日本人女性ヴォーカル×マスロックという唯一無二のポジションで世界を駆け巡るフィーメイル・ロック・バンド、tricot（トリコ）。今月リリースされたばかりの3rdアルバム『3』999枚限定デラックス盤は、ボディペイントで話題のアーティスト、チョーヒカルとのコラボ・アートボックス仕様。両者とも国内のみならず、欧米、アジアと海外でも幅広く活躍する日本人女性アーティストなだけに必然的な掛け合わせに思えるが、才能ある若手女性が結束し、世に放った渾身作は、一体どのように生まれたのか？

ニューアルバム『3』の中身と共に、彼女たちの素顔に迫るべく、渋谷の某カフェにtricotメンバーとチョーヒカルを招集。弾ける個性がぶつかり合い、雑談ともいえる対談にて、彼女らの魅力をたっぷりとお届けします。

Interview：tricot＆チョーヒカル

——まずは、『3』のアルバムリリース、おめでとうございます。 tricot全員　ありがとうございます。あとは発売を待つのみです。 ——今回『3』のアートワークをチョーさんが手がけられたのは、どういう経緯なんでしょうか？ 中嶋イッキュウ（以下、中嶋）　私が5年くらい前にたまたまSNSでチョーさんのボディペイントの写真を目にして、興味があったので名前で検索したら、作品のまとめが出てきて「すごい！」と感動して。すぐにInstagramとTwitterをフォローしました。そのあと、チョーさんが代官山でやっていた合同の展示会と、（当時、京都・滋賀在住だった）私たちが東京に来るタイミングが合ったので、先輩（キダ）と一緒にチョーさんにCDをお渡ししたのが最初ですね。 チョーヒカル（以下、チョー）　よく覚えてますね！　私は当時学生だったのでずっと在廊してたんですよね。tricotのことは存じあげていなかったのですが、おふたりが来た直後に、（tricotがチョーヒカルの展示会に）「行ったよ」というTwitterを見たらしいファンの方が駆け込で来て、「今来た人たちはすごくかっこいい音楽を作っている人たちなんだよ！！」って力説してくれて（笑）。それからお互いSNSでフォローし合って、でもリプライとかはせず、投稿をお気に入りに入れる程度の距離感を保っていたんですよね（笑）。中嶋　ずっとお仕事としてお願いできるタイミングを待っていたんですけど、ファン始まりだったので、気軽に頼めなかったんです。例えば2ndシングルの『おやすみ』のジャケットイラストは私が描いたし、グッズも自分で描いていたので人に頼んだりしたことがなくて。今回、アートな雰囲気のジャケットにしたかったのですぐにチョーさんが浮かび、お願いしました。念願がやっと叶った、という感じです。 チョー　『おやすみ』好きです！　ジャケットがイラストだったので、いつか頼んでくれないかな、と思ってよく聴いてました（笑）。他のジャケットとかの仕事を受けたりしたときも、良い作品を作ったら、いつかtricotのみなさんにも頼んでもらえるかな、という目論見はありましたね。 ——今回のコラボはお互いに念願叶って、という感じだったのですね。デラックス盤のアートワークのアイディアは、どこから生まれたものですか？ チョー　今回のアルバムは「3人で制作する3rdアルバム」ということだったので、メンバーのみなさんの個性が見せられるようなアートワークにしたいと思い、蝶々をモチーフに、それぞれのキャラクターを色彩豊かな柄で表しました。全体の色のトーンはギリギリまで迷っていたんですけど、ライブを初めて観たときに感じた勢いとか強さとか、とにかく「かっこいい」イメージにしました。顔にペイントをさせていただいたときはみなさん穏やかで、ライブのときとは全然印象が違うんですよね（笑）。

次ページ中嶋「アートワークに関してはほぼ全てチョーさんにお任せ」

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オリジナル記事：【対談】tricot×チョーヒカル、新作『3』アートワークで相思相愛コラボ実現！その出会いや誕生秘話を探る！！

tofubeatsがメジャー3作目となる最新作『FANTASY CLUB』を完成させた。DreamAmiや小室哲哉、KREVA、くるりの岸田繁を筆頭にした豪華ゲストを多数迎えて完成させた前作『POSITIVE』から一転、今回のゲストはKANDYTOWNのYOUNG JUJUとsugar me、そしてコーラスで参加した中村佳穂のみ。全編にはtofubeatsのボーカル曲やビート曲を中心に据えた、まるで手作りで大切に作られた小品のような世界が広がっている。とはいえ、インタビューでも語ってくれている通り、彼がこのアルバムで表現していることは、大枠では『First Alubm』や『POSITIVE』といったメジャー移籍後の2作とも繋がっている。この『FANTASY CLUB』は、tofubeatsがこれまでの作品でも一貫して表現してきたポップ・ミュージックの魅力を、メジャー移籍後の2枚とはまた違う角度から覗いてみた作品なのだ。その制作過程について、そして今の彼が思うポップ・ミュージックについて聞いた。

Interview：tofubeats

今回のアルバムって、実は『POSITIVE』よりもポジティブなアルバム

——去年SKY-HIさんとの対談の進行をさせてもらったとき、「次のアルバムはメジャー移籍後の2枚とは少し違う雰囲気になるかもしれない」と話してくれたのを覚えているんですが、実際に今回の『FANTASY CLUB』はよりメロウでパーソナルな雰囲気の作品になっていますね。この変化は、どんな風に起こったものだったんですか？メジャー・デビュー作の『First Album』のときは、そのときやろうとしたことが綺麗にできなかったかなという気持ちがあったんですけど、次の『POSITIVE』ではそれができた感覚があって。だから、次はそういう「（楽曲ごとに豪華な仕掛けを用意して）パワーを積み重ねて作っていく作品」ではなくて、「アルバムらしいアルバムにしたいな」と思ったんです。あと、『POSITIVE』のときに入れなかったトラックがあって、それが今回の“FANTASY CLUB”と“Open Your Heart”なんですよ。この２曲にスポットライトを当てたいなとも思っていたので、それで作ったのが今回の『FANTASY CLUB』です。だから今回は、アルバム1枚を通して何かを揃えるということを意識しました。タイトルも全部アルファベットの大文字に統一して、MVの雰囲気も統一して、ゲストの人たちも本当に少なくなったんです。 ——ポップに弾けたアルバムを２枚作ったからこそ、次は違う雰囲気のものも作ってみようと思えたということですね。 そうですね。今回のアルバムって、実は『POSITIVE』よりもポジティブなアルバムだと思うんですよ。「明るい作品を作らないと聴いてくれないな」ではなくて、「こういうものも聴いてくれたらいいな」と思えるようになった。これは、自分ではすごい成長だと思うんで。 ——そもそも『POSITIVE』というアルバムは、「ポジティブな作品」ということではなくて、「ポジティヴに“なりたい”」という気持ちで作られた作品でした。当時は「メジャーでやっていけるんだろうか？」という恐れのような気持ちがあったんです。でも、結果として『POSITIVE』ですごく綺麗なアーチを作れたんで、今回はそれとは違うものにしようと思えたというか。それで、『First Album』の中で焦点を当てなかった要素にフォーカスして、メジャーで大きくやってみよう、という気持ちになったんです。次ページ「あの『気持ちだけある。技術ゼロ』みたいな感じがめっちゃ好き」

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オリジナル記事：今のtofubeatsが思うポップ・ミュージックとは？『FANTASY CLUB』インタビュー

2000年代にサムシング・コーポレイト、ジャックス・マネキンのフロントマンとして活躍したアンドリュー・マクマホンが、ソロ名義でのメジャー・デビュー・アルバム『ゾンビーズ・オン・ブロードウェイ』（邦題『ファイヤー・エスケイプ』）をリリース。 2005年に急性リンパ性白血病を診断され、その思い出が残るニューヨークで、彼自身が再発見した“生きる喜び”が綴られたオリジナル・アルバムだ。リードトラック“ファイヤー・エスケイプ～きみがいる世界”はジャンルを超えたヒットを記録し、日本でもパナソニック家電新キャンペーンのテーマ曲として採用。TVCMが5月10日よりオンエアされている。

4K有機ELビエラ 2020年を見るテレビ綾瀬さん西島さん篇【パナソニック公式】

2017年は、各国の音楽フェスティバルへの出演に加え、ビリー・ジョエルのスタジアム・コンサートでオープニング・アクトを務めることも決定するなど、キャリア史上最高の輝きをみせているアンドリュー・マクマホン。そんな彼にインタビューを行い、アルバムに込められた想いや病気という困難からの克服、日本の印象や自身の音楽観について語っていただいた。

text by Qetic・田中莉菜

アンドリュー・マクマホンオフィシャルサイト

Interview：アンドリュー・マクマホン

——シングル“ファイアー・エスケイプ～きみがいる世界”はどのような内容を歌った曲なのでしょうか？ 僕は作詞のためニューヨークを訪れ、スタジオに入る前夜にはたくさんの友人たちと夜の街に繰り出しました。それは、まるで映画のストーリーやワンシーンのようなクレイジーな夜の日々だった。それらの出来事を泊まっていたホテルの部屋でノートに書き出し、それらが歌詞となりました。 ——歌詞の内容はラヴ・ソングのように聴こえますが、タイトルの『ファイヤー・エスケイプ』は何を意味しているのでしょうか？ 《Swinging from a fire escape》という歌詞のアイディアは夜中に感じた孤独感と喜びの気持ちを集結させた感情から来ています。 ——最新アルバム『ゾンビーズ・オン・ブロードウェイ』（邦題『ファイヤー・エスケイプ』）はどのような内容になっているのでしょうか？　（テーマや聴きどころを教えて下さい）僕はこのアルバムを作るにあたり、特にテーマを設定してはないです。しかし、僕はニューヨークの活気やエナジーを感じながらこのアルバムを作りました。 ——『ゾンビーズ・オン・ブロードウェイ』はちょっと不思議なタイトルですが、どんな意味・想いを込めているのでしょうか？ ゾンビは、僕がこのアルバムの大半の楽曲をレコーディングしたタイムズ・スクウェアに殺到する観光客から着想しました。時間とともに、そのタイトル『ゾンビーズ・オン・ブロードウェイ』が「どれだけ簡単に街の中で自己を消せるのか」ということを表し始めました。 ——アルバムジャケットでは街中でヘルメットのようなものをかぶっている姿と、部屋のようなところで通常の姿が半々になっていますが、これはタイトルとリンクしているのでしょうか。僕は時々、僕自身のパーソナリティが全く異なる２面を持ってると感じています。片方は地に根を張り隠れ平静を保っています。そして、もう一方は宇宙の中にいる感じなのです。その僕の2つのパーソナリティからこのアルバムジャッケットは着装しました。僕はこのアルバムに入っている曲は2つのパーソナリティたちの交流、テンション（緊張）がパーソナリティたちを（1つのものとして）調和、一致させようとする探求心が創り出したものだと考えています。

Andrew McMahon in the Wilderness - Fire Escape (Official Music Video)

——2005年の病気はいまでは昔の出来事だとは思いますが、当時は相当つらい経験だったのではないでしょうか？ 僕はとてもショックを受けました。しかし僕はこの病気を既に僕の旅の一部として予定されていたものだと考えることができたので、すぐに前向きな考えをすることができました。 ——どうやって身体的にも、気持ち的にも、その困難を克服されていったのでしょうか？またその経験は現在の自身の作る音楽に於いて大きな意味を持っているのでしょうか？僕は、自然体として何か決意を持った人柄です。さらに、多くの素晴らしい友人たちや、闘病生活中全力で私をサポートしてくれた家族に囲まれていました。僕の音楽は、僕の履歴書のようなもので、病気を患った後の僕の曲たちは僕の経験を元に作られています。 ——その当時に出会った女性とその後に結婚し、いまは家庭を築いていらっしゃると聴きました。その出会いのストーリーを教えて下さい。 僕と妻は、お互いを10代の頃から知っています。彼女と僕は3年間病気の治療を優先させながら付き合っていました。僕はこの経験が彼女と僕をより身近にし、結婚するべくして結婚したと強く信じています。 ——家族はあなたにどのような意味を持っているでしょうか？　奥様や娘さんについての歌を作ったりされているのでしょうか。 僕の家族は、日々僕に活力を与えてくれ、僕は日々善い人であろうと努めています。なぜなら、彼らは僕の人生の大切な一部だからです。このアルバムに入っている“バースデイ・ソング”と“デッド・マンズ・ダラー”は私の家族のことや、僕が日々の中でどのような選択をしているかについて、とてもよく触れているものです。

——「ディア・ジャック基金」というのはどういうものなのでしょうか？　今でも活動されているのでしょうか。 私たち（Dear Jack Foundation）の目的は、青年期と若者の癌患者と完治者たちの利益になるような活動を計画、提唱、実行することです。私たちは、癌治療やリハビリを受ける患者さんと完治者の苦しみを少しでも楽にしてあげられるよう、患者さんたちと直接やりとりができるように、アメリカのたくさんの都市に拠点を持っています。次ページ日本への印象、最近お気に入りの音楽は？

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オリジナル記事：【インタビュー】パナソニックCM曲、アンドリュー・マクマホン。白血病を乗り越え再発見した“生きる喜び” とは。

4K有機ELビエラ 2020年を見るテレビ綾瀬さん西島さん篇【パナソニック公式】

text by Qetic・田中莉菜

アンドリュー・マクマホンオフィシャルサイト

Interview：アンドリュー・マクマホン

Andrew McMahon in the Wilderness - Fire Escape (Official Music Video)

1988年にイギリスのウェストミットランズで結成されたザ・シャーラタンズ（The Charlatans）。これまでに『サム・フレンドリー（Some Friendly）』、『テリング・ストーリーズ（Tellin' Stories）』など12枚のオリジナルアルバムをリリースし、“The Only One I Know”、“North Country Boy”、“Weirdo”など数々のヒット曲を生み出してきた。そんな彼らが、前作『モダン・ネイチャー（Modern Nature）』から2年以上の時を経て、新作『ディファレント・デイズ（Different Days）』をリリース！最新作には元ザ・ヴァーヴ（The Verve）のピーター・サリスベリー（Peter Salisbury）、元ザ・スミス（The Smiths）のジョニー・マー（Johnny Marr）、ニュー・オーダー（New Order）のスティーヴン・モリス（Stephen Morris）、ポール・ウェラー（Paul Weller）ら多くのミュージシャンがゲストとして参加！　さらに、作家のイアン・ランキン（Ian Rankin）、カート・ワーグナー（Kurt Wagner）も曲中の語りで参加している。今回は、最新作『ディファレント・デイズ』に多くのゲストが参加することに至った経緯、過去作と比べた最新作の位置づけなどをボーカルを務めるティム・バージェス（Tim Burgess）に訊いた。

text by Qetic・Ryosuke Suzuki

Interview：ティム・バージェス（ザ・シャーラタンズ）

——とあるインタビューで、新作『ディファレント・デイズ』のオープニング曲“Hey Sunrise”を、曲が完成した時期が最も近いことからも、前作『モダン・ネイチャー』とリンクしていると仰っていました。その他の点、つまりテーマやアイデアといった面でも『ディファレント・デイズ』は前作と何かしらのリンクがあるのでしょうか？　それとも大部分において全く別のものなのでしょうか？ “Hey Sunrise”は『ディファレント・デイズ』で最初に着手した曲でオープニングだから、特に節目的なところがあるんだ。『モダン・ネイチャー』にはポジティブなところがあって、バンドとしてとてもエンジョイできたし、そのスピリットが僕らの中に残った。大きく違うところといったらゲストの人数かな。『モダン・ネイチャー』の続編といった位置付けと言えるなら、サウンド的には『テリング・ストーリーズ』の続編と言えるくらいの仕上がりになっていると思う。 The Charlatans - Tellin' Stories

——それでは、本作と他の作品との違いはなんでしょうか？　本作の制作過程において特別な目標などはあったのでしょうか？ 目標と言ったら、自分たちが気に入ったアルバムを作るってことぐらいだったよ。これで13枚目のスタジオ・アルバムだけれど、新曲のどれが以前のどのアルバムにフィットするかファンは話題にしたがるけれど、僕ら自身は新しいアルバムを作ったり、レコーディングしたりている時は、過去のことはあまり念頭にないんだ。どの作品も家系図の枝葉のようにそれぞれに生命と起源がある。過去と密接に関連しながらも、独自の路線を歩むものなんだ。 ——新作のゲスト陣についても話していただけませんか？　豪華なメンツですよね。当初から『ディファレント・デイズ』にはバンドの外からたくさんのゲストに参加して貰おうと言う目的があったのでしょうか？と言うよりも、友達に声をかけたら、友達の友達もやって来たと言う方が正しいかな。ちょっとした夜の集まりが、予定外にパーティーになってしまった、そんな感じだよ。スティーヴン・モリスなんて自宅のヒーターが壊れたから、近所にある僕らのスタジオに暖を取りに来ただけらしくて……マジで相当に寒かったみたいでさ、翌日はもう一人家族を連れて現れたし（笑）。それが幸いなことに奥さん、つまりニュー・オーダーのジリアン（Gillian Gilbert）だった訳で、彼女にもアルバムにゲスト参加して貰ったと。そんな感じでパーティーが終わったら、アルバムが一枚完成していたと言う訳なのさ。 ——そうですか。ではそれ以降の話ですが、どの曲に誰をどう招こうか等と言う具体的なアイデアはあったのでしょうか？　もしくは特定の誰かに曲を聴かせて、アイデアを交換して最終的な「ゲスト枠」に当てはめて言ったのでしょうか？いや、特にこちらから指示はしなくて、自分たちらしく好きなようにして貰ったよ。そうだね、ジョニー・マーに与えた指示らしい指示と言えば、「ジョニー・マーらしくやってくれ」ってことぐらいかな。余計な指示や注文の必要性はなかったよ。スティーヴンに至っては暖を取りたいがそもそもの目的だったから、ドラムを叩くのは打って付けの策だった。イアン・ランキンへの具体的な依頼は、長編から切り取ったようなショート・ストーリーを書いて欲しいってことで、これは作家の彼にとっては朝飯前の話。カート・ワグナーには普段通りにあの蜂蜜ようにスイートなアクセントで話してくださいってことだけ。だから誰にも余計なプレッシャーは与えず、得意なことをやって貰っただけだよ。 ——今作には日本人のゲストが参加していますね。彼女のことについて教えていただけませんか？　どのような経緯でゲスト参加となったのでしょう？　以前からのお知り合いだったのでしょうか？もちろんだよ！　シュリとはツイッター友達で、つまりものすごく以前からの知り合いじゃないけれど、来日の度に会っていて、アルバムに参加して貰いたいって思ったんだ。世界のいろんな国で店頭に並ぶだろうから、遠方の友人に参加して貰うのはいいアイデアだと思ったのさ。日本、そして日本のファンのことが大好きだし、曲や他のサウンドに混じって少し日本語を挿入することを思いついたんだ。 ——あなた方にとって日本は特別なところなのでしょうか？来日の際は非常に楽しそうですし、日本のファンに対しても非常に好意的であると感じています。僕ら日本が大好きなんだ。特に僕はシャイな方で、他の国はちょっとクレイジー過ぎるなって感じるところも多々ある。日本はとても落ち着いていて、人々もとてもジェントルだ。息子を連れて行ってあげたいな。きっと日本のことを気にいると思うんだ。まだ4歳だけれど、次の機会には一緒に連れて来たいと思っているんだ。 ——今作で13作目となりますが、ほとんどのバンドが到達できない境地だと思います。常にフレッシュで進化を止めず、アルバム毎に新機軸を打ち出す、どうやったらできるのでしょう？熟慮の結果、それとも自然の成り行きなのでしょうか？あまり深く考えない、それが重要なのかもね。でもちょっと待って、そしたら考えるのを止めなきゃならないな（笑）。メンバー全員、根っからの音楽好きだから、集まる頃にはアイデアでいっぱいなんだ。自分たちに合わないことを無理してやるのは危険だと思うし、僕らは自分たちはこれでいいと思っている。メンバーアルバムへの貢献にも満足しているし、ゲストの協力で更に高い次元の作品にすることができていると思う。 ——ザ・シャーラタンズはあの「マッドチェスター」ムーブメントの一員と認識されていますし、そのシーンの話になるとストーン・ローゼズ（The Stone Roses）やインスパイラル・カーペッツ（Inspiral Carpets）、ハッピー・マンデーズ（Happy Mondays）等と共に真っ先に名前が挙がるバンドの一つですよね。あなたたち以外の殆どはシーンから消え去っていますし、（中には再結成したバンドもいますが）そもそも「シーン」自体が既にない訳ですが、ザ・シャーラタンズは変わらずに存在しています。どのように変化に対応して進化し、時代性とパワーを失わずに入られたのでしょう？台風の目の中にいるような感じと言えばいいかな。レッテルやジャンルは気にしないで、ただひたすら音楽を作っているだけなんだ。ジャーナリストがやれブリットポップだ、マッドチェスターだ、バギーだと囃し立ててシーンを作ろうとしていた時、僕らはスタジオで音楽を作っていた。大体、活字になった頃にはシーンなんて終わっているんだ。確かに僕らも変化はしているけれど、バンドとして根っこのところは昔と何ら変わらない。質問より長い答えしたいけれど、これ以上付け加えることはないんだ。 ——“The Only One I Know”や“North Country Boy”等、あなた方のバックカタログにはたくさんのギガヒット曲があります。『ディファレント・デイズ』にもこうしたモンスター・チューンに肩を並べるような曲がありますか？ギガヒットにモンスター・チューンか、ベスト盤にぴったりのネーミングだね。確かに君の挙げた曲は大成功した曲だよ。そうだな、“Hey Sunrise”なんかは候補になるかな。息子は“Same House”が好きで、車の中で歌っているよ。他にも“Different Days”と“Plastic Machinery”なんかもウケがいいみたいだ。 The Charlatans - Plastic Machinery (Official Video)

——これは作詞を担当されるティムへの質問なのですが、歌詞の面から言って本作が扱うテーマは何になるのでしょうか？　そして、それはタイトルの『ディファレント・デイズ』に関連しているのでしょうか？身近な愛する人たちと未来を見つめるというのがテーマなんだ。今、世界情勢は厳しいものだけれど、力を合わせてより良い未来を築くことができる、それがメッセージさ。 ——『ディファレント・デイズ』のリリースに当たって、マンチェスターのオールダム・ストリートを占拠しプロモーションを行うそうですが、どんな計画を立てられているのか少し教えていただけませんか？もちろん。最初はアルバムを演奏しようと始まった構想が、最終的にはフェス級のイベントになったんだ。友人のアーティストにも声をかけて、ザ・シャーラタンズのファンなら間違いなく気に入ってもらえるスペシャル・ゲストも演奏してくれることになっている。僕たち以外の出演は……内緒さ。まずイベントは今は閉店している元靴屋からスタートする。ここは僕らの、ザ・シャーラタンズのパブになるんだ。アルバムの収録曲のタイトルに因んだビールを3種類提供して、シャーラタンズ専用のジュークボックスに、僕らのドキュメンタリー映画『Mountain Picnic Blues』も上映するんだ。その後、無料のボートでザ・ラウリーズ・アートセンターに移動して、僕らとサプライズ・ゲストによるライブとDJセットを楽しんで貰う計画になっている。この手の企画のアルバム・ローンチって最近はなかったんじゃないかな。とにかくエキサイティングなイベントになるよ！ ——それでは最後の質問です。次に日本でお会いできるのはいつになるでしょうか？　来日までの間、日本のファンにメッセージをお願いできますか？ツアーを計画する時、日本はいつだってリストのトップにあるから、来日もそう遠くない内に実現できると思うよ。そう、大好きな日本のみんなにもうすぐまた会えるんだ！　これまでずっと僕らのことをサポートしてくれてありがとう。あともう何年かザ・シャーラタンズをやれるよう、是非僕らに付き合って欲しいな。よろしくね！

RELEASE INFORMATION

『ディファレント・デイズ』

2017.06.02 ザ・シャーラタンズ HSE-7010 BMG ／ Hostess ¥2,400（＋tax） [amazonjs asin="B06Y5S4FN5" locale="JP" title="ディファレント・デイズ"] 詳細はこちら

text by Offical

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オリジナル記事：【インタビュー】ジョニー・マー、ポール・ウェラーら豪華ゲスト集結！ザ・シャーラタンズ、『テリング・ストーリーズ』の続編的最新作を語る

DATSが6月7日（水）に待望のデビュー・アルバム『Application』を発売させた。1stシングルの『Mobille』に引き続き、マスタリング・エンジニアは砂原良徳氏が担当、そしてアートワークにはボノボ（Bonobo）やラナ・デル・レイ（Lana Del Rey）のジャケット写真で知られる気鋭の写真家ニール・クラッグ（Neil Krug）を使用し、リード曲“Queen”のMVは話題のクリエーター集団maxilla incが手がけている。 DATS –“Queen”

どこを見ても隙のないパッケージングとなるデビュー・アルバムのテーマは“SNS世代のリアルな日常”。彼らは一体どういう価値観を持ち、どんな道を歩んでこのテーマで新作を作り上げたのだろうか？　またこのパッケージングに至った経緯とは？まずは根本的な彼らのことを知るべく、今回はルーツとカルチャーに紐づくキーワードを書いたカードを用意し、それに沿ってインタビューを実施。キーワードは音楽／映画／アート／ファッション／フェス／本／地元／世界の8つからランダムに引いてもらっている。果たして引いたキーワードより、どんな話が聞けるのだろうか？　また彼らをより知る為に、ライブ前の様子を覗いてみた。本稿では新作『Application』の全貌だけではなく、彼らが歩んできた道や素顔が少しでも垣間見れるはずである。

Interview：DATS

やるしかないって意味でサバンナですね

伊原卓也（Ba）キーワード：世界／フッション

——好きな国はありますか？ 伊原　アメリカのハワイが僕は大好きです。ワタルと俺が小学生の時にハワイ行ってて、その時は全然面識ないんですけど、プログラムの一環として子供が遊べるイベントがあったんです。そこで、もしかしたらワタル会ってたかもしれないっていう。杉本　同じホテルに泊まってたっていうのは確かで。伊原　間違いなくすれ違っては絶対いて。うん、ハワイ大好き。 ——DATSのみんなで行ってみたい国とかありますか？ 伊原　ハワイ（笑）。 ——じゃあ、ハワイでやってみたいこととかありますか？ 伊原　僕たち、わちゃわちゃするのが大好きなんです。ワイキキビーチの浜辺で、水着でわちゃわちゃわちゃわちゃ〜ってしたいですね（笑）。ハワイってはっちゃける土地なんで、絶対楽しいなと思います。 ——新作を作る上での意識した世界観などあれば教えて頂きたいです。 伊原　サバンナですね。 ——サバンナ？ 伊原　僕がいつも言ってる言葉があって。例えばなんですけど、メンバー間で「今日朝まで飲んで疲れちゃったな〜。」って言ってたら、いつも言うのが「それサバンナでも言えんの？」って。疲れたとか言ってるうちに、サバンナだったらもう、ライオンに食われちゃうから。大井　自然の脅威は待ってくれないし。やるしか無い（笑）。伊原　そう。やるしかないって意味でサバンナですね。 ——ファッションで、好きなブランドや影響を受けたモデルさんはいますか？ 伊原　ファッションは『BALMAIN HOMME』っていうブランドがあるんですけど、前のデザイナーさんにクリストフ・デカルナンという人がいて、その人のスタイルがめちゃめちゃ好きです。『HUgE』の表紙で、そのファーストシーズンの写真が僕のバイブルだったり。男のかっこ良さっていう所にすごく影響を受けました。それで（『BALMAIN HOMME』を着ていた）このモデルさんの事もすごく好きになって。アッシュ・スタイメストって人なんですけど、カッコイイです。 ——それは自分にも影響はしてますか？ 伊原　やっぱり魅かれたポイントが、無骨さっていうか男っぽさ。デカルナンが男臭さをコンセプトに服を作ってたから。僕たちって結構、男臭さを大事にしてて。だから、もしかしたらこの雑誌やコレクションから影響を受けているのかもしれないです。 ——DATSをもしファッションで例えると、どんな風になると思いますか？ 伊原　ハイブランド寄りのストリート。ハイテクなスニーカーってイメージはありますね。DATSって音源はエレクトロに振り切ってるんだけど、ライブだとかなりフィジカル命な汗かいてなんぼなバンドになるんですよ。そこがハイブリットだと思ってて。『RAF SHIMONS』みたいな、粋な感じが僕のイメージかもしれないです。

次ページ杉本「全てのDATSのクリエイティヴィティがそこから生まれてる」

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オリジナル記事：【インタビュー】DATSのルーツ＆カルチャーで読み解く。新作の全貌

向井秀徳や星野源らと共演したジャズピアニスト・スガダイローの演奏、“鍵盤の魔術師”とも呼ばれる世界的ピアニスト・オマール・ソーサと日本が世界に誇るタップダンサー・熊谷和徳の共演、映画音楽やTV CMソング等も手がける畠山美由紀と日米を拠点に活動するスモーキー・ヴォイス・エミ・マイヤーの“歌姫競演”等、様々なエンターテイメントを提供し、大盛況のうちに幕を閉じた＜ジャズ・ワールドビート 2016＞。現代ジャズをメインとしながらも様々な音楽が体感できるイベントが今年も＜ジャズ・ワールドビート 2017＞として開催。参加者を楽しませる豪華なラインナップは、去年に負けずとも劣らない内容となっています。まずは、国内のみならず世界各国での演奏活動でジャズ界に大きな影響を与え続けるピアニスト・山下洋輔と、昨年に引き続き登場のスガダイローの共演は見逃せない大きなポイント。多くのピアニストが山下洋輔に憧れ、その背中を追い続けていますがスガダイローもその一人。憧れの“大先輩”とどのような演奏を魅せるのか、特別なステージになることは間違いありません。 「山下洋輔 x スガダイロー/Chiasma」CM動画(7/2発売)

二階堂和美 with Gentle Forest Jazz Bandのパフォーマンスも必見。昨年サンリオピューロランドで行われた音楽イベント＜KIDS DAY＞のために結成されたユニットKIDS DAY BANDでスチャダラパーのBoseや、小山田圭吾らとタワーレコード限定でシングルをリリースするなど、幅広い活動を続ける二階堂和美。 二階堂和美 with Gentle Forest Jazz Band / 『いてもたってもいられないわ』

そんな彼女と、17人のオーケストラ&3人組女性ヴォーカルから成る総勢 21人のビッグバンド・Gentle Forest Jazz Bandがコラボレーション。昨年この特別な編成で＜アラバキ・ロック・フェスティバル＞や＜サマーソニック＞等に出演し観客を魅了しました。さらに円熟味を帯びる彼女たちの演奏に期待が高まります。そしてなんといっても注目はポルトガルが生んだ至宝、アントニオ・ザンブージョ。カエターノ・ヴェローゾからも賞賛されたという彼の音楽がここ日本で体感できる貴重な機会となります。そこで今回、アントニオ・ザンブージョについてあまり知識がない、という方のために彼の来歴や音楽についてご紹介。これを読めばアントニオ・ザンブージョについて、ひいては＜ジャズ・ワールドビート 2017＞を“より”楽しめる内容となっていますので、ぜひ目を通してイベント当日を迎えましょう！

text by Qetic・Takashi Matsunaga

ポルトガルとブラジルの音楽的な架け橋のような存在

遠いようでいて近く、近いようでいて遠い——ポルトガルとブラジルは、このような関係にある。言うまでもなく、ポルトガルとブラジルは、距離的には遠い。また、歴史的には、ブラジルは1500年にポルトガルの艦隊によって偶然“発見”され、ブラジル帝国として独立するまでの1823年に至るまでの長い間、ポルトガルの植民地、王国と公国、ポルトガル・ブラジル及びアルガルヴェ連合王国といった関係にあった。つまり歴史的な関係は深く、言語の面でも繋がっている。とはいっても、ポルトガルの公用語イベリア・ポルトガル語と、ブラジル・ポルトガル語は、文法や発音、単語などの点でかなり違いがある。また、音楽に関しても、ポルトガルを代表する音楽はファドで、一方のブラジルはサンバ。この二つの音楽は、かなりかけ離れたものとして一般的には認識されているのだろう。しかしながら、ファドは、大航海時代にポルトガル人が異文化に触れたことによって生まれた音楽であり、ポルトガルの内部から生まれた民謡ではない。アフリカから奴隷として連れてこられた人々をはじめとする多様な人種と文化が混在しているブラジルとの出会いの中から生まれたポピュラー音楽（文化的混淆音楽）、それがファドだ。より具体的に言うと、ファドは、感傷的な歌謡モディーニャと軽快な踊りの音楽ルンドゥーを起源として、19世紀半ばに形成されたと言われている。　　アントニオ・ザンブージョは、こんなポルトガルとブラジルの「遠いようでいて近く、近いようでいて遠い」関係を浮かび上がらせてくれる希有なアーティストであり、両国の音楽的な架け橋のような存在、と言っていいだろう。次ページカエターノ・ヴェローゾ「僕はもっともっとアントニオ・ザンブージョの歌を聴きたい」

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オリジナル記事：世界の音楽を堪能！「ジャズ・ワールドビート 2017」大注目のアントニオ・ザンブージョの魅力に迫る

歌謡曲——戦後の昭和30年代から約20年の間に今では考えも及ばないほど“国民的大ヒット”と呼ばれる名曲が多数世の中にはあった。近年、若い世代にも作詞家・阿久悠の偉業が再認識されたり、松本隆の歌謡曲作詞者時代の作品が幾度となく評価されることも手伝い、新しい視点で聴かれることも増えた。そして、日本人なら誰でも知っている歌は、東日本大震災以降、東北に体と歌一つで向かう歌い手たちにとっても、その場所で初めて出会うじっちゃん、ばっちゃんと気持ちを通わせるものとして、再認識された部分も大きい。今回、＜ミューズたちの歌謡祭inあらかわ＞と題された公演に出演するのは、バックボーンの異なる３人、白崎映美、畠山美由紀、エミ・マイヤー。白崎は現在活動休止中の上々颱風（シャンシャンタイフーン）のボーカリストとして、ジャンルレスで祝祭感のある歌声で知られるが、山形県酒田市出身の彼女は震災以降、自ら“東北６県ろ〜るショー”と銘打った大所帯バンドで、東北人のソウルを自由な表現で歌い、また、演劇集団“風煉ダンス”の公演『まつろわぬ民』に主演するなど、キャリアを重ねるごとに無二の存在感を放つ。畠山美由紀は故郷、宮城県気仙沼に想いを寄せた『わが美しき故郷よ』と詩、曲、アルバムの発表をはじめ、NHK東日本大震災プロジェクト復興支援チャリティーソング“花は咲く”にも、宮城県出身として参加。洗練と時代を先取する彼女のオリジナル作品と並行し、故郷・東北に根付いた活動も行う。また、往年の演歌、歌謡曲の名曲を歌う作品集『歌で逢いましょう』は、今回の公演を具体的に想起させる内容である。そこで今回は意外な顔合わせである白崎と畠山の深い部分での接点、東北人としての生き方、そして歌謡曲や演歌を今なぜ広い世代に届けたいのか——対談は、先日白崎が畠山のラジオ・レギュラーに出演した際のエピソードから始めてもらった。

Interview：白崎映美×畠山美由紀

——畠山さんがDJを担当する生放送ラジオ番組、FMヨコハマ『Travelin’ Light』。かなりテンション高く、そして楽しく拝聴しました。白崎さんを呼ばれたのはこのイベントありきだったんですか？ 畠山美由紀（以下、畠山）　このイベントの件で、ご出演いただきました。 ——打ち合わせとかもなくあの盛り上がりに？ 畠山　当日、生放送前にお会いして、リハーサルで生歌を聴かせて頂きましたが、その歌声を聴いて「とんでもない人来ちゃった！」と衝撃を受けたのです。共通の知人もいて、さらにびっくりしました。 白崎映美（以下、白崎）　いやいや。畠山　技術が完璧で“歌手”と言う人は、白崎さんのような存在だと感動しました。白崎　すごい褒めてもらたがらの。あと同じ東北だってお聞きして。東北人が一人いると自動的にバイリンガルでスイッチが入って東北弁になる。 ——ちなみにお会いするまでのお互いの印象はいかがでしたか？ 白崎　いやちょっとこういう感じだしね（資料のアーティスト写真をさして）。畠山　「スカした姉ちゃんかと思ってた」って言われて（笑）。白崎　ちょっと近寄りがたい方かな？　と思ってたんです。だけども東北だって伺って、ぐっと距離が縮まって、「えー？　んだかぁ？（→んだがぁ？）」って、「なんだぁスカした姉ちゃんいいやつじゃん！」と思って（笑）。こういう大人の容姿でね、ああいう大人の歌を歌ってらして、ちょっと意地悪なお人だったらどうしようかな？　と思ってたら、いやいがったぁ（笑）。

畠山　嬉しいですね（笑）。 ——白崎さんは畠山さんの『歌で逢いましょう』をお聴きになっていたんですか？ 白崎　はい、聴かせていただいていて。大人のムードのね、味わいのある、しかも歌声に悲しみもあり、みたいな、「あ、いいなぁ、こういう音楽を大人の人たちにゆっくり楽しんでもらう、そういう活動っていうか、音楽をやってらっしゃるんだな。」と思って。私はほら、宴会部長みたいなもんだから。今回、ご一緒させていただくのがとても楽しみになりました。畠山　光栄です！

——畠山さんは白崎さんのことは？ 畠山　当初は「上々颱風のヴォーカルの方……」という認識でした。ゲスト出演が決まり、事前に音資料をいただき、白崎映美＆とうほぐまづりオールスターズアルバム『まつろわぬ民』を聴かせていただいた後の印象は、「アーティスティックな方だなぁ……」と。そして震災以降の白崎さんのインタビューを探して読みました。テレビで東北のおじさんが震災直後、「大丈夫ですか？」とインタビュアーに聞かれ、大丈夫なわけないのに「大丈夫です……」という映像を観た白崎さんが泣いてしまったというエピソード。なんでこんな風になっちゃうのかな？と。「私、その気持ちすごくわかる！」「こういう方と仲間になれたらいいな！」と思ったんです。ラジオ番組に出演してくださった時、白崎さんが瞬時に心を開いてくださったので、このご縁が深まっていけたらいいな……と思いました。次ページ二人の表現の共通点とは？

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オリジナル記事：【インタビュー】昭和歌謡からジャズの名曲まで！白崎映美、畠山美由紀が伝える“今だからこそ聴きたい歌謡曲の魅力”

2017年4月22日のRECORD STORE DAYにリリースした12inch“ラビリンス”のボーカルが満島ひかりであった驚きを皮切りに、UA、bird、やくしまるえつこ、齋藤飛鳥（乃木坂46）や無名の主婦シンガー下重かおりまで多彩なボーカリストを招聘した、初の全編日本語詞によるMONDO GROSSOとしてはなんと14年ぶりとなるアルバム『何度でも新しく生まれる』が、ついに6月7日にリリースされた。本日６月９日の『ミュージックステーション』によると、次週6月16日（金）の同番組に満島ひかりをフィーチャーした“ラビリンス”での出演もアナウンスされ、俄然、若いリスナーにとっても興味の対象となったMONDO GROSSO。果たしてMONDO GROSSOとは誰なのか？　どんな存在なのか改めて紐解いていこう。

MONDO GROSSO結成から世界へ

京都から世界に真新しい音楽とアティチュードを発信

MONDO GROSSOは元々は’91年に京都で結成された、当時早すぎるソウル、ジャズ、ファンク、ヒップホップやブラジリアンを融合したバンドで、そのリーダー兼ベーシストが大沢伸一その人。当時、クラブでの生バンドの演奏は世界の地下水脈で同時進行的に新世代が推し進めていたムーヴメントだが、MONDO GROSSOは、音楽的にも文化的にも肥沃な土壌であった京都から世界に真新しい音楽とアティチュードを発信していたという意味でも、先取のメンタリティと実力を持った稀有なバンドだったのだ。

デビュー作『MONDO GROSSO』、ヨーロッパ・ツアー

’93年のセルフタイトルのデビュー・アルバムは今聴いても、本質的なグルーヴの確かさ、色褪せない高い音楽性に驚く。ロンドンでジャイルス・ピーターソンがDJとして発火点となったアシッドジャズやレアグルーヴと称される音楽性。このカテゴリーでの著名バンドであるインコグニートやジャミロクワイ、ブラン・ニュー・ヘヴィーズらが世界的に人気を博し、日本でもヒット曲が誕生するなど、一大ムーヴメントを形成したこのジャンルの中で、MONDO GROSSOは日本代表格として海外でも高い評価を獲得、’95年にはヨーロッパ・ツアーも実施した。同ツアーのフランス公演はライブDVD『The European Expedition』や、オフィシャル・アーカイヴで見ることができるが、ホーンを交えつつ、基本的にシンプルなバンド・アンサンブルで卓越した生演奏を堂々と披露し、軽々と国境を超えるスタンスはその後の大沢伸一の根本に流れるものだと認識できる。

Suchmos、Nulbarich、ぼくりり、ら若い世代との共振

オーバー40とSuchmosら20代バンドの共通点

ここ2から3年、90年代のアシッドジャズやレアグルーヴが再評価され、リアルタイムでそれらのムーヴメントの洗礼を受けた現在オーバー40世代が、SuchmosやNulbarichにいち早く反応し、若い世代のバンドでありつつ、しばし音楽から遠ざかっていた層のリスナーを引き寄せたのも、彼らが10代、20代の頃、MONDO GROSSOを含む前述のバンド／アーティストのグルーヴや音楽的混交と作品の完成度の高さに触れ、グルーヴのなんたるかを原体験として持っている、その琴線に触れたからだろう。さらに言えば、久々に大人の鑑賞に耐える洒脱や粋を表現していたことも大きい。話はMONDO GROSSOから逸れるが、ロックにジャズファンクやソウル、ブラジリアンなどを融合した音楽性を持つORIGINAL LOVE＝田島貴男がSuchmosと交流を持ち、昨年はライブで共演を果たすなど、オーバー40と20代バンドは、今や音楽的な親子関係とも言えそうな、共通する影響源を持ち、互いに触発しあっているようにも見受けられる。 Suchmos "MINT" (Official Music Video)

ぼくのりりっくのぼうよみとMONDO GROSSO

親子関係といえば、読者の中にもご存知の方もいるかもしれないが、ぼくのりりっくのぼうよみ（以下、ぼくりり）が、彼の母親の影響でMONDO GROSSOをフェイバリット・アーティストに挙げているのは、デビュー当時から割と知られた事実でもある。もちろん、ぼくりりが受けた影響はMONDO GROSSOのレアグルーヴィな部分に限ったことではないだろう。その点については、大沢伸一のプロデュース・ワークが冴える、バンド解散後のプロデュース・ワークに話を移そう。何れにしても、今や気鋭の10代アーティストにもリスペクトされるある種の普遍性がMONDO GROSSOのアーティスト・パワーであることは相違ない。 ぼくのりりっくのぼうよみ - 「SKY's the limit」ミュージックビデオ

プロデュース・ワークが光る90年代後期／再びリーダー作に注力した00年代

MONDAY満ちるやUA、Chara、birdのプロデュース

バンド解散後の90年代後期は、ジャパニーズR&Bのディーバたちが数多く世に出た時代でもある。バンド時代から既にバンドのボーカルであるMONDAY満ちるやUA、Charaなどのプロデュースを行っていた大沢伸一が、’99年に自身のレーベル〈REALEYES〉を〈Sony Music Associated Records〉内に設立後、第一弾アーティストとしてbirdをトータル・プロデュース。“SOULS”、“空の瞳”など、J-POPにR＆Bやジャズファンクの要素を融合させた彼女の１stアルバム『bird』は85万枚のヒットとなり、宇多田ヒカルやMISIAなどの新しい文脈のジャパニーズR&Bの女性ボーカリスト全盛期のシーンの中でも、より洋楽志向とグルーヴに重きを置いた作品でプロデューサーとしてのオリジナリティを印象付けた。

『MG4』リリース、ジャミロクワイ（Jamiroquai）のリミックス

00年代に入ると、再びMONDO GROSSOに注力し、00年リリースのアルバム『MG4』が世界25カ国でリリースされ、国内では15万枚のセールスを記録。いわゆるクリエイター／プロデューサー作品としては異例の高いセールスである。また、日本人アーティストとして唯一となる、サッカー＜FIFAワールドカップ＞公式アルバム『FEVER PITCH』への楽曲提供、ジャミロクワイの楽曲を日本人として初めてリミックス。ジャズ、ラテン、R&Bなどを融合しつつ、一聴して大沢のサウンドであることを認識できるサウンド・デザインが世界のミュージック・ラヴァーに広がった時期と言えるだろう。

ハウスミュージックへのシフト、BoA、Kj、UAをフィーチャー『NEXT WAVE』

そんな彼の音楽的志向がハウスミュージックにシフトしたのが、BoAをフィーチャーしたヒット曲“Everything Needs Love”や、Dragon AshのKjが歌う“SHININ’”、旧知のUAを迎えた“光”などを収録したアルバム『NEXT WAVE』。この時期、世界的にケミカル・ブラザーズやアンダーワールド、ファット・ボーイ・スリムら、いわゆるダンス・アクトが生演奏するバンドと同等かそれ以上にフロアをロックし、クリエイターとしてシーンを牽引。海外においてはアーティストとして地位を確立していたことに対しての大沢なりの回答だったのだと思う。ハウスミュージックやダンスミュージックでもオリジナリティを見せた彼は、その後、安室奈美恵や浜崎あゆみ、中島美嘉ら、J-POPをアップデートし続けることになった。彼のプロデュース・ワークであることを知らなくても、どこか洋楽的でチャレンジングなビートやアレンジの楽曲をそうしたJ-POPアーティストに散見することがあれば、かなりの確率で大沢ワークスであることが多いのではないだろうか。 MONDO GROSSO 『Everything Needs Love feat.BoA』

次ページMONDO GROSSOとしては14年ぶりの新作について〜＜フジロック＞出演

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オリジナル記事： MONDO GROSSOとは何者なのか？満島ひかり、やくしまるえつこ、乃木坂46・齋藤飛鳥らを迎えた最新作『何度でも新しく生まれる』へ至る道筋

ザ・ビートルズ（以下、ビートルズ、The Beatles）の通算8枚目のアルバム『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』が、1967年に発表されてから今年で50年。それを記念しリリースされた、本作の「50周年記念エディション」が今、大きな話題となっている。目玉は何と言っても本編のステレオ・リミックス。当時のプロデューサー、ジョージ・マーティンの息子ジャイルズが最新技術を駆使して行なったもので、ビートルズの世界観は維持したまま、“現代の耳”でも聴きやすい音像へとブラッシュアップされているのが特徴だ。 The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band – Anniversary Edition Trailer

そこで今回Qeticでは、20代のミュージシャン4人に集まってもらい、ビートルズと彼らの作品『サージェント・ペパーズ〜』の魅力、そして「50周年記念エディション」の聞きどころなどざっくばらんに語り合ってもらった。4人それぞれの視点からの“ビートルズ愛”が錯綜した、非常に興味深い座談会となっている。

Interview：橋本薫（Helsinki Lambda Club）×森山公稀（odol）×Rei×大井一彌（DATS、yahyel）

——まずは、皆さんがビートルズをいつ頃、どんなきっかけで聞くようになったかを教えてもらえますか？ 橋本薫（以下、橋本 Helsinki Lambda Club：ヴォーカル＆ギター）　僕は中学二年生の頃ですね。ちょっと変わった友達がいて、その友達から『赤盤』と『青盤』を借りたのがキッカケでした。ビートルズは有名なので、その前からテレビやラジオで昔から流れていたのを無意識に聴いていたと思うんですけど、改めてCDを聴きながら「こんなに色んな曲があるんだ」「あ、この曲知ってる。ビートルズだったんだ。」みたいな発見が面白くて、だんだんハマっていきました。オリジナル・アルバムに関しては、高校生くらいからちょっとずつ掘っていくようになりましたね。 森山公稀（以下、森山 odol：ピアノ）　僕は、ビートルズにそこまでドハマりしているわけではないのですが、『サージェント・ペパーズ〜』にはすごく影響を受けていますね。出会いは小学生の頃、親の車の中で『イエロー・サブマリン〜ソングトラック〜』（1999年）を聞いたのがきっかけなんですけど、高校生になってバンドを始めた時に「ビートルズくらい、聴いとかなアカンよな」と思って掘っていく中、『サージェント・ペパーズ〜』は本当にヤバイと（笑）。それ以来ずっと愛聴していますね。僕のルーツはYMO（イエロー・マジック・オーケストラ）で、彼らに影響を与えたバンドという意味でも大きな存在です。 大井一彌（以下、大井 DATS, yahyel：ドラムス）　僕も森山くんと一緒で、高校に入ってバンドをやるようになってから聴くようになりました。最初はラーガロック経由というか、クーラ・シェイカー（Kula Shaker）が大好きだったんですよ。それでまず『リボルバー』から入って、“Love You To”や“Taxman”などジョージ・ハリスン色の濃い曲ばかり選んで繰り返し聴いていました（笑）。僕がビートルズを好きなのは、ケルト音楽とか聴いて育ったイギリスの4人の若者が、東洋の音楽を混ぜていって独自のサウンドへと進化させたところなんです。“Norwegian Wood”なんて特にそうじゃないですか。「インドとケルトってマッチするなあ」って。あと、やっていたバンドがモッズバンドだったので、初期ビートルズのファッションも好きでしたね。 Rei（ヴォーカル＆ギター）　私は小さい頃からジャズブルーズやクラシックなどをギターで演奏していたんですけど、小学校中学年の時に初めてスリーピースのロックバンドを組んで、そこで演奏したのがビートルズやレッド・ツェッペリン（Led Zeppelin）、ザ・フー（The Who）のような60年代ロックだったんです。まだ子供だったので、ビートルズは“I Wanna Hold Your Hand”や“The Word”のような、初期の元気な曲をカヴァーしていました。

——みなさんが今やっている音楽には、ビートルズのどんな影響がありますか？ 橋本　例えば中期以降のビートルズが、サイケやクラシック、民族音楽に現代音楽と、新しい要素をどんどん取り入れて進化しつつ、ちゃんと大衆性も忘れないバランス感覚みたいな部分は、僕らHelsinki Lambda Clubでも目指しているところというか。サウンドというよりも、そういう「アティテュード（姿勢）」の面で影響を受けているのかなと思います。もちろんビートルズは大好きなので、いつかはビートルズ的な楽曲を集めたコンセプトアルバムなども作ってみたいんですけど（笑）。森山　そこは僕らodolも一緒です。大井　例えば声にフランジ効果をかけたり、テープの回転スピードを上げたり下げたり、ドラムのヘッドも裏を外してみたり……。ライブをしなくなって以降、革新的なレコーディングという点での進歩はものすごいものがありますよね。そこはドラマーとしても参考になります。あと、僕が一番好きなドラマーが河村"カースケ"智康さんで、彼の好きなドラマーがリンゴ・スターという点でも影響は大きいですね。 Rei　私はビートルズが大好きで、本当に色んなところから影響を受けているのですが、一番大きいのは「何度も聴きたくなる作品づくり」。そこは自分の作品の中でも重きを置いています。彼らの楽曲って、色んな仕掛けがあるじゃないですか。例えば楽器のパートに注意してみると、ポールのベースが非常に歌心あって楽しかったり、“Girl”のコーラスで、実はギリギリなことを言っていたり。そういう、ポップでありながら随所に遊び心があって深みを感じさせる……これだけ長い間聴かれているのは、そういうところに理由があるのかなと思います。

次ページビートルズのメンバーで誰が一番好き？　特に好きな曲は？

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オリジナル記事：【インタビュー】若きミュージシャンたちの視点が交錯。ザ・ビートルズ『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』50周年記念座談会

90年代からKYOTO JAZZ MASSIVEを筆頭にした様々なプロジェクトを率い、DJ／ミュージシャン／プロデューサーとして第一線で活動してきた沖野修也。彼が15年にはじめた新プロジェクトKYOTO JAZZ SEXTETが、2ndアルバム『UNITY』を完成させた。 KYOTO JAZZ SEXTETは、沖野修也を中心に類家心平（tp）、栗原健（ts）、平戸祐介（p）、小泉 P克人（b）、天倉正敬（ds）といった錚々たるプレイヤーが集い、“生演奏で”ジャズの可能性を追究するプロジェクト。15年のデビュー作『MISSION』では、ロバート・グラスパー（Robert Glasper）やホセ・ジェイムズ（Jose James）、グレゴリー・ポーター（Gregory Porter）といった現代〈ブルーノート〉の精鋭に刺激を受けながら、60年代〈ブルーノート〉の楽曲を現代風にカヴァーした。そして、各地でのライブを経て完成させたこの最新作『UNITY』では、作曲段階から各メンバーの個性を想定したオリジナル楽曲によって、それぞれの魅力や可能性を最大限に引き出している。そこにファラオ・サンダース（Pharoah Sanders）の息子トモキ・サンダース（Tomoki Sanders）やSOIL&"PIMP"SESSIONSのタブソンビ、元ファータイル・グラウンド（Fertile Ground）のナヴァーシャ・デイヤ（Navasha Daya）などゲストを迎えた全編の雰囲気は、異なる人種／価値観／時代が音楽を通じてひとつになる（＝『UNITY』）瞬間のドキュメントのような雰囲気だ。その制作過程や、今年の＜フジロック＞出演などについて訊いた。 KYOTO JAZZ SEXTET – UNITY album trailer

Interview：沖野修（KYOTO JAZZ SEXTET）

——もともとこのKYOTO JAZZ SEXTETは、ロバート・グラスパーやグレゴリー・ポーター、ホセ・ジェイムズといったブルーノート新世代たちの活躍に刺激を受けて構想が生まれたユニットだったと思います。ファースト・アルバム『MISION』は沖野さんにとってどんな作品になったと思っていますか？　あの作品は、60年代のモード・ジャズと現代とを繋ぐ時間旅行のような作品だったと思います。その通りですね。でも、＜TOKYO JAZZ＞に出たり、京都のホテルでライブをやったりしたことで好きで聴いてくれている人たちは盛り上がってくれたと思うんですけど、ロバート・グラスパーを聴いているような人たちには意外と聴いてもらえなかったのかな、とも思うんですよ。もちろん、グラスパーはもっとヒップホップよりで、あのアルバムはもっとジャズ寄りで、もともとグラスパーと同じことをしようと思ったわけではないですけどね。ただ、僕からすると、「KYOTO JAZZ SEXTETのアルバムがあって、ロバート・グラスパーもいて……。」という幅広いジャズの楽しみ方をしてほしい、という作品だったんです。 ——ジャズの多様性を伝える、ということですね。 そうです。たとえば、ブルーノートの若手アーティストにしても、僕はグラスパーもホセ・ジェイムズもグレゴリー・ポーターも個人的に知っていますけど、みんなやっていることは微妙に違うというところがいいわけですからね。 ——リリース以降、KYOTO JAZZ SEXTETでライブをしたことで、新たに感じた魅力はありましたか？ やっぱり、ライブでは自由度が高まりますよね。アルバムのときは僕のコントロールの中でミュージシャンがどう表現をするか、という「決められた枠組みの中から自由を見つけ出す」作業だったと思うんですけど、ライブは本当に自由奔放で、やりたい放題だったんです。最長３時間10分、１曲20分ぐらい演奏したりもして、聴く人もそれを楽しんでくれて。KYOTO JAZZ MASSIVEはダンス・ミュージックをコンセプトにしていますけど、KYOTO このSEXTETの場合は「踊れる／踊れない」は関係ないんです。基本的にはリスニング対応の音楽になっているんで、「こんなにもジャズを楽しんでくれる人がいるんだな」ということも感じました。「もっと無茶していいかな。１曲をずっと演奏してライブを終えてもいいかな。」と思ったぐらいで（笑）。組んでいるメンバーの能力も高いし、このメンバーでしか生まれえないスパークを感じました。この間＜Earth Day Tokyo＞に出たときも、持ち時間30分の中で１曲15から20分ぐらい演奏して、お客さんも盛り上がってくれてメンバーのテンションも高かったので、レコーディングとライブは別物だなと改めて思いました。 ——そうした活動の中で、最新作『UNITY』に繋がるヒントが生まれたのでしょうか？ 今回のアルバムは、僕から見たメンバーの特性を作品に反映させているんです。『MISSION』はカヴァー・アルバムだったので、僕が好きな曲を持ってきて「はい、君たちやってください。」という感じもありましたけど、この『UNITY』では「サックスやトランペットはこういうメロディかな」「ベースラインはこうかな」と、メンバーを想定して曲を作っていった。つまり、彼らを想定して僕が曲を書いていったということですね。 ——なるほど。オリジナル曲を作ると伝えたとき、メンバーの反応はどうでしたか？ 最初は、「沖野さん、曲作れるの？」という感じでしたね（笑）。というのも、僕は今年50歳で、音楽のキャリアも28年近くありますけど、今回生まれて初めてジャズの曲を書いたんですよ。これまでは（KYOTO JAZZ MASSIVEなどで）歌モノのメロディを担当してはいましたけど、楽器は自分がそれを弾けないとどんな音が出るか分からない。音域や響きの特性が分からないわけですよね。それもあって、メンバーが一番不安がっていたかもしれないですね。「あいつは曲を書けるのか」と（笑）。自分自身も、「DJがジャズの曲を書けるのか」というプレッシャーはありました。 ——メンバーの個性が分かっていたとはいえ、どんな風に曲を作っていったんでしょう？ まずは全部、鼻歌で作っていきました。メロディもベースラインも、ドラム・パターンも鍵盤もそうです。ただ、鍵盤の場合、指を10本使う楽器ですから、僕が鼻歌で入れられるのは右手のトップ・ノートだけ。だから、すべてのパートを鼻歌でiPhoneに吹き込んで、デモを作るときにコンピューター・プログラマーに伝えていく形でデモを作りました。そのデモをメンバーに聴かせるという感じですね。僕は譜面も書けないですから、直接メンバーに言っても「沖野さん、何を歌っているのか分からないです。」という話になりますから（笑）。たとえば、“We Are One feat. ナヴァーシャ・デイヤ”は歌モノなので、そのメロディから作っていきました。このメロディはモンテネグロのレストランで思いついたものなんですよ。 ——へええ、お洒落ですね。 モンテネグロのレストランの、トイレだったんですけどね（笑）。その窓から田園風景が見えて、ふとメロディが思い浮かんで。この曲は結果としてジャジーR&B的な曲になっていますけど、プログラマーとデモにしていくときは、最初はもっとラテンっぽい雰囲気だったんです。メロディを作ったときに、僕の中になぜかラテンのリズムが湧いて来て、最初はそれが出ていたんですよ。でも、「SEXTETの曲でラテンは変だろう」ということになって、すべてを取っ払って、まずは鍵盤でクラブのDJが好きな循環コードを使うことにしました。それでラテン度をなくして行ったんです。実はこの曲は最初、サックスもトランペットも入っていなかったんですよ。でも、リハーサルのときに栗原が「僕らは吹かないんですか？」と聞いてきて、「吹かなくていいよ」と伝えたら「えーっ！」という話になって。レコーディングの直前に「こんなのどうですか？」といくつか彼が吹いてくれて、その中から気に入ったものを選びました。

次ページ「今回は3世代が同じアルバムに集まったということです。」

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オリジナル記事：【インタビュー】沖野修也率いるKYOTO JAZZ SEXTET最新作『Unity』。異なる人種・価値観・時代を調和する音楽

環ROYはここ数年、美術館でのパフォーマンスや、ダンサーとの舞台作品を発表するなど、パフォーミングアーツに類する仕事を複数こなし、インスタレーションの創作も行ってきた。一方でラッパーとしては、日清食品やGapの広告に参加したほか、鎮座DOPENESSとの共作をNHK教育テレビ『デザインあ』に提供している。さらに、映画『アズミ・ハルコは行方不明』では劇伴音楽を担当し、まさに「幅の広いラッパー」を体現した活動を行ってきた。そんな彼が4年ぶりにフルアルバム『なぎ』を発表する。クロスオーバーな活動を続けてきた環ROYの、新作に対する思いを、本人に語ってもらった。

Interview：環ROY

ニューアルバムへと至る4年間

——今回の新作『なぎ』は4年ぶりのアルバムになります。まず、なぜ今このタイミングでアルバムを出すことになったんでしょうか？ なぜでしょうね……考えながら喋りますね。今までも出そうと思ったら出せたのかもしれないですよね。アルバムをリリースするつもりがなかったわけじゃなくて……ずっと、出さなきゃなーとは思っていました。出すための明確な動機を作っていたんだと思います。 ——環さんはこの4年、パフォーマンスやインスタレーションの制作を積極的に行っていた印象があります。そうした活動は今回のアルバムにつながっていますよね？そうですね。この盤を作るための、動機を求めて、別の分野へ旅行してた感じですね。旅行から戻ったら地元の風景が少し違って見えて……ってことでアルバムの制作に向き合えるようになりました。僕はもともと、曲をつくる、CDを売る、ライブをする。みたいな活動からスタートしているので、「音楽アルバムと呼ばれるものを作る」が自分のメインプロジェクトだって意識が根底にあります。 ——ちょうど前回のアルバムが出てからの4年で、日本はフリースタイルバトルなんかを中心にヒップホップが注目されるようになりましたよね。環さんはそういうものではなく、特にパフォーミングアーツ的な表現に関心を深めていったように見えます。なぜなんでしょうか。ライブハウスってありますよね。ステージがあって、照明があって、おっきい音が出るスピーカーがあって、それが防音された空間に収まってる。それってすごく枠組みがはっきりした合理的空間ですよね。ポーンっと入っていって実演ができる。けど、そもそも、どんな場所でやるのかは自由で、野外なのか、室内なのか。電気で音を増幅するか、しないか。照明を使うのか、使わないのか。そういった枠組みの段階から創作してもいいんだなと思うようになっていきました。パフォーミングアーツを通してその豊かさを知っていったというか、少しづつ惹かれていきました。 ——なるほど。それまでの活動は音源を作って、それをPA機材で電気的に再生して、ライブハウスでラップする、という一連の流れのものだったけど、そうではないことをしたかった？そうです。というか、それしか知りませんでした。曲を作ってCDという複製をたくさん売って、それでライブに動員して、ライブの規模を大きくして、またCD作って、っていうループを積み重ねて、最終的に武道館に行く、ということが、僕には無理だなって気づいたんです。それは、いつか続けられなくなるなと思いました。そんなタイミングで、蓮沼執太くんのプロジェクトに参加したり、U-zhaanさんがやっているインドの古典音楽に触れたり、ダンサーの島地保武さんからヨーロッパのモダンダンスについて学んだりして、いろいろなやり方や道があるんだってわかっていったんです。次ページアブストラクトさとポップさ

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オリジナル記事：【インタビュー】日本語であることの可能性。環ROYが『なぎ』に込めたラッパーの在り方とは？

7月1日（土）、長野県白馬村で開催される＜AIMING HIGH HAKUBA＞（以下AHH）。長野オリンピックでも使用されたスキージャンプ台を舞台に、スチャダラパー、水曜日のカンパネラ、渋さ知らズオーケストラ、藤井隆、SALU、ZOMBIE-CHANGといった豪華アーティストが出演。パラグライダーや熱気球、エアカヌーなどのアウトドアアクティビティやワークショップなど、楽しいコンテンツが盛りだくさん！

▼関連記事【随時更新！】水カン、藤井隆らが長野五輪聖地で大暴れ！？野外フェス＜AIMING HIGH HAKUBA＞情報丸わかり

さて、＜AHH＞を思う存分楽しんだ翌日ですが、せっかく白馬村に足を運ぶのなら、その魅力を思う存分体験したくはありませんか？そこで今回、Qetic編集部が白馬村周辺で翌日楽しめるスポットをピックアップ！　7月1日（土）は音楽とアクティビティで目一杯体を動かすので、翌日は温泉やショッピングをゆったりと楽しみ、白馬グルメを満喫しましょう！

北アルプスを眺めながら温泉でリラックス♪

「白馬八方温泉」で、まったり過ごしてみませんか？「おびなたの湯」、「八方の湯の露天風呂」は日本で唯一の天然水素温泉。アンチエイジングにも最適です！

「みみずくの湯」は北アルプスを眺められる絶景温泉。心身ともに癒されること間違いなし！白馬八方温泉

白馬の大自然を体感！ゴンドラ＆リフト

白馬の美しい景色を一望できるゴンドラ＆リフト。「八方アルペンライン」は、総延長は3,445m、わずか40分ほどで標高1,830mまでアプローチできます。

＜AHH＞では「八方アルペンライン」「栂池ロープウェイ」の割引チケットが販売！　お得にゴンドラからの絶景が楽しめます♪ 山々に囲まれた白馬の大自然を体感してみてはいかがでしょうか？八方アルペンライン栂池ロープウェイ次ページアウトドアカルチャーを気軽に！ショッピングを楽しもう

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オリジナル記事：＜AIMING HIGH HAKUBA＞の翌日に楽しみたい温泉・ゴンドラ・ショッピング♪

これまでにリリースしてきた作品がアメリカの音楽メディア『ピッチフォーク』で毎回高評価を得ている、注目のカナダ出身のシンガーソングライター、マック・デマルコ（Mac DeMarco）。現在はシンガーソングライターとして活動しているが、2009年にメイクアウト・ヴィデオテープ（Makeout Videotape）として『Heat Wave』リリースし500枚を完売させた。そして、〈Unfamiliar Records〉と契約を結びジャパンドロイズ（Japandroids）とともにツアーを行った。シンガーソングライターとしては、2012年にEP『Rock and Roll Night Club』とデビューアルバム『2』をリリース、『ピッチフォーク』で「ベスト・ニュー・ミュージック」を獲得するなど高評価を得る。2014年には、2枚目のアルバムとなる『Salad Days』をリリース、またもや「ベスト・ニュー・ミュージック」を獲得。そして2017年、マック・デマルコの約3年ぶりのアルバムとなる『ディス・オールド・ドッグ（This Old Dog）』がリリースされた！　今回は、日本の雑誌『POPEYE』で取り上げられた彼の自宅について、最新作のアルバムジャケットに記された言葉・シンボルの意味、坂本龍一、細野晴臣、矢野顕子、山下達郎、坂本慎太郎らからの影響など幅広い話題について訊いた。

Interview：マック・デマルコ

——先日の＜コーチェラ・フェスティヴァル＞のライブ中継を見たのですが、新しいキーボーディストが加入していましたよね？　彼は一体誰なのですか？彼はアレク・ミーン（Alec Meen）。彼にとって僕らとのライブは2回目なんだ。（生まれ育ったカナダの）エドモントンからの幼なじみで、昔はすぐ近所に住んでいたんだよ。僕は去年4ピースでプレイしてて、メンバーを入れ替えることになって「誰を入れようか」という話になって。彼はもともとジャズ・ピアノ奏者だから、どうかなとは思ったんだけど、やってくれることになったんだ。 ——日本の雑誌『POPEYE』で、昨年新しく引っ越したロサンゼルスのエコー・パークの自宅を紹介していましたよね。ニューヨーク（NY）のクイーンズからロサンゼルス（LA）に引っ越した理由は？　一昨年出た『アナザー・ワン』というミニ・アルバムのラストで、以前住んでいた家の住所を喋っていましたが、そのせいで知らない人がたくさん来てしまったとか？実際にちょっと人が来たけど、それが理由じゃないよ。正直僕はそういったことも楽しめたけどね。でもその時のルームメイトは知らない人が訪ねてくることをよく思っていなかったんじゃないかな。そう、特にこれといった理由はないんだよね。LAにも友達はたくさんいたし、だいたい3から4年の周期で引っ越しているから。実は最初にLAに来たのは20歳くらいの時で、その時は全然好きじゃなかったんだ。正直ちょっと怖くも感じていた。でも、バンドのメンバー2人がこの数年ここに住んでいて、LAで過ごす時間が増えてきたし、だんだんとLAのことを知るようになってからは自然と好きになったよ。僕の彼女も「この街が好き」って言ってくれている。あと、NYに住んでいた頃よりもっと街の中心部に住んでるし、LAに移ったのはいい変化だったと思うよ。 ——その『POPEYE』で、今住んでいる家は昔ジャズ・ミュージシャンが住んでいたと言っていましたが、誰だか分かりますか？ 本当はよく分からないんだけど、たぶんそうだと思うよ。1人じゃなくて2人で住んでいたみたいだ。本だとか、前の住人のものが部屋に残ってるんだけど、1人はおそらく映画業界で働いていた人で、たぶんもう１人がミュージシャンで、他にも何かやってる人だったんじゃないかなって思ってる。まあ、前の住人もそんなに自分たちの情報を残したかったわけじゃないだろうし、僕たちが勝手にそうじゃないのかなって想像しているだけでね。ただ、ピアノを置いていってくれたんだよね。それはよかったな。 ——エコー・パークといえば、今もジュリア・ホルターなどミュージシャンが多く暮らしていることで知られていますが、近所にミュージシャンの友達はいますか？うん、結構いるよ。いろんなミュージシャンが近くに住んでいるからクレイジーな環境だと言えるよね。同じエリアにいるのはトバイアス・ジェッソ・ジュニア、テリブル・レコーズのクリス・テイラーとか、友達でMr.エレベーター＆ザ・ブレイン・ホテルのトーマス（・ドラス）とかね。本当にいろんな人が住んでいるね。 ——新作『ディス・オールド・ドッグ』のジャケットに、“YMO”の名前を見つけました。サンクス・クレジットにも坂本龍一と細野晴臣の両氏の名前がありましたし、先日もJ-POPを集めたミックスを発表していましたが、最近もJ-POPを聴いていますか？　何か新しい発見はありましたか？最初にハマったのは細野さんで、それからYMOにハマった。いったんYMOにハマると、もう終わりが見えないよね。最近は矢野顕子さんについてのインタビューを受けたことがあるんだけど、彼女もいいね。他には、たぶん細野さんがプロデュースした吉田美奈子さん、あとは山下達郎さんのアルバムも聴いている。彼のスタイルはスムーズですごく好きだね。坂本慎太郎さんも大好きだよ。次ページ『ディス・オールド・ドッグ』のジャケットの意味を解明！

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オリジナル記事：【インタビュー】マック・デマルコ、坂本慎太郎・坂本龍一・細野晴臣からの影響＆最新作『This Old Dog』アートワークの秘密

クラシックの旋律にインディ・ロックやエレクトロニカから影響を受けたモダンなプロダクションを加え、00年代以降人気を博す音楽ジャンル＝ポスト・クラシカル。中でもアイスランドを拠点に活動するオーラヴル・アルナルズ（Ólafur Arnalds）は、2010年代以降最も飛躍著しいアーティストと言えるかもしれない。彼は2007年に『Eulogy for Evolution』でアルバム・デビューを果たすと、以降もシーンの中核を担うレーベル〈Erased Tapes〉などから作品をリリース。近年はハリウッド映画『アナザー・ハッピー・デイふぞろいな家族たち』（2011）や『Gimme Shelter』（2013年）の映画音楽を担当した他、ヒット作『ハンガー・ゲーム』（2012）にも楽曲が使われている。彼の最新作『アイランド・ソングス（Island Songs）』は、その名の通り、母国アイスランドを舞台に様々な地域に住む人々と音楽との繋がりを描いたプロジェクト。2016年夏に彼自身がアイスランドの様々な場所を訪れ、そこに暮らす人々とコラボレーションして作った楽曲を、7週間連続でドキュメンタリー・フィルムとともに公開していくという、音楽と映像を組み合わせたユニークな試みとなった。今回はその日本盤リリースに際して、本人にメールインタビュー！　プロジェクトを通しての思い出を語ってもらった。

Interview：オーラヴル・アルナルズ

——『アイランド・ソングス』は2016年にアイスランド各地を回りながら現地の人々とコラボレーションして制作した楽曲を、動画とともにアップするプロジェクトでした。あなたがこのタイミングで母国アイスランドの様々な人々に意識を向けたのはなぜだったんですか？僕はいつでもアイスランドの音楽シーンに刺激を受け、魅了されてきたんだよ。ただ、前の7曲入りのプロジェクト（『Found Songs and Living Room Songs』）は内側に目を向けて、僕の周りの親密な環境について曲を書いたものだった。だから今回は外に目を向けて、自分の国に住む他の人たちが「何をしているのか」「なぜそうしているのか」を探求しようと思ったんだ。（旅で訪れた場所やコラボレーターについては）はじめに、コラボレーションをして面白いものが作れるかどうか、普段自分がやっていることとのコントラストがあるかどうかを考えた。だけど、同時に各地に暮らす彼らのストーリーを見つめ、音楽とともに制作したドキュメンタリー・フィルムの中で、彼らがそれぞれどんな役割を果たすかもポイントとして考えていたね。 ——多くの人々がかかわるプロジェクトを進めるのはきっと大変だったでしょうね。 すべてのタイミングをコーディネートするのは本当に大変だったよ。それぞれレコーディングした週の終わりにはビデオをリリースしたかったからね。それが、今回僕らがすべてのビデオをワン・ショットで撮影した理由なんだ。最初は映像に関してももっといろんなことを計画してたんだけど、結局はなにもエディットすることはなくなった。編集に何日も費やす代わりに、ビデオをそのままオンラインに載せることにしたんだ。 ——1曲目“川岸”に参加したエイナル・ゲオルグ・エイナルソンは、アウスゲイルの作品でも作詞を担当していた彼のお父さんです。アウスゲイルとも何か話したのでしょうか？もちろんだよ。実際のところ、今回のプロジェクトで最初に話をしたのはアウスゲイルだった。そこで彼のお父さんのことを聞いて、「お父さんがこのプロジェクトに興味があると思うかい？」ってたずねた。アウスゲイルがこのアイディアをサポートしてくれてありがたかったし、この曲をリリースしたとき、彼のファンとも曲を分かち合うことができて本当によかったよ。 Ólafur Arnalds - Árbakkinn ft. Einar Georg

——また、6曲目“パーティクル”には、オブ・モンスターズ・アンド・メンのナッナ・ブリンディス・ヒルマルスドッティルが参加していますね。 彼女はとてもおおらかで、野生的でありながらも、すべてのポイントを確実にものにする。そういう考えを持った、すでに完璧な人と作業できるのはとてもすばらしいことだった。 Ólafur Arnalds - Particles ft. Nanna Bryndís Hilmarsdóttir

次ページ日本のリスナーにオススメしたいアイスランドのミュージシャンは？

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オリジナル記事：【インタビュー】ポスト・クラシカル最注目の一人、オーラヴル・アルナルズ。シガー・ロスらを輩出した「アイスランド」を巡る最新作を語る

仮面のピアニスト・ランバート（Lambert）。アーティスト名以外の情報、本名・年齢・生年月日・出生国は非公表となっており全てが謎に包まれている……。 3年前に突如登場し「Lambert Rework」と称されたカバー作品を公開。そして、2014年にベルリンのインディ・レーベル〈Staatsakt〉から『Lambert』、2015年に『Stay in the Dark』と立て続けに作品がリリースされた。これまでに行ってきたライブでは、1度も仮面を外すことはなく、ランバートの素顔を知る者は誰もいない。その謎めいた仮面と人々の琴線に触れる幻想的なピアノが話題を集め、クラシック最高峰〈デッカ〉のポスト・クラシカルに特化した新レーベル〈Mercury KX〉から、2017年5月に『スウィート・アポカリプス（Sweet Apocalypse）』がリリースされた。日本では〈ユニバーサル〉から2017年7月5日（水）に待望のリリースとなる。 Lambert - Sweet Apocalypse (Live)

今回は、最新作のジャケットを手がけたアーティストmokiとの関係性、オアシス（Oasis）、ハイム（Haim）、デヴィッド・ボウイ（David Bowie）、フェニックス（Phoenix）などを含む多種多様なジャンルの音楽をカバーしている彼の音楽的背景などを訊き、謎多き仮面のピアニストの正体の片鱗を探ってみた。

text by Qetic Ryosuke Suzuki

Interview：ランバート

——アルバム・ブックレットの冒頭に「このプロジェクトをAnela Adlihtam Anojに捧げる」とありますが、どのような人物なのですか？ 私にとって、とても特別な人のことです！ ——moki（『スウィート・アポカリプス』のジャケットを手がけたアーティスト）と出会ったきっかけは？ ある日、mokiからメールをもらいました。「私は、仕事中によくあなたの音楽を聴いています。もしよかったら、あなたのために絵を描いてみたい」と。そこで私も彼女の絵を見てみたところ、私たちには共通するものがあると感じました。どちらも独自の世界を創造して、そこに身を潜めるのが好きなんです。 ——このアルバムにおけるmokiとのコラボレーションの方法について教えてください。できあがった曲にインスピレーションを受けて、mokiが絵を描いたのでしょうか。それとも曲作りの段階からmokiとディスカッションをしているのでしょうか。その両方です。私たちは、世界の終末には、どこか甘美な側面があるのではないかと話し合いました。というのも、滅亡後の世界を舞台にした映画やドラマでは、つねに一筋の希望が残されていますよね。社会的な関係性においては、非常によい方向に機能するさまが描かれることが多い（たとえば『ウォーキング・デッド』では、人々がグループ内で互いを理解し合い、助け合います）。次に私たちは、このトピックに関するアイディアや素材の断片を持ち寄りました。私がmokiにタイトルトラックの“スウィート・アポカリプス”のピアノ・ヴァージョンの音源を送ると、彼女は絵を描きはじめました。その中に荒れ模様の雲が描かれているのを見て、私はそれを音楽で表現するためにドラムとホーンをレコーディングしたのです。

——アルバムの特設サイトで、1曲ずつに対して「QUOTE」と題された言葉が書かれていますが、これらはすべて本や歌詞からの引用ですか？それとも、あなた自身やmokiの言葉も入っているのでしょうか。アルバム最後の曲“ジ・エンド”の《This is the end. My only friend the end.》はドアーズの歌詞ですね。ほとんどがmokiの言葉からの引用です。なぜなら彼女は、世界の終末に対する芸術家や活動家の視点に関して、多くの時間を費やして調査していたから。でも、“ジ・エンド”に関しては、ジム・モリソン（Jim Morrison）の言葉を引用しました。私はドアーズ（The Doors）があまり好きではありませんが、モリソンが“ジ・エンド”という曲について次のように語っているのを聞いて、面白いなと思ったのです。彼は、なぜ我々は「生」よりも「死」を恐れるのか、「生」の方がより深く我々を傷つけるのに、と問いかけていました。そして人生の終わりには、ある種の救済が存在することを望んでいました。それは世界の終末に関しても通じるものがあると私は思います。つまり、希望の探求です。 ——アップライトピアノにマイクを立てている映像を見ましたが、特徴的な音色もご自身で作っているのですか？ 私はドイツの北東にあるシュヴェリーンという街から運んできた、とても古いピアノを使っています。ハンマーと弦の間にフェルトをはさんで、レコーディングではハンマーに非常に近い位置にマイクをセッティングしました（低音部にはColesのリボンマイク、高音部には2本のNeumann KM184というマイクを使用）。けれど私は、そういった技術的な機材とは関係なく、音楽には魔法のようなことが起きると信じています。 In the studio with Sweet Apocalypse

——「14歳のときに出会った先生によってインプロヴィゼーションの道が開かれた」とインタヴューで語っていらっしゃいましたが、それについて詳しく教えてください。先生は私の家の近くのアパートに住んでいて、私を地下鉄の駅で拾い、バイクの後ろに乗せて家まで連れて行ってくれました。彼はジャズ・ミュージシャンで、私にジャズ・スタンダードを即興で弾くための魔法のようなルールや構造を教えてくれました（のちに私は、これらのルールを破っても良いことも学びました）。そして、他の人と演奏するときのインタープレイの面白さにもすぐに惹かれました。私はとても早い時期からクラシックの基礎的な作曲が苦手だと分かっていたので、自分で作曲し、即興で演奏していきました。先生はそんな私を応援してくれました。6年後に私が街を去ることになったとき、それまでに私が書いたすべての曲をまとめた分厚いファイルを渡したのですが、先生はまだ持っているかな？　私はすべて失くしてしまったんだけど……。次ページクラシックの作曲家／日本で好きなアーティストは？

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オリジナル記事：【インタビュー】オアシスからショパンまで！広大な背景を持ち琴線に触れる音を紡ぎ出す仮面のピアニスト・ランバートの正体に迫る

80年代に華々しくデビューして以降、女優／ミュージシャンとして幅広く活動を続けてきた原田知世さん。彼女のデビュー35周年を記念した最新作『音楽と私』が完成した。この作品は、35年のミュージシャンとしてのキャリアの中から、“時をかける少女”や“ロマンス”などを筆頭に今に至るまでの代表曲や人気曲を網羅。現在の創作パートナーである伊藤ゴロー氏らを擁する気心の知れたバンドとともに、それを「今の音楽」として巧みにリアレンジしている他、“くちなしの丘”ではなんと原田さん自身のギターも披露している。この作品の完成までの経緯や、原田さんにとっての35年間、そして欅坂46とのコラボレーションや最近ハマっているというアウスゲイルの話題までを、たっぷりと語ってもらった。

Interview：原田知世

——『音楽と私』というタイトルを見てまず思い出したのは、デビュー25周年のアルバム『music & me』でした。今回のタイトルは、どんな風に出てきたものだったんでしょうか？もともと、『music & me』はすごく好きなタイトルでした。あれから10年が経って、今回の『音楽と私』は、内容的には『music & me』の「２」というわけではないので、最初はそれと似たような、ぴったりとくるタイトルはないかと探していたんです。そうしたらプロデューサーの伊藤ゴローさんが、「日本語にしてみたらどうだろう？」とアドバイスしてくださって。それがすごくしっくりときたんですね。今回のアルバムは、まさに『音楽と私』という内容だと思いましたし。それに、『恋愛小説』以降のここ何作かはずっと同じメンバーで作品を作っていて、漢字を使ったタイトルが続いていたので、そういう意味でも、ぴったりかなと思ったんですよ。 ——なるほど。 それに、「とてもストレートなタイトルをつけていいんじゃないか」という気持ちになれたんです。自分の音楽について、出来上がったものをそのままスッと差し出せる心持ちになれたというか。誰に対しても、オススメできる作品を作れたことが大きかったのかもしれないですね ——10年前の『music & me』はオリジナル・アルバムという位置づけでしたが、今回の『音楽と私』は、原田さん自身の楽曲のセルフカヴァー・アルバムになっています。ファンの方からも「セルフカヴァーをやってほしい」「この曲をやってほしい」という声をいただいていましたし、35周年なので、色んな形でファンの方にお返しをしたい、プレゼントをしたいと思ったんです。その中で、これが一番喜んでいただけるのかな、と。 ——収録曲が様々な時代にわたっていると思うので、今回は80年代、90年代、00年代以降に分けて、それぞれ今回の収録曲から印象に残っている楽曲を挙げていただき、オリジナル版リリース当時の思い出と、今回の制作風景について教えていただけると嬉しいです。まずは80年代だと、やはり“時をかける少女”です。この曲は私の代表曲だと思いますし、25周年の『music & me』で伊藤ゴローさんとボサノヴァ・アレンジのカヴァーをしましたけど、それまで私は、しばらくこの歌を歌っていなかったんですね。 ——そのタイミングで解禁されたことは当時大きな話題になっていました。 長い間、自分の中では「少女のときの歌だ」という印象がすごくあって、大人になった自分がどんな風に歌えばいいのか分からなかったんです。だけれども、あのときゴローさんのギターを聴いて、自然に歌うことができて。あの曲に新しく出会い直したような感覚で歌うことができました。今回はそれを、もう一回オリジナルのアレンジのよさを大事にしつつ、歌ってみようと思ったんです。ゴローさんが最もアレンジで悩まれた曲だと思います（笑）。でも、はじまりのストリングスを最初に聴いたときに、とても感動しましたし、アルバムの１曲目の顔をした曲だと感じました。 ——今回の“時をかける少女”はまさに、『music & me』でのカヴァーよりも原曲に近いアレンジになっているところがとても興味深かったです。 原曲のよさを残したアレンジにしようという話は最初からしていました。でも、言うのは簡単ですけど、実際にやるのは大変で。どの曲もそうだと思うのですが、既に完成されていて、時代を経て残っている曲というのは、オリジナルの時点ですでに完成されていますよね。それを変えていくのは至難の業だと思います。でも、今回はゴローさんのおかげでどれも大成功だったと思います。 原田知世 - 「時をかける少女」

——オリジナル版リリース当時のことを振り返っていただきたいのですが、80年代の原田さんは、自身が主演される映画や舞台の主題歌として楽曲をリリースすることが多かったと思います。当時は音楽活動にどんな楽しさを感じていたのですか？あの当時は、あくまでも映画のための音楽だったので、歌もコンサートも、映画のプロモーションのためにやっていて、女優の仕事がメインでしたね。 ——今とは音楽との向き合い方が随分違ったかもしれませんね。 全然違ったと思います。今は自由に、楽しみながらのびのびと歌えるようになりました。あの時は、ただただ一生懸命に、すべてのことを必死にやっていましたね。 ——当時は学校にも通っていたでしょうし、とても忙しかったのではないかと思います。 どんどん変わっていく周囲の状況についても、驚きのまま過ぎていったという何年間でした。この時期の曲では、“ときめきのアクシデント”はファンの方の中で根強い人気がある曲で、私もすごく好きなんです。それで、「いつかまた歌いたい」とずっと思っていたんです。その思いが、今回ようやく叶いました。不思議なことに、今も歌っていて本当に心地のいい曲です。この曲もそうですが、ゴローさんとは今回、「オリジナルのよさを大事にしよう」ということを話していました。私は、自分を客観的に見ているところがあって（笑）、たとえば“地下鉄のザジ”も、まだ子供だった当時の自分の声だったからこそのよさがあったと思うんです。それもあって、どんな風に仕上がるか想像がつかなかったんですけど、　サウンドがある程度見えてきたときに、今の自分の曲として自然に歌うことができました。 ——オリジナルのよさは残しつつも、それを今の原田さんの表現に近づけていく、と。 そうです。もちろん、原曲にある魅力は絶対に大事にしようと思っていたので、その微妙なサジ加減をみんなで探りながら進めていったという感じでした。次ページ原田知世が90年代で思い出に残っている曲は？

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オリジナル記事：【インタビュー】原田知世、“時をかける少女”、“ロマンス”も収録！デビュー35周年記念アルバム『音楽と私』を語る

スマートフォン向けソーシャルゲーム『ファントムオブキル』、通称「ファンキル」。今回、“感謝をテーマとした夏の大型プロジェクト＜ファントムオブラブ＞が始動！　天王洲アイルの運河に面したザ・クルーズクラブにて行われたプロジェクト発表会にQetic編集部も潜入してきました。

『ファントム・オブ・キル』とは？

伝説の武器の名を持つ謎の少女達と出会い、失われた記憶を探しながら共に成長していくというストーリーで、一手で戦況が変わる「戦略性×ドラマ」をコンセプトとしたシミュレーションRPGです。

ファントムオブキル　プロモーションムービー

アップデートで「地上編」の実装にあたり制作されたコンセプトフィルム『ファントムオブキル ―ZEROからの反逆―』では、主人公「ゼロ」役の声優を藤原竜也が務め話題となりました。

FgG official "Phantom of the Kill: Zero's Rebellion" / FgG公式「ファントムオブキル ―ZEROからの反逆―」

『ファントムオブキル』プロジェクトZERO TV-CM 第1弾登場編

1年目は大型アニメコラボ・CM放送、2年目はコンセプトフィルム制作・渋谷ジャック・ファンミーティングと規模を大きくしてきた『ファントムオブキル』。3年目の今年は一大プロジェクト＜ファントムオブラブ＞が始動！　史上最大のアップデート「海上編」の公開・47都道府県バージョンTVCM・夏祭りの開催が発表されました。

海上編

『海上編』では伝説の武器や神的存在が美少女として擬人化された「キル姫」84キャラが全てかきおろしの水着ユニットで登場！　デート機能やプレゼント機能などキル姫との絆を深めるシステムも実装された、史上最高に戦略的な恋愛シミュレーションRPGです。また、『海上編』限定のオリジナルストーリーと3人の主人公が7月から9月の3ヶ月連続で登場するため、飽きることなく物語が楽しめます。

47都道府県バージョンTVCM

全47バージョンのTVCMでは、各都道府県ごとに「ご当地キル姫」が登場！　「ご当地キル姫」の割り当ては、Twitterの声も反映しているとのこと。さらにウェブバージョンでは、「ご当地キル姫」による方言「告白セリフ」バージョンも！

夏祭り

＜ファンキル夏祭り＞が8月19日（土）、20日（日）秋葉原UDXで開催！　グッズ販売や写真撮影が可能な展示コーナー、来場プレゼントが展開されるほか、VRも楽しめます。キル姫に割られるスイカの視点を体験できるなど、面白い仕掛けが用意されています。「公式ニコ生」での公開生放送も予定されています。＜『ファントムオブキル』夏の大型プロジェクト発表会＞には『ファントムオブキル』プロデューサー今泉潤さん、お笑いコンビ「タイムマシーン3号」、水着美女3名が登場。大盛り上がりだった海上の様子はオフィシャルレポートをチェック！次ページタイムマシーン3号が即興で呪文を披露！水着美女も登場したプロジェクト発表会

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オリジナル記事：【レポート】84人の水着キャラとの恋愛シミュレーションRPG！『ファントムオブキル』新プロジェクト発表会！

ニューヨークに本社を置き、一風変ったハンド・メイドの電子楽器を開発、販売する事で知られるメーカー、「Critter and Guitari」（クリッター＆ギターリ）。アルミや木の材質を使った、一見、手作りおもちゃのようなルックスでありながら、本格的な「サウンド＆ビデオマシン」として使用できる、数々のユニークな製品を発表し、その中でもポケット・サイズのクリエイティブ・シンセサイザー「Pocket Piano」（ポケット・ピアノ）は、場所を問わず誰でも簡単に音楽を演奏することができ、とても人気があります。今回、その「Critter and Guitari」から発売されています、「Rhythm Scope」（リズム・スコープ）という気になる製品をご紹介したいと思います。本製品は外部から音楽を入力すると、ビートと映像がシンクロし、カラフルでリズミカルなグラフィックスを出力する事が出来る「ビデオ・シンセサイザー」なのです。

レトロなデザインのグラフィックスがリズムに合わせて動く

こちらが「Rhythm Scope」です。アルミと木で作られているのでとても軽く、手作り感溢れるシンプルなデザインは温かみがあります。本製品から出力される映像は、80年代のレトロ・パソコンでデザインしたような、粒子の荒いカラフルなグラフィックスが、リズムに合わせてカクカクと動きます。その操作はとても簡単です。

ツマミで映像パターンの切り替えと、入力された音量を調節

「Rhythm Scope」を正面から見たところです。左側のツマミは映像パターンの切り替えに使います。右側はゲイン・ツマミで、入力された音量を調節します。このツマミは入力音量を、大きくしすぎても、小さくしすぎても、絵の動きが止まってしまいます。ツマミを調節しながら、画面が一番イキイキと動く位置を探り当てるように使います。一曲の中でもリズムが激しい箇所と、静かな箇所で入力音量が変わってくるので、曲を聴きながらその都度ツマミをベストな位置にコントロールします。

「Rhythm Scope」の電源や音声、映像の入出力はとてもシンプル

「Rhythm Scope」の電源や音声、映像の入出力はとてもシンプルです。左側からDC9Vの電源、中央がオーディオ・インプット、右側がビデオ・アウトプットです。

「Rhythm Scope」にケーブルを接続したところです。付属の9VのACアダプターを接続し、オーディオ・インプットには1／4フォーンプラグ（MONO）を使用します。そして、RCAコンポジット(NTSC)にビデオ・ケーブルを接続してモニターやプロジェクターに映像を出力します。「Rhythm Scope」には音声の出力は付いていません。音を出すには、楽器や音源のアウトプットからスピーカーにケーブルを接続する形となります。

HDMIのモニターに「Rhythm Scope」のグラフィックスを映す場合は、ビデオ・ケーブルからHDMIケーブルに変換するコネクターを別途に購入する必要があります。

トータルで17個の映像パターンを切り替える事が出来る

「Rhythm Scope」を裏側から見たところです。映像パターンのモード切替ツマミの説明が書かれています。16個のパターンとランダム切り替え、トータルで17個の映像パターンをツマミで切り替える事が出来ます。そのパターンは、パズル、ビッツ、タイマー、ツートーン、ストロボなど、バリエーションに富んだ映像が飛び出します。ランダム・モードにすれば、1～16の映像パターンを自動的に切り替える事が可能です。ツマミを勢いよく回せば、昔のテレビのチャンネルを回した時のような、目がチカチカする激しい映像も出力する事ができ、カラフルでとてもカッコいいです。次ページ変化に富んだカラフルなグラフィックス

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オリジナル記事：リズムとシンクロしたビデオが簡単に作れる、ビデオ・シンセサイザー、CRITTER ＆ GUITARIの「RHYTHM SCOPE」が面白い

マーベル・シネマティック・ユニバス（MCU）に本格参戦し、スパイダーマンとアイアンマンとの競演で話題となっているスパイダーマン新シリーズ『スパイダーマン：ホームカミング』が8月11日（祝・金）に日本公開！このたび、本作で主人公のピーター・パーカー／スパイダーマン役を演じる21歳の英国俳優トム・ホランドの初来日が決定！そんな、注目の若手俳優トム・ホランドが登場予定のレッドカーペッドに10組20名様をQeticからご招待！

トム・ホランドはスパイダーマンの役をやるために生まれてきた？

映画『スパイダーマン：ホームカミング』はアイアンマンに憧れ、アベンジャーズになりたいという情熱だけは誰にも負けないが、まだまだヒーローとしては未熟な15歳の高校生ピーター・パーカーが、スパイダーマンとなり、真のヒーローに成長していく奮闘が、圧倒的なアクションと青春ドラマとともに描かれている。スパイダーマンの生みの親スタン・リーに「トム・ホランドはスパイダーマンの役をやるために生まれてきた！」と言わしめるほどの逸材。

アイアンマンを演じるロバート・ダウニーJr.も絶賛！

トニー・スターク／アイアンマンを演じるロバート・ダウニーJr.は「トム・ホランドを見つけたのはとてつもない偉業だ！」と賛辞を送り、マーベルスタジオの製作社長ケビン・ファイギは「トム・ホランドは『シビル・ウォー／キャプテン・アメリカ』でスーパーヒーローの座を1人でかっさらった。今存在する最も素晴らしいヒーローだよ！」と太鼓判を押している。ヒーロー映画を知り尽くすレジェンドたちが口をそろえてトム・ホランドを大絶賛している、世界でも日本でも大ブレイク確実なフレッシュなNEWスターだ！

ミュージカル『ビリー・エリオット』培った身体能力！

撮影中、多くのスタントをトムホ自身でこなしたという驚異の身体能力は、子役時代に出演したミュージカル『ビリー・エリオット』での器械体操のトレーニング経験が生かされており、スパイダーマンのオーディションでもアクロバティックな能力を大いにアピールしたそう。トムホ自身のinstagramにも度々アップされる映像でも細マッチョで見事なバク宙を見せており、まるで「リアル・スパイダーマン」だ。さらには、アメリカの超人気番組『リップシンクバトル』においてリアーナの『アンブレラ』で本気の"口パク"＆"ダンス"パフォーマンスを披露。その驚異的なポテンシャルの高さに全世界を熱狂の渦に巻き込んだ。さらにあの日本の歌姫、宇多田ヒカルも公式Twitter上で「The best part of my day so far: Tom Holland's rendition of "Umbrella"（本日のハイライト：＆「トム・ホランドによる“アンブレラ”の演出」）」とつぶやくなど、かっこよさとキュートさを絶妙に兼ね備えた俳優トム・ホランドへの注目度は世界的にも日本でも日増しに高まりを見せている！

初来日に向けたコメントが到着！

初来日についてトム・ホランドは「すごくエキサイティングだよ！　日本にはずっと行きたかったんだ！　今まで経験したことがない日本の文化を経験できるなんて最高にうれしいよ！」と語り、日本のファンに向けて、「日本のみなさん、お元気ですか？　トム・ホランドです。僕は新しいスパイダーマンを演じています。日本でみなさんに会えることにとてもワクワクしています。日本のみなさんに会って、素晴らしい時を過ごすことをとても楽しみにしています！」と爽やかなコメントを寄せている。 映画『スパイダーマン：ホームカミング』トム・ホランド来日決定メッセージ動画

『スパイダーマン：ホームカミング』ジャパンプレミア＜レッドカーペット＞イベント観覧にQeticから10組20名様をご招待！　注意事項をご確認の上ご応募ください！

PRESENT INFORMATION

『スパイダーマン：ホームカミング』ジャパンプレミア＜レッドカーペット＞イベント観覧

2017.08.07（月）夕刻～夜 ※お時間は当選者の方へのみお知らせいたします歌舞伎町シネシティ広場（東京都新宿区歌舞伎町1丁目19） 登壇ゲスト トム・ホランド（予定） ※本プレゼントでは映画本編を鑑賞することはできません。 ※雨天決行。荒天の際はイベントを中止させて頂く場合がございます。 ※満員の際は消防法によりご入場をお断りします。 ※開演後のご入場は堅くお断り致します。 ※当日は会場にマスコミの取材が入る予定です。ご了承の上、ご来場ください。 ※都合により、ゲストは予告なく変更、イベントが中止、日程変更となる場合があります。予めご了承ください。

組数

10組20名様

▼メールでの応募方法

「応募する」ボタンをクリック後、お問い合わせフォームより、お問い合わせ内容を「プレゼントのご応募」とし、メッセージ本文に下記必要事項を明記のうえご応募ください。 1）ご希望のプレゼント：『スパイダーマン：ホームカミング』ジャパンプレミア＜レッドカーペット＞イベント 2）お名前： 3）住所：〒 4）メールアドレス： 5）電話番号： ※応募情報が未記入の場合は無効とさせて頂きます。 応募する

▼Twitterでの応募方法

1）Twitterにて「@Qetic」をフォロー 2）下記ボタンよりこのページをRTして下さい。 Twitterで応募する！ ※当選者にはDMにてご連絡させて頂き、上記必要事項の確認をさせて頂きます。 ※フォローされていない方の応募は無効とさせて頂きます。

応募期間

2017年7月12日（水）〜7月18日（火）23:59まで ※当選者の発表は招待状の発送をもって代えさせていただきます。

スパイダーマン：ホームカミング

8月11日（祝・金）　全国ロードショー！！

監督：ジョン・ワッツ（『コップ・カー』）　　　キャスト：トム・ホランド（『シビル・ウォー/キャプテン・アメリカ』『白鯨との闘い』）、ロバート・ダウニー・Jr（『アイアンマン』『アベンジャーズ』）、マイケル・キートン（『バットマン』、『バードマンあるいは（無知がもたらす予期せぬ奇跡）』）、マリサ・トメイ（『レスラー』）、ジョン・ファヴロー（『アベンジャーズ』）、ゼンデイヤ、トニー・レヴォロリ（『グランド・ブダペスト・ホテル』）、ローラ・ハリアー、ジェイコブ・バタラン ©Marvel Studios 2017. ©2017 CTMG. All Rights Reserved. 配給・宣伝：ソニー・ピクチャーズエンタテインメント　映画マーケティング部

STORY：ピーター・パーカー、15歳、高校生！アベンジャーズに出会う――ニューヨーク。１５歳のピーター・パーカーはスパイダーマンだ。部活のノリで街を救う、ヒーロー気取りの高校生。そんなピーターの能力を見出し、真のヒーローとしての“道”へと導こうとするのがアイアンマンことトニー・スターク。スタークに新しいスーツまで作ってもらい興奮するピーターは、自分の力を認めてもらおうと街に飛び出す日々。そんなある日、巨大な翼で飛行する怪物が街に突如現れる。ピーターはここぞとばかり、ニューヨークの平和のために怪物退治に乗り出そうとするが、スタークに「アベンジャーズに任せておけ」と止められてしまう。「ガキ扱いは、ゴメンだ！」とピーターはその忠告を聞かずに戦いに挑むが――。

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オリジナル記事：トム・ホランド初来日！映画『スパイダーマン：ホームカミング』レッドカーペッドにご招待！

Interview：tricot＆チョーヒカル

Interview：tofubeats

今回のアルバムって、実は『POSITIVE』よりもポジティブなアルバム

4K有機ELビエラ 2020年を見るテレビ 綾瀬さん西島さん篇【パナソニック公式 】

Interview：アンドリュー・マクマホン

Andrew McMahon in the Wilderness - Fire Escape (Official Music Video)

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Interview：アンドリュー・マクマホン

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Interview：ティム・バージェス（ザ・シャーラタンズ）

RELEASE INFORMATION

『ディファレント・デイズ』

Interview：DATS

やるしかないって意味でサバンナですね

伊原卓也（Ba） キーワード：世界／フッション

ポルトガルとブラジルの音楽的な架け橋のような存在

Interview：白崎映美×畠山美由紀

MONDO GROSSO結成から世界へ

京都から世界に真新しい音楽とアティチュードを発信

デビュー作『MONDO GROSSO』、ヨーロッパ・ツアー

Suchmos、Nulbarich、ぼくりり、ら若い世代との共振

オーバー40とSuchmosら20代バンドの共通点

ぼくのりりっくのぼうよみとMONDO GROSSO

プロデュース・ワークが光る90年代後期／再びリーダー作に注力した00年代

MONDAY満ちるやUA、Chara、birdのプロデュース

『MG4』リリース、ジャミロクワイ（Jamiroquai）のリミックス

ハウスミュージックへのシフト、BoA、Kj、UAをフィーチャー『NEXT WAVE』

Interview：橋本薫（Helsinki Lambda Club）×森山公稀（odol）×Rei×大井一彌（DATS、yahyel）

Interview：沖野修（KYOTO JAZZ SEXTET）

Interview：環ROY

ニューアルバムへと至る4年間

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北アルプスを眺めながら温泉でリラックス♪

白馬の大自然を体感！ゴンドラ＆リフト

Interview：マック・デマルコ

Interview：オーラヴル・アルナルズ

Interview：ランバート

Interview：原田知世

『ファントム・オブ・キル』とは？

ファントム オブ キル プロモーションムービー

FgG official "Phantom of the Kill: Zero's Rebellion" / FgG公式 「ファントム オブ キル ―ZEROからの反逆―」

『ファントム オブ キル』プロジェクトZERO TV-CM 第1弾 登場編

海上編

47都道府県バージョンTVCM

夏祭り

レトロなデザインのグラフィックスがリズムに合わせて動く

ツマミで映像パターンの切り替えと、入力された音量を調節

「Rhythm Scope」の電源や音声、映像の入出力はとてもシンプル

トータルで17個の映像パターンを切り替える事が出来る

トム・ホランドはスパイダーマンの役をやるために生まれてきた？

アイアンマンを演じるロバート・ダウニーJr.も絶賛！

ミュージカル『ビリー・エリオット』培った身体能力！

初来日に向けたコメントが到着！

PRESENT INFORMATION

『スパイダーマン：ホームカミング』 ジャパンプレミア＜レッドカーペット＞イベント観覧

組数

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応募期間

スパイダーマン：ホームカミング

8月11日（祝・金） 全国ロードショー！！

4K有機ELビエラ 2020年を見るテレビ綾瀬さん西島さん篇【パナソニック公式】

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伊原卓也（Ba）キーワード：世界／フッション

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ファントムオブキル　プロモーションムービー

FgG official "Phantom of the Kill: Zero's Rebellion" / FgG公式「ファントムオブキル ―ZEROからの反逆―」

『ファントムオブキル』プロジェクトZERO TV-CM 第1弾登場編

『スパイダーマン：ホームカミング』ジャパンプレミア＜レッドカーペット＞イベント観覧

8月11日（祝・金）　全国ロードショー！！