングに携わっていました。だから、確率モデルや数理モデルには少し強くて、そういう意味では数字を信用しています。なので、専門家会議などに参加している人たちが言うことは、プロの判断として正しいと考えていますね。でも彼らの言うことは“感染するかしないか”ということにおける変数でしかないので、それらに倣って行動するとライブハウスや飲食店は経済的に追い込まれて店を閉めることになり、その先のやりがいも失ってしまう。失業率と自殺率には相関があるので、そういったネガティヴな状況をどうすべきか、経済の尺度からも考えなくちゃいけないことが足りてないんですよね。 ──そしてその医学的見地からの数字と経済的な問題の間にある歪みは、まだまだ長期化するかもしれません。 もはや終わりが見えないので、結局新しい何かを生むしかない。自粛になってリモートでしかやりとりができなくなった変化が、いい方向に転じている部分もあるじゃないですか。例えば無駄な出勤がなくなっていくかもしれないとか。 だから音楽も今の状況において、新しいやり方を考えていくしかないと思うんです。例えば「SaveOurSpace」は、経済的に苦しい今の現状を打破するためのものですけど、署名を集めて政府に持って行くことで、政治レベルで何かが変えられる可能性を示したという意味でも素晴らしい動きだと思います。さっき話した＜2021 survive＞も、未来に繋がるひとつの流れになるかもしれませんし、やれることはたくさんあると思います。 ──次は“relief”についても話を聞かせてください。この曲は“mutemass”以上に生のグルーヴが印象的でした。また、R&Bやジャズの持つスムースな側面も持ちつつヘヴィーな凶暴性もある。そのミクスチャー感覚が面白い曲だとも思いました。 これも初ライブに合わせて作ったんですけど、やっぱり僕は生音が好きなので、ライブでサポート・ドラマーのhigashiさんやベースの神崎峻が活きるようなフレーズや展開のある曲にすることは意識しました。その反面、音源のサウンドは、キックの音をがっつりエレクトロにして、スネアもトラップっぽい音に。声はヴォコーダーを使ってケロらせる（ピッチを補正するエフェクトをかけることで“ケロケロ”した声が生まれる）とか、あえて打ち込みのR&Bやポップスのトレンドに寄せた部分もあります。

──確かに、生っぽいビートとの躍動感と機械的な音色のマッチングはすごく新鮮でした。 トラップの感じでシャッフルとか、あまりない気がするのでそれを目指したいとは思っていました。 ──ベースのヘヴィーで歪んだ音もカッコいい。ヴォーカルがシャウト気味でエモーショナルなこともあって、コーン（Korn）のようなロックからの前衛的なアプローチも感じました。 ベースは神崎峻に録ってもらった演奏を乗せたんですけど、僕もすごく好きです。確かにベースは（コーンと同じ）5弦でダルンダルンなんで、ドス黒いヘヴィーな感じになってますよね。 ──“オルタナティブ”をキーワードに、さまざまな趣味を持つ人たちが引っ掛かりそうな、すごく多面的な魅力がある曲です。 さきほど、常に逆を突きたくなるって話もしましたけど、カフェとかで流れてるようなお洒落感のあるR&Bやジャズにはしたくなくて。そこに一貫してブルーズや、ジャズでもモダンで洒落たものではなくて、40年代付近のジプシーとか、そういう味を一貫して出していきたいんですよね。 ──歌詞は、強烈なラインが飛び交っています。 言いたいことは“mutemass”に近いんですけどもう少しスコークを広げて、未来のことは誰にもわからないけど諦めないで、今できる選択をしようって。

──2曲とも希望のある作品だと思いました。“みんなで頑張ろう”とか“心を一つに”ではなく、選択の先に皆が思い思いに楽しむダンスフロアを想起させられました。 ライブ感を音源に詰め込めた自負はあるので、そこが伝わってるのは嬉しいです。 ──やはり早く現場でライブをやりたいですよね。 そうですね。いつになるかわからないですけど、今の段階でどう考えても密じゃないところは、もう自粛しなくてもいいと思うんです。例えば、サーフィンに反対する人たちって、もし怪我でもしたら医療従事者に迷惑がかかるとか言うんですけど、整形外科ですよ。僕が調べた限り、むしろみんな家に籠っているからケガ人が減って今は殆どの病院が暇となっていることをデータとして確認できました。 もしその情報が間違っていたら教えてほしいし、アップデートしますが、要するに、問題をすり替えたり感情論で話したりしても仕方がないってことなんです。どんな仕事でも行動でも、自粛すべきかどうかは感情ではなく理屈でフラットに考えてポイントを押さえていかないと。でもそうなると、僕らが1日も早く戻りたいと思っているクラブやライブハウスは、密閉性が高くて人が集まることは確かなので、自粛の解禁はまだ先になるのかもしれないけど、まずは気持ちとかイメージ先行で、「あそこは自粛すべきだ」みたいな論調がなくなることが、結果的に自粛解禁への近道になると思うんですよね。 ──そのうえで、この先に何を想いますか？ ちゃんと先を見て、パーティやフェスに繋げられたらいいですね。そのためにできることは全部やっていきたい。まずは、音源の発表など既に決まっていることを遅延なくやる。当たり前のことを当たり前にやった上で、次を見据えた発信活動をしたいです。精神的には強いほうだと思うので、とにかく腐らずに正しいと思うことを追求していきます。

kyazm 東京を拠点に活動するプロデューサー／ギタリスト／レコーディングエンジニア。 ソロ活動であるkyazmではボーカルも担当。大胆な隙間と、house、そしてjazz〜soul由来のエッジの効いたビートを基とする。 他にもravenknee、phai、S亜TOHなど数々のグループに参加し、 サマーソニック2018、りんご音楽祭 2016、SXSW Japan Nite US tour 2016など数々のフェスや音楽イベントに出演。 エモーショナルかつタイトなギターと、本当に弾いているか分からないぐらい激しいダンスで注目を浴びる。 楽曲提供/ギターアレンジやremixも盛んに行っており、king gnuのボーカル井口理も出演している横田光亮監督の映画「ヴィニルと烏」への楽曲提供や、俳優の吉村界人が出演しているADVENTUREKINGの連載企画へのギターアレンジ／楽曲提供、同じく吉村界人主演、小野寺亮監督作品「Milestone」（道しるべ）のギターアレンジ、the McFaddinやgatoへのremixの提供なども行っている。 その他レコーディングエンジニアとしても実績も多数。 HP｜Twitter｜Instagram

テーマは「解放」です。 突然今までにない状況になり、それまで当たり前だった自由に行動（生活が）ウィルスによりいきなり自由を奪われ生活の範囲を制限されてしまい今までの生活と真逆になってしまいました。 そんな状況からの解放をイメージしながら選曲しました。 今はこの状況から解放されまた全てが自由になった時に全てを解放しておもいっきり好きなことをやることを想像しながら聴いて欲しいです。 夏には自由に外でおもいっきり遊べるようになりますように！

河村康輔｜Kosuke Kawamura 1979年広島県生。東京在住。コラージュ・アーティスト、グラフィック・デザイナー。ERECT Magazineアートディレクター。様々なライブ、イベント等のフライヤーを手掛ける。 雑誌『EYESCRAEM』、『WEB Designing』、『TRASH-UP!』（根本敬氏と共作で実験アート漫画）を連載中。2011年よりイベント、フェスにて様々なミュージシャンとコラボレーションでライブコラージュを行う。代表的な仕事に、「大友克洋GENGA展」（メイン・ヴィジュアル制作）、ルミネ×エヴァンゲリオン（広告ヴィジュアル、アートディレクション、デザイン）、G-SHOCK「Real Toughness Tokyo」（広告メインヴィジュアル、アートディレクション、デザイン）、大友克洋監督作品「SHORT PEACE」ポスター・ヴィジュアル等。

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━━そもそも前提として世界のファッション市場の中で、アジアはどのくらいのシェアを占めているのでしょうか？ 真部大河（以下、真部）　アパレル業界における世界の4割のシェアはアジアが持っているんですよね。そもそも、世界の人口の6割がアジア人であり、中国をはじめ東南アジアも含めて大きな経済成長を遂げており個人消費も活発です。今後ますますシェアを拡大していくでしょう。そして近年さらにアジアのファッションは盛り上がっており、それは音楽やファッションが相互にカルチャーと密接に結びついているからだと言えます。

━━具体的なきっかけは何かあるでしょうか？ 真部　2016年くらいからBLACK PINKやBTSといったK-POPが世界に台頭したタイミングで、ストリート文脈からも〈88rising〉だったり、アジア人ラッパーやアーティストが欧米のチャートにランクインして人気を博すようになりました。そのあたりからアジアのカルチャーが、世界中で評価されたと感じています。そういったアジア人のラッパーやアーティストたちが世界でファッションアイコンとしても人気となり、アジア圏内にも逆輸入されることで、アジアのファッションやカルチャーの需要も近年さらに高まっていると感じてます。 松岡那苗（以下、松岡）　私も当時からアジアを巡っていたのですが、特にマレーシアでは日本のバブル時代みたく、クラブに人が集まるみたいな風潮が当たり前で、今の日本の何倍もの資金を使って、音楽とファッションといったカルチャーに投資している姿を目の当たりにしました。その瞬間にアジアに対する“発展途上国”という印象が一気に崩れて。今、世界で経済を回しているのは、アジアだと肌で感じたタイミングで今の事業をはじめたんです。 ━━アジアのストリートファッションがなぜいわゆる欧米圏で受け入れられるようになったと分析されますか？ 真部　これは仮説ですが、欧米のマーケットにK-POPのBLACK PINKやBTSといったアーティストが食い込むことで、その人たちのバックグラウンドにあるファッションやアジアのカルチャーに注目が集まったことも1つの大きな要素だと思うんです。

━━包括的なアジアのカルチャーに興味を持たれているのか、そうした個別具体の事例から興味を持たれているのかどちらでしょうか？ 真部　包括的というより個々のアーティストの背景にあるカルチャーが新鮮に受け取られている気がします。例えば、韓国のストリートファッションが流行っているのも、USのストリートの文脈より、その国の人にあった骨格とかスタイルとか経済力に合わせた価値観のものが出ている。欧米のいい要素を取り入れながら、韓国ストリートに昇華できていると感じます。そういう感覚を欧米の人たちが“新しいもの”として、面白がっているんです。 ━━どういうプロセスでストリートブランドがアジアで勃興しはじめているんでしょうか？ 松岡　基本的にはスケーターとDJといった音楽を牽引している人達が独自で立ち上げたブランドが多いですね。例えばジャカルタ（インドネシアの首都）では、スケーターやヒップホップアーティストが30〜40代になったタイミングでブランドをはじめて、ローカルのコミュニティリーダー的に扱われることが多いですね。

━━今後のアジアのブランドの台頭をどのように予測されますか？ 真部　アジアのファッションやカルチャーが世界で評価されてきたことにより、今まではアメリカやヨーロッパのファッションを主に消費していたアジア人が、自国のブランドを消費するようになってます。そういった現象がアジア各地で起き始めており、ローカルで根強い人気を得ているブランドが多く立ち上がってます。そして、そういったブランドたちがSNSやインターネットを通してアジアにじわじわと広がっている印象です。 松岡　経済的な数字面もそうですが、消費者1人ひとりもブランドのクリエイターも、結局どこか“舐められてた”感覚が、根強い気がしていて。だからこそ、K-POPのアーティストはどのステージでも韓国の服を着て、インドネシアの人はジャカルタの服を着て、自分たちの国とプレゼンスしていくし、それを支えるクリエイターがいる。そうした“反骨精神”が彼らの連帯を強くしている印象を受けます。 ━━なるほど。 松岡　〈SIXTYPERCENT〉とコラボレーションしてくれるデザイナーたちに「アジアのブランド自体を底上げするプラットフォームがなかったのでやりましょうか」と話すと、ミッションベースで彼らは動いてくれるんです。例えば、インドネシアに〈Thanksinsomnia〉というスケーターブランドがあって。彼らはアイテムをネットにあげると即完する規模の人気を博しています。〈SIXTYPERCENT〉として提携する上で、ジャカルタのブランドとして最初に声をかけた際に、「アジアのストリートをいかに盛り上げるか』という話をしたら、『俺が他のブランドを引っ張る』と言ってくださったんです。そして鶴の一声で参加してくれるのがトップクラスのブランドさんだったりする。ビジネスの話は二の次で、カルチャーを作るために集まってきてくれるのだと感じます。

━━アジアのブランドマーケットが台頭することで、これまでのファッション業界を取り巻く構造は変わるでしょうか？ 松岡　そうですね。アジアは自国に生産環境が整っていてノウハウも蓄積されているので、自分たちのクリエイティブが担保されれば、何の問題もなくなってきている。つまり今までパリ、NY、ロンドン、ミラノといった欧米に行ってコレクションを立ち上げるのが、ファッションにおいて勝ち筋だったのが、そうじゃなくなってきている。結局、自国とアジアのマーケットでやれば勝っていける人たちが増えていくと思っています。 真部　今まではローカルに留まっていたものがジワジワと自国で広がり隣の国のアジアの国で広がり、という動きは起きやすいんじゃないかなと。小さなセレクトショップとか立ち上がったばかりのストリートブランドだったりとか、その熱量が今後増えていくんじゃないかなという感じで、定期的にチェックしていきたいなとは思いますね。 ━━様々な国を巡られた2人から見て、これから注目しておいた方がいいのはどんな国々ですか？ 真部　インドネシアです。インドネシアの人口は2億人と日本より多く、所得水準も上がっております。「Tokopedia」などECなどの普及もあり様々なブランドがローカルで立ち上がっております。ただ、輸出入の規制が厳しく内需主導型経済なので、まだ外にそういったローカルの盛り上がりがそこまで可視化されていないんです。 ━━音楽面で言えば、既に〈88rising〉のRich Brianというラッパーが、インドネシア出身の世界的アーティストも出てきてますしね。松岡さんはどうですか？

松岡　私はマレーシアです。マレーシアにはヒップホップといった音楽やファッション関係の人たちにとって、『Hidden Bar』という隠れバーが至るところにあるんです。玩具屋さんみたいな店のドアを開けると、内装は綺麗なバーみたいな。マレーシアってお酒が基本的にダメという宗教柄、“隠れバー”を地下に作るのがバズったんです。そうしたアンダーグラウンドでDJがファッションデザイナーと会ってワイワイパーティーしているんですよ。遊び場の作り込み方がすごい上手いです。ビジネス的に考えても、植民地時代の背景があるから、実は中国語と英語ができる人がほとんどだから世界に売って出やすい。そこも強みだと感じています。

━━総じてコミュニティヒーローが世界にうって出やすい環境が整ってきていると。 真部　はい。自国の同じシーンにいる人たちが作ったブランドや音楽などのクリエティブが内需で消費されて、体力も自ずと伴っていく。しかるべきタイミングで世界に開けた時には、日本で裏原ブームが起きて、原宿が世界におけるファッションの中心地として知られるようになったような現象が、SNSやインターネットが普及した今の時代にアップデートされた形でアジア各国で起きる気がします。 ━━勃興するアジアのマーケットは“遊び場作り”が上手いというか。秘密の流れをカルチャーとして作るのが上手いということなんですね。 松岡　はい。現にカルチャー作りにお金をかける余裕がまだまだアジアにはあるからだと思いますね。純粋にお金持ちが増えてきて、遊びに気持ち良くお金を使うので。ノリで“スケボーパークを作っちゃった”みたいな（笑）。地価や生活にかかるコストが未だ高騰していない中で、所得も上がってる人たちが、遊びにお金を投資していると思いますね。だからこそ、今の東京より楽しそうなところはいっぱいあるなと思います。

━━成熟しきった日本のマーケットが勃興する国々のカルチャーから学べるところはどんな部分にあるとお考えでしょうか？ 真部　基本的に遊びに面白がってお金を出す人がいないと、新しいカルチャーって成立しないと思うんです。 松岡　お金を使うの恥ずかしいし、ダサいという考え方が横行するとカルチャーが面白くなるわけがない。例えば、インドネシアやアジア地域全般では、ドローンで撮影するのが当たり前なので、本当に小さいブランドでも空撮を行っていたり。これどこからお金が出てるんだろうと思うこともありますが、アジアの市場がバブルというタイミングということもあるので、そういう動きは肯定的に受け止めたいですよね。 真部　あと矛盾するようですが、本当に面白いことはオンラインに落ちていないことが結構あります。ローカルのストアとその熱量がアジア圏内で広がりやすいと思うんです。だからこそ現地に足を運んで、注目して、それを〈SIXTYPERCENT〉という事業を通して発信していけたらと思っています。

SIXTY PERCENT SIXTY PERCENT（シックスティーパーセント）は、アジアのファッションを世界へ発信するパイオニアとして、アジア10カ国85ブランド以上を集めたハイストリートセレクトECとして展開。韓国やベトナムの入手困難なブランドが軒並み出店し、業界人を中心に話題を呼んだ。“NOT MADE IN PARIS”というコンセプトを掲げたオリジナルブランドも展開。 出店ブランドは主にK-POP領域で人気の高いBTSやTWICE、BLACKPINK等が着用して人気を浴びる韓国ストリートブランドを筆頭に、アジア各国で人気を浴びているベトナムブランドや台湾、香港のブランドなどが出店をしている。出店ブランド例：BORNCHAMPS（ボーンチャンプス）、MORE THAN DOPE（モアザンドープ）、vivastudio（ビバストゥディオ）、JOYRICH（ジョイリッチ）など述べ85ブランド。 HP｜Instagram

『2416 MARKET』の真ん中に位置するTHINGSエリアには、エリア内の飲食ショップでも使用されている神奈川産の旬の野菜や果物、グロッサリーなどが並びます。

湘南の太陽の恵みと愛情でおいしく育った「井出トマト農園」のトマトを使用して作ったこだわりのケチャップや小田原の特産物から生まれたサイダー、はちみつやお菓子など、神奈川の“味”を見つけることができます。

THINGSには食物販だけでなく、地元で愛されるコスメやカトラリー、ホームグッズなどが取り揃えられているのも特徴的。 神奈川で活動する作家の器や花器、さらに葉山に店舗を構えるライフスタイルショップ「SUNSHINE +CLOUD」のTシャツやバッグなど、『2416 MARKET』が提案する衣食住が詰まっています。

一画には、神奈川で活躍するベーカーから毎日焼き立ての人気パンを集めたセレクトショップも。新台寺にある人気のパン屋「ル・ミトロン」や鎌倉にある「CHOCOLATE BANK」のクロワッサンなど、売り切れ必須のパンが集まっています。 コンフィチュールや紅茶、蜂蜜などベーカリーと相性の良い地元の食材を使った特産品もずらり。鎌倉にあるジャム専門店「Romi-Unie Confiture」の三浦いちごを使ったシンプルなジャム「Fraise」はここでしか買えない限定品だそう。

湘南唯一の蔵元「熊澤酒造」の日本酒や湘南ビール、東海道ビールなどといったクラフトビールまで、地元・神奈川のお酒が揃ったリカーショップも設けられています。 厳選された約300種類のワインも揃い、『2416 MARKET』で購入した食材とマッチするお酒が必ず見つかるはず。一部商品は隣の「800° DEGREES CRAFT BREW STAND」でも楽しめますよ。

「ALL GOOD STORE」は毎日をちょっとGOODにする新感覚のフラワー&スイーツショップ。生活にちょっとグリーンを取り入れることによって、ココロもカラダも晴れ晴れするはず。 オススメは畑で採れたフレッシュなハーブやローカル食材を美味しく仕上げたこちらのジェラート。ストロベリーやパイナップルといった定番から、ターメリックやバジル、サボテン（！）などここでしか食べられない変わり種も。

地元の旬な野菜や食材を資料した料理、レモネードが楽しめるオールデイダイニング「PASTA ＆」。 中でも、三浦にある「丸清製麺所」でオリジナルレシピで製造したパスタはイチオシです。他にはないモチモチした食感がたまりません。デザートには「Romi-Unie Confiture」とコラボした、イチゴのコンフィチュールをたっぷり使ったオリジナルクレープもありますよ。

『2416 MARKET』が直営するレストラン「800° DEGREES ARTISAN PIZZERIA」では、湘南しゃも、みやじ豚、横浜市場直送の魚介類など、神奈川の生産者より厳選した食材を楽しむことができます。 こちらでぜひ堪能してほしいのは、もちろんピッツァ。 ここではなんと、シェフと一緒に相談しながら神奈川の厳選食材とソース、トッピングを組み合わせ、自分だけのスペシャルピッツァを楽しむことができます。自然派ワインと一緒に、神奈川の素材の味を体験してみてはいかがでしょう？

気軽に仲間と語らうにはこちら。 「800° DEGREES CRAFT BREW STAND」は湘南ビールをはじめ、神奈川全域から厳選した約20種類以上のクラフトビールと、辻堂にある「27 COFFEE ROASTERS」とコラボしたオリジナルティーコーヒーが楽しめるバースタンドです。 こちらでは、いま一番美味しいクラフトビールが楽しめる飲み比べセットが用意されています。 秦野市の「門倉ポーク」を使った自家製ソーセージやトッピングが選べるホットドッグも用意されているので、ちょっと小腹が減ったときにもどうぞ。

神奈川の醍醐味が詰まった『2416 MARKET』では、ヒトとヒトの繋がりから生み出される魅力を継続的に発信していくというビジョンのもと、1クール毎に神奈川に魅了された人たちをアンバサダーとして迎えています。 今回は、オフィシャルアンバサダー vol.1として選出されたお2人に『2416 MARKET』の楽しみ方についてお聞きしました。

━━『2416 MARKET』を体験してみてどうでしたか？ パトリシオ　今、僕は湘南地域に住んでいるんですが、いいなと思って手に取った陶器が茅ヶ崎市・浜須賀の方の作品で。とても親近感が湧きました。 SHOGO 商品の生産者と場所が記載されているのは商品のストーリーがわかるので愛着が湧きますよね。 パトリシオ　この商品情報を見て、茅ヶ崎ってどんなところだろうって思って、茅ヶ崎に足を運んでもらったり、そういう風に広がるととてもいいですよね。

━━横浜駅なので、県内外問わず色々な人が利用すると思いますが、自分ならどう楽しみますか？ パトリシオ　まず「800° DEGREES CRAFT BREW STAND」に来ますね。クラフトビールのテイスティングが1,200円でとても安くて。お酒を飲んで散歩がてら商品を見て、お腹が空いたらご飯を食べて。ひとつの街みたいな感じで楽しめると思います。 SHOGO　「ALL GOOD STORE」で花の形をしたジェラートを食べながら、花を見ていたら、まるで本当に花を食べているような不思議な感じになりました（笑） 『2416 MARKET』には神奈川県ならではの暖かみがあるなと思います。リラックスしてお酒も飲めるし、おいしいご飯もあって、かわいい雑貨もある。すごくゆるく楽しめました。でも、洗練されている感じもあるのが神奈川らしいですね。

テーマは「解放」です。 突然今までにない状況になり、それまで当たり前だった自由に行動（生活が）ウィルスによりいきなり自由を奪われ生活の範囲を制限されてしまい今までの生活と真逆になってしまいました。 そんな状況からの解放をイメージしながら選曲しました。 今はこの状況から解放されまた全てが自由になった時に全てを解放しておもいっきり好きなことをやることを想像しながら聴いて欲しいです。 夏には自由に外でおもいっきり遊べるようになりますように！

河村康輔｜Kosuke Kawamura 1979年広島県生。東京在住。コラージュ・アーティスト、グラフィック・デザイナー。ERECT Magazineアートディレクター。様々なライブ、イベント等のフライヤーを手掛ける。 雑誌『EYESCRAEM』、『WEB Designing』、『TRASH-UP!』（根本敬氏と共作で実験アート漫画）を連載中。2011年よりイベント、フェスにて様々なミュージシャンとコラボレーションでライブコラージュを行う。代表的な仕事に、「大友克洋GENGA展」（メイン・ヴィジュアル制作）、ルミネ×エヴァンゲリオン（広告ヴィジュアル、アートディレクション、デザイン）、G-SHOCK「Real Toughness Tokyo」（広告メインヴィジュアル、アートディレクション、デザイン）、大友克洋監督作品「SHORT PEACE」ポスター・ヴィジュアル等。

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━━『WAVES／ウェイブス』は、脚本を書く前から映画のためのプレイリストを作っていたそうですね。 音楽は僕にとって大切な存在で、かなり前から、個人的に好きな曲を集めて膨大なプレイリストを作っていたんだ。そして、脚本を書き始めた時、そのプレイリストからストーリーや各シーンに合いそうな曲を選んでいった。この映画はミュージカルではないけれど、歌詞の内容がストーリーやキャラクターについて歌っていると感じられるようにね。 ━━映画のために選曲をするうえで、絶対外せなかったアーティストや曲はありました？ この映画の精神を表していて、クリエイティヴなインスピレーションを与えてくれたのはフランク･オーシャン（Frank Ocean）とカニエ･ウェスト（Kanye West）の曲だ。編集の時に、よくジョークを言っていたんだ。 前半のタイラーの物語はカニエ、後半のエミリーの物語はフランクの世界観だってね。そのなかで一曲を選ぶのであれば、フランク･オーシャンの“Seigfried”かな。“Seigfried”は僕が最も好きなシーンの直後に流れて、エミリーと恋人のルークの旅のところでクライマックスを迎える。僕は彼らと同じように恋人と癌で危篤状態だった父に会いに行ったことがあって、映画で描かれた旅はその再現なんだ。 僕と恋人にとって旅は大切な意味を持っていて、僕達は人生の大切な局面でいつも旅をしてきた。そして、“Seigfried”は僕も恋人も大好きな曲でもあるんだ。 ━━フランク・オーシャンの音楽のどんなところに惹かれますか？ 僕は彼の音楽に心底惚れていて、自分にとってはなくてはならないものだ。なかでも、『Blonde』は生涯で最も気に入っているアルバムなんだ。彼が作る曲はパーソナルで、音楽的にもレベルが高い。いつ聴いても心に響くし、古びることはない。今でも『Blonde』をつい最近リリースされたかのように聴いているよ。聴く度に新しい発見があるんだ。

━━多彩な音楽に加えて、本作ではカメラワークや撮影方法もユニークですね。 今回目指したのは、タイラーやエミリーのありのままの姿を映し出した主観的で没入型の映画を作ることだった。例えば360度回転するカメラは、登場人物の頭の中に入り込んでもらうのが狙いだったんだ。 オープニング・シーンでタイラーと彼女のアレクシスの間でカメラを360度回転させているけど、あれはタイラーの感情、2人の関係、10代の恋を表現している。タイラーとアレクシスは思い切り愛し合っていて、思い切りケンカもする。若くて、自由で、ワイルドで、美しい２人だから、彼らの生の感情や恋心を表現するにはカメラを回すしかないと思ったんだ。 この360度カメラは若い恋のモチーフとして、エミリーとルークが旅に出るシーンで再び使ってる。

━━シーンによって画面の比率を変化させる演出もユニークでした。 画面のアスペクト比も、登場人物の心情を感じてもらうには効果的だったと思う。映画の冒頭はワイドレンズを用いて1.85:1の比率にして、タイラーの充実した忙しい生活を撮った。 その後、彼の世界が崩れていくにつれてアスペクト比も変わる。医者から人生を一変させる知らせを聞いた後は2.40:1になり、クスリをやっている時はアナモフィックレンズを用いて2.66:1にしている。悲劇が起きた直後に1.33:1にしたのは、そうすることで閉塞感が増すし、顔をアップでとらえるのに美しい比率だからだ。 物語がエミリー中心に切り替わってからも、彼女はまだ深い悲しみに浸っていて周囲と距離を置いているから、しばらく1.33:1を保ってフォーカスを浅くしている。エミリーが心を開き、恋をしようと決めた瞬間、彼女の感情に合わせて2.66:1に戻すんだ。そして、最後で1.85:1に戻し、エミリーの傷は次第に癒され周りの人々との絆が強まっていく様子を捉えたんだ。

━━物語に入り込んでいたせいか、そんなに変化していたとは気づきませんでした。前半にタイラーを主人公にした物語、後半をエミリーの物語の二部構成にしたのはどうしてですか？ 人生の二面性を描いた物語だからだ。善と悪、愛と憎、男と女、といった具合にね。 僕たち人間は、その繋ぎ目にある混沌とした部分で悩み苦しむことが多い。だから物語を二分割して、兄の視点と妹の視点から描くのが適切だと感じたんだ。僕は映画の「視点」を大切にしていて、他人の人生を経験できるのは映画の観客の特権だと思う。それは共感に繋がるからね。 だから、まずは１人の人物に焦点を当てて、その人がどのような人生を歩んできたのか、悲劇が起こるまでの経緯をその人の視点から見てみたかった。そして次は悲劇の影響を受けた人の視点から、その傷が癒やされる過程を描きたかったんだ。

━━本作はサウンドとヴィジュアルを緻密に作り込むことで、登場人物を通じて世界を体験するような作品になっています。あなたが映画表現の可能性を考える時、大切にしていることはありますか？ 僕にとっては、物語とキャラクターがすべてだ。その次に大事なのは、物語やキャラクターの真の姿を捉えて、それを表現できる映画技法を見つけること。 ヴィジュアル面では、どのようにカメラを使えばストーリーを伝えられ、登場人物の経験を追体験してもらえるかを常に考えている。サウンドも重要な要素さ。今回のような主観的な作品を作る時は特にね。レコーディングからサウンド・デザイン、ミキシングまですべて手を抜けない。サウンドを通してキャラクターの世界に入り込んでいく、その感覚がたまらないんだ。 だからヴィジュアルとサウンドには同じくらい注意を払っている。映画作りのどの段階にいるかによって、どちらに重点を置くかは変わってくるんだ。

━━タイラーと同じ10代の頃、あなたはどんな音楽や映画に夢中になり、そこからどんな影響を受けたのでしょうか。 インキュバス（Incubus）やデイヴ･マシューズ･バンド（Dave Matthews Band）、311なんかをよく聴いてたよ。最近ではあまり聴かなくなったけどね。カニエ･ウエストやレディオヘッドは今もよく聴いてる。 映画に関して言うと、ポール･トーマス･アンダーソン（Paul Thomas Anderson）、クエンティン･タランティーノ（Quentin Tarantino）、ダーレン･アロノフスキー（Darren Aronofsky）、スタンリー･キューブリック（Stanley Kubrick）のファンだった。 なかでも、僕の人生を最も大きく変えた映画は、ポール･トーマス･アンダーソンの『ゼア･ウィル･ビー･ブラッド』だ。レスリングで肩を痛め、人生の方向性を見失っていた年に公開されて観たんだ。肩を痛めたことは僕の人生を一変させてしまった。とてつもない精神的ダメージを受けて鬱になりつつあった。そんな時に『ゼア･ウィル･ビー･ブラッド』を観て衝撃を受けたんだ。映画が大好きだったことを思い出して、映画こそが僕にとっての情熱であり、大切なものだと気付いたのさ。 ━━『WAVES／ウェイブス』には、あなたの人生も描かれているんですね。『WAVES／ウェイブス』というタイトルに込められた想いについて教えてください。 タイトルの意味は、観る人によって捉え方が違うものであって欲しい。僕としては、この映画のテーマや感情を表したつもりだ。人生や愛には常に波があり、この映画では僕たちがいかにその波とシンクロしているかを描いている。この映画で描かれる感情も波のように流れていくんだ。 また、物語の舞台がフロリダだから、水が大切なモチーフになっていて、感動的なシーンはどれも水の近くで展開されることにも関係している。さらに“Waves”というカニエ･ウエストの曲があって、その歌詞の内容が映画に似ているんだ。こういう歌詞なんだけどね。 《太陽は影では輝けない／鳥は籠の中では飛べない／誰かがその姿を消しても／気持ちは消えることはない》。

──まずは、BOATがどのような経緯でスタートしたのかを教えてもらえますか？ MO/NY　今から2年くらい前、BOKEHくんが前のバンドを解散してYOHLUで活動し始めた頃だと思うんですけど、僕らMADE IN HEPBURNとYOHLUで集まって曲作りをする機会があったんです。それがすごくいい感じだったので、「自分たちでどこかに物件を借りて、そこでいつでも集まって制作活動が出来たら面白いよね？」という話になって。それで知り合いに声をかけたら、みんな「入りたい！」ってあっという間に10人くらい集まって（笑）。「一人数千円ずつ出せば物件借りられる！」ってところから始まった感じですね。 僕はラジオのディレクターもやっているんですけど、番組で知り合った面白い物件を扱っている不動産屋さんに相談しに行ったところ、天神の海側の外れにボートレース場があって、その目の前にある物件が空いていると。そこは元々質屋だったので、金庫室があってそこで大きな音も出せるっていうんですよ。ちなみに、今僕らがいるところが金庫室だったところなんですけど（笑）。 ──なるほど。ボートレース場の近くだったからチーム名も「BOAT」だと。 MO/NY　実はそうではなくて。この物件に出会う前から「名前はBOATがいいよね」と話していたんです。福岡は海が近いし、ボートに乗ってみんなで大海へ漕ぎ出していくっていう意味にもなるし……。これ言うの、ちょっと恥ずかしいんですけどね（笑）。で、たまたま紹介された物件がボートレース場の近くだったので、これはもう神の啓示だろうと（笑）。「物件も借りるしかないし、名前もBOAT以外にないよね？」という話になりました。

──現在は、総勢15名のメンバーで成り立っているんですよね。 MO/NY　そうです。僕が所属するMADE IN HEPBURNは結成して4年目になる5人組のバンドです。前身バンドの半分くらいが今のメンバーなんですけど、そこからカウントすると10年くらいの活動歴になります。 BOKEH　僕が所属するYOHLUは結成から2年くらいの3人組バンドです。ボーカルのKENTOは僕と同じ写真会社の後輩で、音楽未体験だったんですけどバンドに誘って。ギターのZMIさんはネットを通じて知り合い、SoundCloudに上げていた音源がすごく良かったので加入してもらいました。 GOiTO　僕は大分出身で、ラッパーとしての活動は2010年からです。もともとはダンスサークルに所属していて「ちょっと喋ってみない？」みたいに言われて司会から始めたんです。それ以前からヒップホップを聴くのは好きで、自分でもやれるかなと思って始めたのがきっかけですね。住んでいるところは実は佐賀で、長崎辺りを活動拠点にしていました。で、MADE IN HEPBURNのTakahiro（Moriyama）とは中学が一緒で、「音楽やってるなら一緒に何か作ってみよう」という話になって。 Takahiro Moriyama　MADE IN HEPBURNのjeff が用意したトラックに、遊びでラップを乗せてみたんだよね。 BOKEH　で、レコーディングが終わってからそのまま僕がカメラを持って、スタジオの近くでPVを撮って。 Takahiro Moriyama　トラックメイクからレコーディング、PVまで全て1日で終わらせるっていうミラクルな1日があったんです。そんな経験をしたら、もう君もBOATの一員だよね？　みたいな（笑）。なので、メンバーの中では僕とGOiTOが一番古い付き合いになるのかも知れないですね。 MO/NY　New Oil DealsというバンドからラッパーのToddyとドラムのAppleの2人、シンガーソングライターの虎太朗と、トラックメーカー のMinato Masashiくん、DJのYosukeくん、それから最近入ってきたキーボディストのOsamu Fukuzawaくん。基本的にはみんな、ここに遊びにきていつの間にかメンバーになっていた感じですね。 で、メンバーのうちの虎太朗が新たに始めたのが、〈Arias〉というBOATのネクスト・ジェネレーション版。虎太朗は18歳で、僕らとは年齢が半分くらい違うんですね。彼らは彼らでまた別のシーンというか、20人くらいで集まっている音楽仲間がいて。「BOATみたいな活動がしたい」と言うので「真似してやってみれば？」と勧めて出来たのが〈Arias〉です。 BOKEH　ここのスタジオも勝手に使わせていて。昨日も僕が来たら、虎太朗たちが集まってなんか作ってました。「おお、来とったんや」みたいな（笑）。

──なるほど。正式メンバーは15人だけど、割と流動的な集まりなのですね。 BOKEH　そうですね。デザイナーとかいろんなやつが出入りしてます。 Takahiro Moriyama　正式メンバーになるかどうかは、フィーリングが一番大事かもしれない。 MO/NY　そうだね。「ある一定のノリが合えば自動的にメンバー」みたいなところはあるかも知れない。あと、漫画の『ONE PIECE』方式というか、「これ出来るやつ誰かいないかな」「俺はこれが出来るよ」みたいな感じで、お互いに補い合っているんです。次はバーベキューがやりたいので、料理が得意な人を募集しているところですね（笑）。 ──福岡を拠点にしている理由はありますか？ BOKEH　年代的に20代後半から30代前半のメンバーなので、みんなそれぞれ社会的にも仕事が福岡でちゃんと定着しているというか。生活の基盤がしっかりあるからここにいる感じです。 MO/NY　別にヒップホップのレペゼンみたいな感じで「福岡、最高！」と思っているわけでもないんですよ（笑）。メンバーも、中には幼馴染み同士という人もいますが、全員が「10年来の知り合い」みたいな感じでもないし、福岡で音楽を続けていたら、流れ流れて行き着いた場所が一緒だった人たちの集まりみたいな（笑）。 BOKEH　どこのシーンにも属せなかった「はぐれもの」の集団というか。居心地いい場所を自分たちでやり始めたんですよね。他に場所がないから。 Takahiro Moriyama　僕らの世代は上京しないと音楽活動が成立しない、ギリギリの世代だった気がして。実際、僕もBOATが出来る前は上京したいと思っていましたね。残酷な時の流れでどうにも出来なくなり（笑）、それでも音楽は続けたいというその一心でずっとやっているところはあります。そういうふうに思っていた世代の集まりなのかなとも思いますね。 MO/NY　ギリギリそれが出来る街が福岡なのかも。例えば宮崎や鹿児島など他の県に住んでいて、もし僕らみたいなことをやろうと思ったら、もっと若い段階で「上京しよう」ってなるかも知れない。あと、例えば女の子が大学へ行く時「上京する」というと親が止めるけど、福岡なら「まあいいよ」みたいな（笑）。それで福岡には女の子が多いという説があるんですよ。福岡って、そういう大阪や東京へ行く手前の「ワンクッション」的な役割があるんですよね。で、ワンクッションのはずが居心地良くて、そのまま住み着いちゃうっていう（笑）。 もちろん、熊本にも宮崎にも面白いシーンはあります。ただ、そこにフィットしなかった人たちが、福岡に拠点を移したらうまくいくこともあるし、それでも僕らみたいに何となく「はぐれもの」同士で集まってしまうことも起きうるのかなと。

BOKEH　あと、僕らくらいの年代だと遊びに行くときに例えば居酒屋とかクラブとか、発散の遊びしか無くなってくると思うんですよ。そんな時に溜まり場みたいなものがあれば、ずっと続けられるというか。ここで生活の基盤を築きながらも、音楽や映像など好きなことを自然体で続けられるのが大きいのかなと思っています。 MO/NY　それはあるかもね。 BOKEH　「今日、ちょっと遊びたいな」と思ったときに「じゃあ居酒屋へ飲みに行こうや」じゃなくて、ここに来てピザとか食いながら（笑）、曲を作って遊べた方が断然楽しいし。これがバンドとかだと、例えばメンバーの1人が「結婚して子供できた」とか、「今の仕事辞めて転職するわ」ってなったら活動ペースが止まったりするじゃないですか。でも、これだけメンバーがたくさんいれば、みんなでそれを補うことも出来る。止まらないでいられるのは大きいと思うんですよね。 MO/NY　カルチャー的な受け皿があるというよりは、経済的な面や住み心地のよさ、都会過ぎないけど田舎すぎないところが福岡にいる理由なのかも知れないね。 Takahiro Moriyama　音楽やカルチャーに支払われる価値観が全く違うと思います。東京じゃないと成立しないカルチャーに、やっぱりまだ音楽も含まれている気がして。そこはこの街にいてすごく苦労するところでもあるし、やり甲斐に感じる部分でもありますね。 BOKEH　あと、以前YOHLUは韓国でライブをやったんですけど、韓国って福岡からめちゃめちゃ近いんですよね。近いから東京に行くノリで行けてしまうのはよかった。 MO/NY　コロナ以前は福岡自体が「アジアの玄関口」みたいなキャッチフレーズを打ち出し、市が旗を振って動いていたんですよね。「アジアに向けて、福岡を発信していこう」みたいな。ここにいると、そういうのに乗っかりやすい部分もあるかも知れないです。

──先ほどTakahiro Moriyamaさんが「音楽は東京じゃないと成立しないカルチャー」とおっしゃいましたが、とはいえ福岡からはMega Shinnosukeやクボタカイ、Rin音、ShunMaruno、yonawoなど、ユニークで良質なアーティストが次々と登場しているイメージがあります。 BOKEH　確かに、このところポンポン天才が出てきたよね（笑）。 GOiTO　やっぱりSNSやYouTubeによって、いい意味で「開けた」ところはあるかも知れない。僕はずっとクラブを回ってきましたが、やっぱり縦社会なんですよね。「出る釘は打たれる」みたいな風潮って、僕らの世代では普通にあった。でも、今は天才たちがそういう風潮に潰されず、ネットで躍進できるようになったのは大きいんじゃないかなと思います。しかもクボタカイくんやRin音くんたちは、クラブシーンの中でもちゃんと一目置かれている。

──ネットの普及により、わざわざ東京まで行かなくても配信などで全国展開できるようになったのも大きいかも知れないですよね。 MO/NY　ただ、実際の再生数やCD売上枚数でいえば、東京の方が断然多いんですよね。昔から、「東京のものを福岡に持ってくると規模が10分の1になる」と言われていて。今もまだそういう状況ではある。 BOKEH　作っているのは福岡だけど、聴いてくれているのは東京や大阪だったりするわけですよ。Spotifyの再生回数を見ると、BOATの音源は1位が台湾で、東京、大阪の順に多く、かなり下の方に福岡が来るっていう（笑）。作っているのは地元だけど、受け皿はいろんなところにある今の状況は、逆に面白いなあとも思いますけどね。 ──居心地の良い場所で生活しながら、作品は世界各地に届けられるのは理想的かも知れないですね。 BOKEH　それを体現してくれているのはRin音くんですね。僕らはまだまだこれからです（笑）。 MO/NY　あと、例えばyonawoの初期の作品はGarageBandで録音したものを、そのまま出しているようなサウンドだったし、Rin音くんやクボタくんも、最初はいい意味でラフな感じだった。それでいてかっこいいサウンドを作り出しているのも大きいですよね。で、「どうやったらそんなかっこいい音になるの？」みたいなことが周囲で共有され、レベルが底上げされていくという。そういう、SNS上のコミュニティが形成されているのかも知れないですね。「ライブハウスで情報交換していく」のとは全く違う動きがあるような気がします。 BOKEH　僕らはもともとバンドマンだし、GOiTOくんもずっとクラブで回していたし、どちらかというと「叩き上げ世代」なので（笑）、今の世代のメソッドを学びつつ、曲作りなどは自分たちのやり方でやっている感じですね。なので若い子たちへのリスペクトはめちゃくちゃありますし、若い世代のアーティスト達がBOATへ気軽に遊びにきてくれるのは本当に嬉しいです。

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━━後編となる今回は、みなさんがオススメする福岡のカルチャースポットを教えてください。 MO/NY　美容室とクラブと飯屋が合体したようなお店なんですが、『メリケン バーバーショップ 福岡(MERICAN BARBERSHOP FUK)』ですね。GOiTOくんはいつもそこで髪を切っているんだよね？ GOiTO　すごく居心地がいいんですよ。もともと神戸に本店があって、分店という形でオープンしたんですけど、雰囲気もBOATに似ているような気がして勝手に親近感を覚えています。なんというか、チームで各々好きなことをやっているうちにシーンが形成されているんですよね。お店がやっているイベントは基本的にすごくセンスもいいですし。 ━━クラブもやっているということは、夜遅くまで営業しているんですか？ GOiTO　今はコロナウイルスの影響で変更があると思いますが、普段は22時に髪を切りに行っても対応してくれます。理容室の奥にBarスペースがあって、髪を切ってもらいながらビールを飲むこともできるんですよ。

━━へえ！面白いですね。お客さんの年齢層ってどんな感じなんですか？ MO/NY　お店の人曰く、メインの客層は男性のビジネスマンだとは言っていました。でも男女問わず、幅広い層のお客さんが遊びに来ていると思います。 Takahiro Moriyama　『como es』もおすすめです。今泉というエリアにある、古民家を改装したカフェなのですが、店長さんがもともとDJをされていた方で、初めて行った時にまず驚いたのが音響の良さ。「これはただのカフェじゃないな」と（笑）。古民家のレトロなテイストと、イマっぽいカフェ感みたいなもののバランスもあって、結構若い子たちが集まっていますね。音楽イベントもよくやっていて僕らも出ることが多いです。『メリケン バーバーショップ 福岡』と同じく、カルチャー発信地の1つになっている気がします。 MO/NY　『como es』は結構10代の子もいるのがユニークなんですよね。かかっている音楽は相当「イナたい」んですよ、80年代のR&Bとか（笑）。例えば10代の子たちがDJイベントなどを開いた時に、never young beachとか最近の音楽をかけていると、店長が「その曲なら、こういう曲ともつながるよ」みたいな感じで自分のレコード棚から古い音楽を紹介したりしていて。

━━いい文化交流ですね。 Takahiro Moriyama　あとは……大濠公園も楽しいけど（笑）。やっぱり『SUP STAND』かな。MADE IN HEPBURNがリリースした前回のシングルのアートワークを担当してくれたデザイナーの子が運営しているカフェです。その子は僕らと同世代なんですけど、福岡の新しいカルチャーを作っているような若いクリエーターたちがよく集まっていますね。 BOKEH　BOATのメンバーそれぞれの遊び場というかテリトリーも微妙に違ったりするので、それが交わったりするところが面白いんです。 Takahiro Moriyama　街が狭いですからね。今紹介したショップは自転車とか、歩いても行けるくらいの距離感なので。だから、客層も被ってたりします。 MO/NY　例えば『como es』に寄ってから『SUP STAND』へ行くと、「あれ、あの人さっき『como es』にもいたな」みたいな、行動パターンの被り現象がよく起きる（笑）。今、福岡市は「コンパクトシティ」というキャッチフレーズを提唱していますが、確かにコンパクトな街だからこそ生まれる出会いみたいなのがあるような気がしますね。人も街もギュッとまとまっていて、住みやすいみたいな。

──今紹介してくださったお店などへ行くと、クリエーター同士が知り合って新しいプロジェクトが始まるとか、そういう出会いの場にもなっていそうですよね。 Takahiro Moriyama　それはあると思いますね。『SUP STAND』によく来る子が、そこで自分の作品を展示することになったとか。そういう話はよく聞きます。お店に通っているうちに交流が生まれていったのだろうなって。 BOKEH　ミュージシャン同士だけのつながりじゃなくて、例えば、同じ音楽が好きなデザイナーやエディター、ミュージシャンが繋がるみたいな、異業種交流も起こりやすい気がするよね。 MO/NY　福岡は、東京みたいに「渋谷があって下北沢や吉祥寺があって」という感じではなく、「福岡」という一つの街の中で暮らしているので、やっていることや好きなものが似ていると、自ずとどこかで出くわすんですよね。東京だとあまりそういうことないじゃないですか。やっていることが似ていても、全く出会わないとか10年くらい経ってようやく巡り合うなんてことがたくさんあると思うんですけど。 ━━とてもよく分かります。 Takahiro Moriyama　逆に僕らからすると、東京の人たちに対して驚くことはありますね。「え、同じテイストなのに、そことそこって接点ないんですか？」みたいな（笑）。 ━━「人とのつながり」という意味では福岡の方が密接な感じがしますね。では、福岡の「キーパーソン」というと誰が思い浮かびますか？ BOKEH　それはもうMO/NYさんでしょう。この人、頭の中が「ギャル」なんですよ（笑）。BOATの中では最年長なんですけど、10代の子たちと全く同じ目線で話していますから。そういうことができる大人ってあんまりいないじゃないですか。MO/NYさんがそういう感じだから、年代とか関係なくいろんな人とBOATは繋がることができるんだろうなと思いますね。 MO/NY　あとは福岡市長の高島宗一郎さんですかね。もともと高島さんはアナウンサーで、DJもしていたくらいなので。 BOKEH　就任して福岡の魅力を、 YouTuberみたいに発信してたよね（笑）。「この人、すげえ！」って思いました。 ━━高島市長といえば、『2024年天神未来創造　天神ビッグバン』というプロジェクトを立ち上げ話題になりましたよね。 MO/NY　福岡の天神を中心とした大規模な都市開発です。「旧大名小学校跡地まちづくり」がいい例です。「大名」と呼ばれるエリアに小学校があったんですけど、現在このあたりには小学生がほとんど住んでいないので、廃校になったんですね。その跡地をシェアオフィスとして再利用していたのが、このたび本格的な工事が入って「リッツカールトン・ホテル」になることが決まったんです。 それと、「天神コア」と「天神ビブレ」という、女子高生がよく行くような商業施設があるんですけど、そこも取り壊してまとめて大きな商業ビルにする予定なんです。福岡は空港が近くて、これまで大きいビルを建てられなかったんですけど、航空法が変わって少し高い建物も建てられるようになったのが背景にあるようです。

━━街の様相がかなり大きく変わりそうですね。 MO/NY　これまでは色々な施設が天神にギュッと寄っていたんですが、それを少しずつ博多とか大名に散らしていく狙いもあるんじゃないかなと。川沿いとかにもカフェを作ったり、ちょっとしたパリのような雰囲気を市長は目指しているのだと思います。そういう大きな都市開発って20年くらいかけてやるものだと思うんですけど、それを5年くらいでやろうとしているのが高島市長。街もダイナミックに変わっていくし、僕らの生活もそれに合わせて変わっていくのかなと。そんな空気はひしひしと感じますね。 それと、少し前に雑誌『POPEYE』で福岡特集が組まれるなど、外側の人に評価されたり、それこそ福岡発のアーティストが盛りあがったりしたこともあり、「もっと福岡を盛り上げていこう」という機運が自治体も含めて福岡の内側でも盛りあがったところはあると思います。 BOKEH　外側の人が盛りあげてくれている、というのはあると思います。それこそAmPmのNamyさん（高波 由多加）がよく福岡に遊びに来てくれるんですけど、以前DJイベントで共演させてもらったときに「一緒に何かやりましょう」という話になって。Ovallの関口シンゴさんやPeach Boiさんも誘って作ったのがYOHLUの“FLIGHT LIGHT”という楽曲です。 あとは、GOiTOくんがJazzy Sport SAGA TEAMとの繋がりから、grooveman Spotさんをプロデューサーに迎えて“FEELIN”というシングルをリリースしたり。自分たちが好きで尊敬している人と、福岡にいながら一緒にものを作れるのが嬉しいですね。

MO/NY　福岡って、昔から他の場所から来た人が作ってきた街なのではないか？　という説があるんですよ。黒田藩も、もともとは岡山の商人だったらしくて。 全員　（笑） Takahiro Moriyama　そういえば、この間タクシードライバーさんも言ってましたね。「福岡は太宰府があって、そこに集まる商人と公家さんによって作られた街だから、武家文化は成り立たなかったんだよ」って。 MO/NY　そういった福岡という街の成り立ちのようなものも、少しは影響している気がしますね。海が近くて交通の便がいいという福岡の立地がそうさせているのかも知れないですね。 ━━前編後編とお話を伺って、福岡は今、様々な面からドラスティックに変わりつつあるのだなと思いました。そんな中、BOATはどのような活動をしていきたいですか？ Takahiro Moriyama　正直、僕ら自身は率先してカルチャーを形成したいというような明確な意思はなくて。 BOKEH　そうだね。「面白いことをやっていたら、それがいつの間にかカルチャーになっていた」くらいのノリというか。 Takahiro Moriyama　「カルチャーを形成する」とか、「シーンを盛りあげる」ということ自体に、ちょっと冷めた視線があるからこそ、この集まりが出来たのかもしれないので（笑）、それをいい形で持続できるようにしたいなと個人的には思っていますね。 MO/NY　日本の音楽業界って、「メジャーデビューしないと音楽は続けられない」「売れないとダメ」と言われていた時代が結構長く続いていたじゃないですか。音楽業界の人たちもそのルールに乗ったやり方をずっと続けていたと思うし、東京や大阪は今もそういう部分はあるのかも知れないけど、福岡で音楽をやるとなった場合、商売と直接つなげて考えるのはやはり現実的ではないと思うんですよね。 ━━なるほど。 MO/NY　だからこそというか、80歳とか90歳になっても今みたいにこうやって集まって、ビート作ってラップしてみたいな（笑）。音楽をしたいとか、音楽を志した人が、半永久的に続けられる仕組みを作っていきたいですね。結婚して子供が生まれても、何かしら音楽を作ったりイベントに出演できたり、そういう街であって欲しいし、少なくても僕らBOATのメンバーはみんながそうなって欲しい。 これって、僕が若い子たちにずっと言っていることでもあるんです。「今は例えばメジャーデビュー出来たとしても、何年か経ってメジャーでは出来なくなった時に、そこから自分たちで音楽を一生やっていくような環境やスキルを今のうちに身につけておいた方が自分のためだよ？」って。それを生活していく中で実現していくのが、僕らの目標ですね。

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