──今回、＜フジロック＞への初参加が決まった心境をまずお聞かせください。 アサノケンジ（Gt／Vo）　嬉しいです。僕らずっと＜フジロック＞に出たくて、毎年ツイッターとかでも「全然（出演の）連絡がこないんだけど」みたいにボケてたんですよ（笑）。 モリタナオヒコ（Gt／Vo）　元々バンドをやろうと思ったのも、フジロックを観に行ったのがきっかけでしたからね。友達のバンドもみんな出るようになったし、毎年「お前ら今年、決まったらしいじゃん」みたいな噂を流され、「いやいや、決まってないから！」って突っ込むパターンを繰り返してたので（笑）、そろそろちゃんと出たいと思っていました。 アサノ　出るって決まった時に、バンド仲間や友人、お客さんと周りがみんな喜んでくれたので、それも嬉しかったですね。

──プライベートで苗場に行ったことはありますか？ アサノ　あるけど、3日間丸々参加したことは誰もなくて。 モリタ　友達のバンドを観に行くことが多かったですね。初めて行ったのはSuchmosやYogee New WavesがROOKIE A GO-GOに出た年だから5年前かな。まだ僕らバンドをちゃんと始める前で、＜フジロック＞に日本のインディーバンドが出られるんだと思って超感動しました。「＜フジロック＞、最高のフェスだな。出たいな」と強く思ったのを覚えています。 アサノ　俺は3年前に初めて行って。Red Hot Chili PeppersとMONO NO AWAREを観て、朝まで遊んで帰ってきました。去年は初めて昼間から見に行ったんですけど、それまで野外フェスとか行ったことがなかったので、フェスっぽい格好？　みんなポンチョとか着てるのを、それっぽく真似したのだけど、防水じゃなくて布だったし足もビーサンだったから、一瞬でドロドロになっちゃって「帰りたい」ってずっと思ってました（笑）。 モリタ　フェスとかライブハウスへ行くような青春時代を送ってこなかったので、「フェスといえば92年の＜レディング・フェスティバル＞でしょ？」みたいなノリで。当時の映像を観て、みんなCONVERSEのスニーカーにデニムとネルシャツで、グチャグチャになってはしゃぎまくってるのかなと思って行ったら、そんなやつ1人もいなくて。みんな本格的なアウトドアのウェアで重装備していて衝撃を受けましたね。 ヨシダタカマサ（Ba）　僕は2015年に初めて行きました。ちょうどTempalayと知り合ったばかりの頃で、彼らがROOKIE A GO-GOに出るから「観に行きたいな」と思って。 アサノ　バイクで行ったんだよね、１人で。 ヨシダ　確か3日目の夜だったか、バイト終わりに「今から行こう」と思ってバイクを飛ばしました。 一同　（笑）。 ヨシダ　チケットもなかったしギリギリまで迷ってたんですけど、行ったらすごい楽しくて。 モリタ　あの時にヨッシー（ヨシダ）が送ってくれた動画、本当に衝撃を受けましたね。てか、身近で＜フジロック＞出るやつがいると思ったら、ちょっと悔しい気持ちもあってマトモに観れなかった。ケンジは特に興奮してたよね？ アサノ　いやもう、びっくりした。当時のTempalayは対バンしててもお客さんとか全然いなくて。そういう奴らが、動員とか関係なく純数に音楽だけの力で苗場に出てるの、マジですげえと思って。「やべえ、普通じゃいられねえ！」ってずっと騒いでましたね（笑）。 ヨシダ　ほんと、僕も普通じゃいられなかったです。ただ、翌朝からバイトだったので、明るくなる前に東京に戻ってきましたけど（笑）。 オオイナオユキ（Dr）　僕はまだ＜フジロック＞に行ったことがなくて。去年は配信を観てましたね。自分たちのライブの出番直前までマック・デマルコを観てて、それでステージに上がったから……。 モリタ　その時だけナオユキのドラムがユルユルだったよね（笑）。

──今回、楽しみにしているバンドってありますか？ アサノ　僕はSuperflyとKing Gizzard & The Lizard Wizardですね。 モリタ　King Gizzard & The Lizard Wizardは俺も楽しみ。いいバンドだよね。あとは、初日のMitskiやyaeji、深夜のKAYTRANADAが楽しみ。中でもyaejiがめっちゃ好きで、まじで友達になりたいですね。世界で活躍しているアジアのアーティストに色々話を聞きたい。 ヨシダ　僕はKhruangbinが楽しみですね。この間の来日公演は行けずに、ずっとYouTubeで観てたので。 オオイ　今、出てきた外国のバンド、一つも知らなかったので予習して行こうと思いました。僕はTempalayが楽しみですね。

──TENDOUJIを結成してすぐ、Tempalayやドミコと出会ったことは活動にかなり大きな影響を与えているそうですね。 モリタ　俺ら、バンドやるのもTENDOUJIが初めてで、バンド仲間とかも全然いなかったから、すぐに彼らと知り合って。しかも唯一「カッコいい」と思えたバンドだったので、ほんと会うたび刺激をもらっていました。

──昨年11月にリリースされた4th EP『FABBY CLUB』は、片寄明人さんがプロデュースを手掛けていますが、片寄さんとの出会いもバンドに変化をもたらしましたか？ モリタ　レコーディングがめっちゃ楽しくなりました！ 感覚が近い人と一緒にモノを作るのって、本当に大きな喜びがあって。自分の頭の中にあったアイデアが、どんどん具体的なイメージに近づいていくというか。「この曲は、こんな感じにしたいんだよね？」って、片寄さんが提示してくれるリファレンスがまあ、ことごとく当たってるんですよ（笑）。 もちろん僕らはGREAT3も大好きだし、片寄さんのような歴史を作ってきた人から直接知恵を授かるのって、ほんと光栄だなと思っています。 モリタ　実は今、新作のレコーディング中で、それも片寄さんにプロデュースしてもらっているんですよ。この前1曲だけラフで軽くミックスしてもらったんですけど、マジでハンパないものになると思います。とりあえず日本人でこの感じ出せてる人もいないし、たぶんおれらが最初になるんじゃないかなって。 アサノ　まだ歌入れもしてないし、この段階で自分の音源を何度も聴き返すことなんて一度もなかったんですけど、もうリピートしまくってますね（笑）。 モリタ　最近、Spotifyで音楽を聴くことが多いんですけど、そうすると海外の音と日本の音の差に愕然とするんですよね。音圧もそうだし、アプローチの仕方もそう。僕ら、やるならどこに出しても恥ずかしくないような、世界基準の音源を作りたくて。そのアプローチを常に模索しながらやってきたんですけど、ようやく一つ達成した感はありますね。「これだ、これでいける！」って、ラフミックスが終わった瞬間に思えたし。 アサノ　早く全部終わらせて、リリースしたい。そして休みが欲しいですね（笑）。

──メンバーみなさん、もともと中学からの友人なんですよね？ モリタ　はい。バンドは昔からやりたかったんですけど、28歳の頃に「今がラストチャンスだな」と思ったんです。とにかく毎日がつまらなかったんですよ。仕事もつまらなかったし、当時付き合ってた彼女がとにかくイケメン系のバンドマンが好きな子だったので「このままじゃ寝取られる」と思ったのが、本気でバンドを組むきっかけでした（笑）。とにかくその頃は、劣等感にまみれてたし、生きづらいという感覚が常にあって。 アサノ　マジでこじらせてたよな、俺ら以外の友達も全然いなかったし（笑）。 モリタ　バンド始めてからは余計そうなりましたね。仕事なんか行くより、マジでこいつらとつるんでる方が100倍楽しいって。だったら、こっちの人生に賭けてみようって。

──もちろん音楽も大事だけど、この4人でいることも大事というか。 モリタ　少なくとも俺はそうでしたね。気が合わないヤツと一緒だとマジでしんどいっていうのを、社会人になってめちゃくちゃ痛感したので。笑いのツボとか、面白がるポイントとか、カッコいいと思うセンスとか、そういうのが一緒のやつといる方がいい。「靴がダサいヤツとは一緒にいられねえな」って思っていますね。 ──（笑）。音楽的には、どんなバンドを目指していましたか？ モリタ　90年代のNirvanaやTeenage Fanclubが大好きで。いつもYouTubeに上がっている動画を観ながら「こういうライブやりたい」って思っていますね。去年、Teenage Fanclubのオープニングアクトをやったときに、ノーマン（・ブレイク）におそるおそる訊いてみたんですよ。「いつもライブやるときに心がけてることあるの？」って。そしたら彼が「そんなのないよ。ミスってもいいしメチャクチャになってもいい。毎回違うライブを観たくてお客さんも来ているわけだろ？ 適当に楽しんじゃいなよ」って言われて。ただあの人たちよく考えたらクソ売れてるんで、あんまり参考にならないなと（笑）。 ──しかも、演奏メチャメチャしっかりしてますからね（笑）。 モリタ　そうなんですよ（笑）。でも、その姿勢みたいなものは共感しました。 アサノ　僕ら、4人で共有しているライブのイメージがあって。それは、さっきモリタが言った92年の＜レディング＞に出ていたTeenage Fanclubのライブ。もう客が泥だらけで、ゆるい曲でも超ブチ上がって踊り狂ってるんですよ。あれが理想ですね。

モリタ　そのこともノーマンに話したんだけど、「そうだったっけ？」みたいな反応だったね（笑）。 ──さて、今年のフジロックは苗場食堂に出演ということですが、とにかくハチャメチャで楽しいと評判のTENDOUJIのライブを初めて観るお客さんに、オススメの楽しみ方などありますか？ ヨシダ　ほんと予習とか何も必要ないので、気軽にふらっと遊びに来て欲しいですね。 モリタ　そうですね。フジロックとか、俺らよりも観るべきバンドたくさんあると思うし、でもそんな中わざわざ観に来てくれた人たちには、とにかくフリーマインド、オープンマインドで楽しんでもらいたいし、俺らも楽しんでもらえるように精一杯演奏します！ アサノ　めっちゃ晴れてるか、土砂降りの豪雨かどっちかがいいですね。 モリタ　えー、豪雨はやだよー（笑）。

──君島さんはまず、佇まいがいいですよね。見るからに才気走ったオーラを放っている。 そうですか（笑）。 ──ファッションにもこだわりとかあったりします？ こだわり……「何をするか」というよりは、「何をしないか」を意識しているように思います。文字の書いてあるシャツは着ない、とか。 ──へぇー。髪型も独特ですよね。 これは自分で切ってます（笑）。もう5年くらいになるので、目を閉じても切れますね。 ──それはすごい（笑）。宅録を始めたのも5年前みたいですが、『午後の反射光』を発表してから急激に注目されるようになりましたよね。そういうリアクションをどんなふうに受け止めていますか？ 昔から曲作りはしていたので、（ストックは）貯まっていたけど音源にしたことがなかったんですよ。だから、阿部さん（〈Apollo Sounds〉オーナーの阿部淳）に「CDを出させてください」と相談して。「これが自分です」という作品を出して、あとは半年くらい何もしないで寝てようと思っていたんです（笑）。出せたらどうでもいいわって感じで、出したあとのことは頭になかった。 ──わはは（笑）。　 そんな感じだから、ここまで聴かれるようになるとは思わなかったですね。今までの自分を清算するような、ホントに個人的な音源だったし。なかなか実感がわかないけど、TwitterやInstagramで反応してくださる方がすごく増えてきて。「嘘でしょ！？」って感じですよね。今はそうやって聞いてくれる人のことを意識しすぎてしまわないよう、（周囲の声を）意識的に遮断している状態です（笑）。

──とりわけ反響が大きかったのは”遠視のコントラルト”だと思います。最近、カラオケでも歌えるようになったそうですね。 そうそう、僕も歌ったんですよ。先日、6年ぶりくらいにカラオケに行ったら「君島くんの曲もカラオケに入ってるよね」という話になって。「うわ、MIDIの打ち込みだー、ドラムがんばったなー、再現度がすごいなー」って面白くなっちゃいました（笑）。なんだかもう、曲が自分から離れてしまった感じがしますね。 ──あの曲の制作背景を改めて教えてもらえますか。 4年くらい前から曲はあって、ずっと歌詞がつかなかったんですよ。そこから2年ぐらい前に、自分のなかですごく悲しかったことを、自分で掬い上げるようにしながら作った曲で。だから、歌詞もストレートではないし、自分にしかわからないような言い回しをしていて。自分のなかの大事な部分が救われることを願いながら作った曲というか……誰かに聞かせるために作った曲ではないですね。 ──「悲しさを掬い上げる」って素敵な表現ですね。そういう内省的なフィーリングが、君島さんの音楽にはある気がします。 僕はたぶん、音楽を作るより聞く方が好きで。昨今のソロ・アーティストを見ていると、1人でギターを弾いて歌を歌うという範疇を超えて、サウンド・プロデュースやミックス、アートワークまで自分で完結させられる人が増えていますよね。そうやって内面を掬い上げる、炙り出していくような感じが、最近のソロ・アーティストの音楽にはある気がして。そうやって「個」に帰っているのは興味深いし、時代が病んでることも関係していそうですよね。それこそ「個人的な悲しみ」だったり、「こう感じるのは自分だけじゃないか」ということをテーマにして作った”遠視のコントラルト”が、いろんな人に聞かれているのもその表れだと思いますし。

──君島さんがブライアン・イーノ（Brian Eno）の”By This River”をカヴァーしている映像がありますが、あの曲を好んで演奏するセンスも、今の話と繋がっていそうな気がしました。 あの曲は歌詞がとても好きで。何を言っているか全然わからないんですけど、荒涼とした場所でひたすら悲しみにくれている自分と誰か……人称も曖昧だし、何も強く主張してこない感じが自分のなかにスッと落ちてくるというか。「ここに帰れる場所があるんだな」と思わせるようなものが底流に流れている気がして、すごく好きです。

──そういう穏やかなサウンドも奏でつつ、『午後の反射光』にはノイジーな音や昂ぶったフィーリングも収められていて、そのコントラストがまた面白かったです。　 リリースからしばらくして、「レディオヘッド（Radiohead）みたいだ」「UKっぽい」とか言われたんですけど、レディオヘッドって1枚しか聞いたことなくて、全然知らないんです。それなのに「こいつ影響受けてるよね」みたいな言われ方をして。 ──あらら（笑）。 僕はそもそも「音の壁」みたいなのが好きで。高校のときに親がパソコンを買って、YouTubeがやっと豊かになってきた頃だったので、そこから音響系をいろいろ聞くようになって。まずジム・オルーク（Jim O'Rourke）から入り、フェネス（Fennesz）がめちゃくちゃ好きになって、ああいう音楽をやる人になろうと思ったんです。Macとギターでアンビエントを作って、「スーパー・デラックスで煙草吸いながら演奏するんだ！」みたいな（笑）。 ──硬派でエクスペリメンタルな感じですよね（笑）。 あと、メタルもすごく好きで。ああいう音楽の轟音って、いきすぎると心地よくなってきますよね。眠くなってくる。マイ・ブラッディ・ヴァレンタイン（My Bloody Valentine）もそうじゃないですか。静寂と表裏一体というか、やさしい気持ちになってくる瞬間があって、そういうのが好きなんです。 ──君島さんの音楽にはポストロックの要素を感じるのに、他のインタヴューでそういう話をしてなかったので「あれ？」と思っていたんですよ。でもやっぱり、そういう音楽もルーツとして大きかったわけですか。 そうですね。当時はマス・ロックとかも流行っていたけど、テクニカルなことは高校時代にメタルをコピーすることで黒歴史みたいになったので、そっちはあんまり惹かれなくて（笑）。すごく低いところでドラムが鳴ってるとか、ベースが全部左に寄ってるとか、そういう音像へのアプローチに興味があります。 ──そういったサウンド・デザインへの興味が、宅録の道に向かわせたんでしょうね。 そうだと思います。ジム・オルークの『The Visitor』っていうアルバムが大好きで、急に12弦ギターが「何本鳴ってるんだ！？」って感じでいろんな方向から聴こえてきたりして。これは絶対にバンドでは再現できないし、そもそも再現性なんか考えてないだろうし、そういう意味では芸術性を突き詰めているんだけど、ポピュラリティもかなり高い。そういう意味で、ジム・オルークが手がけてきた音像を、自分のなかで目標の一つに置いている部分はありますね。

──7月にリリースされた2曲入りシングル“散瞳 ／ 花曇”も、君島さんの音楽における二面性をプレゼンするような内容だと思いました。“散瞳”は《灰色のノイズが走った》という一節もあるように、躁的でそれこそポストロック的というか。 たしかに、サウンドの空間性みたいなものを意識した曲ですね。これは『午後の反射光』を作っている時点ですでに完成していたんですよ。あのEPは自分の内省的な気持ちとずっと向き合いながら作っていたので、ひどく疲れてしまって。「自分はこんなに暗い人間じゃない」と思いたくて、”散瞳”みたいな曲を入れようと考えたんですけど、いざ出来上がったら明るくなりすぎたので外したんです。でも、『午後の反射光』のために作ったくらいなので、コンセプトにも通じるものがあるから（発表まで）時間も空けたくなかったし、「すぐ出したら面白いかな」と思ってリリースしました（笑）。 ──“花曇”はどうでしょう？　 EPを出したあと、4月くらいに出来上がった曲ですね。実は“花曇”を聞いてほしくて“散瞳”を出したんです。というのも、自分が本当にやりたいのはアシッド・フォークなんですよ。時代が病んでる今、そういう音楽をやるのは意味がある気がしていて。

──たしかに、君島さんの音楽性を一言で括るなら、アシッド・フォークが一番しっくりくるかもしれない。 それこそ、ジェイムス・ブレイク（James Blake）の1stアルバムも僕の解釈ではアシッド・フォークなんです。「こういう系譜だからこういうジャンル」みたいな話は僕にとってくだらないことで、もっと内省的な解釈で歌っていることや音楽を捉えたいんですよね。 ──ジェイムス・ブレイクもジョニ・ミッチェル（Joni Mitchell）が好きだから、ああいう歌心に富んだ音楽を作ったわけですしね。 そうそう、アルバムのなかでカヴァーもしてますし。 ──その線で、最近好きな音楽ってありますか？ 韓国の空中泥棒ですね。元は公衆道徳という名前で、Lampの染谷大陽さんがやっているレーベル〈Botanical House〉から出ていたんですけど、名義がいきなり変わって、去年の10月くらいにBandcampで見つけて、そこからずっと聞いてます。 ──『午後の反射光』を出した直後に、韓国の音楽を集めたプレイリストを公開していましたよね。 そうなんですよ。空中泥棒も一人で宅録していて、インタビューを読んだら商店街の地下室で作っているそうで。あの人もジャズ・ギターを習っていたみたいでコードワークとかも面白いし、音像がサイケデリックで、最初はどこの国の音楽かもわからなくて。ブラジリアンっぽい要素もあれば、急にディスコっぽくなったりもするし、「自分もこれやりたいなー」って気持ちにさせられますね。そこから、韓国のインディー・シーンをかなり意識するようになりました。

──ここからは＜フジロック＞について話を聞かせてください。出演が決まったときはどんな気持ちでしたか。 夏フェスはずっと縁がないものだと思ってたんですよ。ずっと自分の家で音楽を作っていく人生だと思っていたので、単純にすごく嬉しかったです。 ──＜フジロック＞に行ったことは？ ないんです。ベースを弾いてもらう和輝さん（新井和輝）は長靴を買おうか迷ってる、山道だしヤバイらしいとか言ってて。そんなところに僕は行ける気がしませんでした。あと、羊文学の塩塚モエカちゃんが昔から知り合いで、何年か前に＜フジロック＞でジェイムス・ブレイクを観たという報告がLINEできたんですよ。「どうだった？」って聞いたら「そんなことより寒かった」と返ってきたのがメチャクチャ印象的で。 ──2016年ですよね。中村佳穂さんも同じ年の＜フジロック＞で「めっちゃ寒い思いをした」と話してました（笑）。 よっぽど過酷な状況だったんでしょうね（笑）。ただ今回は、バンド・セットも信頼できるメンバーを無事に集められたので、このメンツで夜中の＜フジロック＞なんて絶対楽しいじゃんって。 ──この3人がいかにすごいのか読者に伝えたいので、付き合いの古い方から順に、君島さんとの出会いについて教えてください。　 一番古いのは和輝さん。同じ東京の西の方の出身で、近所の違う高校に通っていて。年は向こうが二つ上で、軽音部の部長も務めたりしていた気がします。毎週木曜日にセッションができるライブハウスが福生にあって、僕も高校1年生から通い始めたんですけど、そこに学生服で5弦ベースをバリバリ弾いている和輝さんがいて。こんなに怖そうな同世代くらいの方がいるんだ！って思いました。ベース一本で場を制すどころか、空間を捻じ曲げていたんですよ。そこから一緒にセッションしたり、ジャズの話とかもするようになり、高井息吹というシンガーのバンドで一緒にやるようになって。そこからの付き合いですね。 ──今ではKing Gnuのメンバーですもんね。　 この前、「（知り合って）7年も経ってるのエモい」って話してたんですよ。King Gnuの前身バンドを組み始めたときもリアルタイムで見ていて、ライブにも行っていたので不思議な感じがしますね。

──その次に知り合ったのは？ 西田氏ですね、みんな「修大メン」って呼んでいます。三軒茶屋でギタリスト5人でセッションするという恐ろしい会があって（※）、そこで知り合ったんですけど、エフェクターの並べ方が扇型なので「絶対にネルス・クライン（ウィルコのギタリスト）好きでしょ？」みたいな話をしてたら、急に観念的なことを言い出して。「場合によってはクリーンな音を鳴らすほうが、俺らのなかでは歪んでる認識になることもある」みたいな（笑）。 ※三軒茶屋GRAPEFRUIT MOONで2017年5月に開催された＜「ULTIMATE SESSION 2017#2」~ULTIMATE GUITARS~＞のこと。 ──彼はそういう話をするタイプですよね（笑）。 僕もそういう事を考えすぎる性質なので急にそんな話をし始めてくれて凄く嬉しかったんです。この人は絶対おもしろいと思って。そこから連絡をとるようになり、初めて対バンしたのが石若駿さんのSong Book Trioで。そこで石若さんとも知り合いました。修大メンはメチャクチャ仲良しで、週2くらいのペースで3時間くらい電話してます。バンド組み立ての高校生みたいに（笑）。 ──西田くんは5年前、吉田ヨウヘイgroupの一員としてROOKIE A GOGOのステージに立ってますよね。あのときは盛り上がってました。 当時の話を聞かせてもらったあと、「まさかROOKIE A GOGOにもう一回出るとは思わなかった」と言ってました。たぶん、修大メンが一番燃えていると思います。 ──そのあと、ドラムの石若くんとも知り合うと。 修大メンと連絡をとるようになったあと、初めて対バンしたのがSongbook Trio（※）で。そこで駿さんと知り合ったので、僕のなかで最初の認識はピアニストなんですよ。音を大切にした演奏が印象的で、僕のなかではビル・エヴァンスと並ぶくらいのピアニストですね。そのあと、岡田拓郎さんのバンドだったり、いろんな絡み方でご一緒させていただいて。あそこまで曲を汲み取る能力に長けている人はいないと思いますね。 ※石若によるポップス・プロジェクト「Songbook」では、石若、西田と角銅真実によるトリオ編成や、さらにメンバーを拡張したバンド編成でライブ活動を行なっており、そこで石若はピアノを担当している。 ──彼と共演してきた人はみんなそう言いますね。 でもさっきの3人は、そういう音響的なデザインを（合奏で）何も言わなくてもしてくれるし、むしろ知らなかった景色まで見せてくれるんですよ。駿さんに至っては、本番でリハーサルと全然違うことをやるから、「こんなに（スネアが）後ろにいるのに私たちは合うんだ！」みたいな感じで（笑）。「そんな技は知らんぞ！」っていう音塊を修大メンが仕掛けてスパークする瞬間もあります。そういうマジックが至るところで起きるんです。それは観ている方には伝わらない、かなり微細なものかもしれないけど、4人のなかで絶えず反応し合っている感じがしますね。お互い信じられるフィジカルの強さが当たり前にあった上で、譜面の先まですぐに行ってくれるというか。演奏の鮮度も高いし、常にキラキラしていて、ライブの内容も毎回違うけど絶対にいい。そういう多幸感があるような気がします。 ──話を聞いていたら、ホントに楽しみになってきました！　お客さんとして＜フジロック＞で観たい人は？ Ego-Wrappinですね。中納良恵さんに強く憧れた時期があって。Ego-Wrappinの曲も大好きなんですけど、“ソレイユ”っていうソロの音源を聞いて、そこからすごく好きになりました。歌い方がEgo-Wrappinのときとは少し違うんですけど、それがまた素晴らしくて。ピアニスト的で、ソングライター的で、さっきの話じゃないけど「個人的なものだなー」っていう印象が“ソレイユ”にはあって。思い入れが深いので、絶対に観たいですね。あとはやっぱり、ジェイムス・ブレイクも気になります。

──君島さんと縁の深い、崎山蒼志さんも出演しますよね。 3日目の苗場食堂ですよね。遊びに行こうかなと思っています。 ──また一緒にやったりしないんですか？　今年5月の＜CROSSING CARNIVAL'19＞に引き続き。 どうにかなんないかなー、とは思ってるんですよね。楽器はあるので（笑）。 ──実現を祈っています！　最後に、＜フジロック＞への意気込みを聞かせてください。　 僕自身が楽しみで、すごく高揚しています。たぶん、メンバー全員が高揚しているので、いいステージになると思います。夜中に外でライブができるっていうことにも単純に興奮を覚えているし、ずっと家で音楽をやってきた人間がROOKIE A GO GOに出演することにも勝手に意義を感じてしまっているので、僕も楽しみにしていますし、みなさんも楽しみにしてくださると嬉しいですね。

「ほとんどは俺がこの人にはこの曲をリミックスしてほしいってお願いしましたね。全体が似たようなトーンにならずに、それぞれのビートメイカーが見事に自分のスタイルでリミックスしてくれて面白かった。しかも、リミックスを依頼して次の日に返してくれる人もいたぐらいリターンは基本的に早い。そういう瞬発力がいまのビート・ミュージックの面白さであり醍醐味でもある。DOMMUNEでも話したように、いまのビートメイカーはツイッターでつぶやいたり、インスタグラムに写真をアップするような感覚でビートを制作して発表している側面もあると思うんです。1日で5、6曲作っちゃうビートメイカーもいますし、“これが俺のいまの気分”みたいな感じでどんどんビートを残していく」

「いま話したようなビートメイクと、ビート・ミュージックの動きが世界のあちこちで独自に起きて拡がっているんですよね。例えば、日本よりも海外で評価されている日本人のビートメイカーがいるけど、そういう事実や動きはなかなか国内のメディアでは取り上げられないから、アンダーグラウンドでムーヴメントが進行するっていう現象が起きたりもしていますよね」

ILL SUGI　俺が働くようになってからビートメイカーやビート・ミュージック好き、海外のお客さんが来てくれるようになりましたね。店内のスピーカーで大きな音量で音楽を流してお酒とか飲んで楽しくなっちゃっていましたから（笑）。働きながら店内でビートを組んだり、店の上にある事務所にPCを置かせてもらってビートを組んだりもしていました。 仙人掌　俺もフランスでレーベルやっている人とかビート・ミュージックに興味のある海外の人とRAHで会ったりしましたね。

「実は俺、17歳ぐらいのときにBlack Ignition Center（かつて存在した、DRAGON ONE、yack、MILES WORD、宙チート、ILL SUGIから成るヒップホップ・グループ）でMILESさんのバックDJをしていたんですよ。だから、気合いが入って何パターンもビートを作っちゃったりして（笑）」

仙人掌　ILL SUGIはじめ今日いるビートメイカーの人たちはSPを使うじゃないですか。SPのコンプ（コンプレッサー）はめっちゃ重要だよね。 ILL SUGI　元々SPはビートを作るためじゃなくて、別の用途で持っていたんですよ。 仙人掌　SPは元々“音を通す”のが中心的役割の機材ですもんね。 ILL SUGI　そう。SPのコンプをかけると音がめちゃ太くなるから、他の機材で作ったビートにもSPのコンプをかけたりするんですよ。SPのコンプをかけるといきなりビートのクオリティが変わった感じがするから最初はすごいびっくりして。で、あるとき、SPのYouTubeの映像を全面に押し出しているMyspaceのページを発見して、そういうヤツらのビートを聴いたり、プレイしている映像を観るようになって、「なるほど！　SPでこんな風にビートを作るんだ！」って知って。それから自分でもSPでビートを作るようになりましたね。 仙人掌　ILL SUGIは、SP-404のタトゥーが入っていますからね。 ILL SUGI　はい（笑）。たしかケヴ・ブラウンはチョップができるSP-505で、マッドリブがSP-303を使っていたと思う。ケヴ・ブラウンはSP-505をMPC（AKAIのサンプラー）とつなげたりしているんじゃないかな。SP-505は音が良い、というか、新しい音って感じがするんですよね。 仙人掌　ビートを作り始めたときからクオンタイズ（サンプラーに内蔵されたタイミングを補正する機能）は付けていなかった？ ILL SUGI　最初はクオンタイズがかかっているのか、かかっていないのかもわからないぐらい知識がなくて。でも作っていくうちに、クオンタイズを外した方がノリがいい感じになるって気づいていったんです。

「音楽を聴いていると、どんどんいろんなものを好きになっていくと思うんですよ。俺の場合、最初ウータン・クランに衝撃を受けて二十歳ぐらいまでは本当にそういうヒップホップしか聴かなかった。でもだんだん耳が柔らかくなっていくと、いろんな音楽を好きになっていく。だから、みんなにもそういう風に音楽と接してもらえたらうれしいですね。踊れる曲は全部踊っとく。そういうことです。音楽を聴いてダンスしたいし、ダンスしてほしいんですよね。それが、＜SLOW LIGHTS＞のテーマですね」

「CRAMと福岡で初めて会ったときに、『ILL SUGIくん、ディビアシー（Dibia$e）って知ってる？』って言われて。そういう、自分が大好きなビート・ミュージックを共有できる友だちですね」

仙人掌　CRAMは自分のビートのダンス・ミュージック性についてはどう考えている？　ISSUGIもCRAMのビート上（CRAM feat. ISSUGI“Fiend Combo”）でそういうことをラップしていたよね。「踊りたくなるヤツがいてもいいし」って。 CRAM　俺も自分のライヴで人に踊ってほしいですね。だから、ライヴに関してはスウィングしているビート中心にやるんです。 仙人掌　CRAMはトラップについてはどういう意見を持ってる？　というのも、リル・ヨッティとかも好きってインタヴューで語っていたのが印象的だったから。 CRAM　そのビートがカッコいいと思えば聴くし、気分が乗ったらトラップっぽいビートも作りますね

CRAM　「日本と言えば、BUDAMUNKだろ」っていろんな人から言われて。OLIVE OILさんの名前も出ましたね。だから、日本のビート・ミュージックがインターネットを通じてカナダの人にも知られているんだって実感して。 仙人掌　俺もNYのクラブで現地の人に同じようなこと言われた経験がある。Spotifyのプレイリストを見せられて、“こんなにBUDAMUNKの曲が入ってるぜ”って。中国には独自のサンクラがあるんだけど、BUDAMUNKや俺らが知っているような日本人のビートメイカーの曲が聴けたりして、何十万回再生されている曲もあったりする。CRAMの海外とのコネクションは面白いし、柔軟性があるよね。 CRAM　『THE LORD』を作っているときに、自分が大好きなフライ・アナキンとコンセプト・ジャクソン（共にアメリカのリッチモンドのラッパー）にメールをしたんですよね。そうしたら、OKの返事が来ていっしょに曲が作れることになって。 ――SoundCloudで知り合ったというメリーランド州のラッパー、デクスター・フィズも参加していますよね。さらに、あのアンダーソン・パックにもオファーのメールをしたそうですね。 CRAM　普通にシカトされました（笑）。でも、オファーする分には恥ではないですからね。いまそういう考え方ができるのもトロントでの経験が大きいです。日本では良いとされないことが向こうではアリだったり、また日本では良いことが向こうではナシだったり。そういう経験が俺の脳みそを刺激して、“ナシはナシ”っていう考え方になりましたね。 仙人掌　“ナンデモアリ”じゃなくて、“ナシはナシ”っていう考え方が面白いね。

仙人掌　Kid FresinoとのEP（『Backward Decision for Kid Fresino』2014年）でも歌っていたし、ライヴでもだいたい歌うもんね。 Aru-2　そうですね。あの作品もフックで歌っていましたね。歌いながらビートを作ったりしますし、ビートを作っていたらメロディが浮かんでくるんです。ライヴで歌うようになった理由は、いろんなライヴの現場を経験するようになって、ただビートを流すだけじゃないライヴをしたいって思ったのがきっかけでした。 仙人掌　『BOY MEETS WORLD -REMIX-』のミックスとマスタリングもAru-2に任せたし、フリーフォームで多才なビートメイカーだと思う・

Aru-2　あの曲にしかない役者感を感じたのが、リミックスしたいと思った最大の理由ですね。で、チョップ感のあるビートをラップにハメてみたら見事にハマったので“OK!”って感じで完成しました。 仙人掌　ただ実はリミックスを最初聴いたとき、俺は「あれ！？」って思った。俺のファースト・ヴァースの入り方とビートがズレているのかもしれないと感じて。だから、「これで大丈夫？　このビートはこういう解釈で合ってる？」ってAru-2に確認したよね。そしたら、「これで大丈夫です」って返事が来て。原曲にある3ヴァース目もカットされているし、ある意味でいちばんリミックスらしいリミックスを作ってくれたと思う。

「DJプレミア、J・ディラ、マッドリブはもちろん好きですけど、誰よりもサムアイアムは外せないですね。サムアイアムが面白いのはどんどん別のジャンルの音楽を取り入れて、自分の音楽やビートをブラッシュアップしているからなんです。さっき話に出たSP-404の映像になぜサムアイアムが出てこないんだ！？って俺は怒っていたっすね（笑）。あと最近はスティーヴ・スペイセックですね。スペイセックが去年出した『NATURAL SCI-FI』をずっと聴いていますね」

「自分でカセットを100本ぐらい作ってBandcampで買えるようにしたら海外の人からの注文がたくさん入ったんですよね。オーストラリア、中国、ニュージーランド、フランス、イギリス、ドイツ、ハンガリー、アメリカもカナダも、ホントにいろんな国の人が買ってくれて。で、世界各地の住所をプリントアウトして郵便局に行って発送するっていう作業も自分でやる。リリースするたびにお金も入ってくるから生活の柱になっているし、自分の音楽が世界のいろんな人に聴かれているっていう実感がありますね。インターネットでつながっている時代だしその土地特有の音楽的特徴みたいなものはどんどん薄くなっていっているのかもしれないけれど、だからこそ、去年ぐらいから、生活しながら音楽を作っている自分や、そういう普段の生活のありのままを表現したいと思うようになりましたね」

「BUDAくんにリミックス・アルバムの相談をしているとき、早い段階で紹介してもらったビートメイカーがJUNさんなんです。横須賀のスケーターからキャリアを始めているというのも知って、自分たちとノリが近いんだろうなって感じたんですよ。それもあって、JUNさんにはJUMANJIとHITと俺がマイクを回す“Water Flow”のリミックスを依頼したんです。JUMANJIもスケートのシーンと近いグループだから」

「BUDAくんを自分のイベントにゲストで呼んでライヴをやってもらったことはあったんですけど、そこまで普段から会ったりする関係ではなかったので依頼されたときはびっくりしました。でも昔から仙人掌くんのラップを聴いていて、めっちゃヒップホップな人だなって思っていたから、『やります！』って即答しましたね」

JUN NAGAOSA　DJ スピンバッドやエクセキューショナーズ（ヒップホップのDJやターンテーブリストたちが集まってNYで結成された集団）のロック・レイダーとかに影響を受けて一時期はひたすらルーティンを組んでいるようなDJでした。それがあるとき、ディビアシーやラス・Gのビートを聴いて、『これはヤバイ！』ってなって、SP-404でビートを作り始めるんです。SP-404の作りやすさのおかげでDJからビートメイカーにすんなり移行できたのはありますね。MPCとかと違ってリサンプリングで直感的にビートを作れるから。 仙人掌　jjjが、SPでビートを作る感覚を“音を手で掴む”って表現していましたね。サンプルをチョップするときも波形を切るんじゃなくて、音を手でざくざく掴んでいく感覚でやるって。

「ちょうど＜ロウ・エンド・セオリー＞が盛り上がっている時代で、イベントの会場前に若いヘッズがすごい並んでいましたね。ティーブスもそこらへんをうろうろしているし、ギターセンターっていう楽器屋で働いていたマインドデザインと仲良くなって遊んだりしましたね。で、さらに向こうのローカルの子たちと遊んでいると、車でBUDAくんの曲をかけたりしている感じなんですよ。俺も言われましたからね。“お前、BUDAMUNKを知ってるだろ？”って（笑）。そのBUDAくんが俺のビートをチェックしてくれていて、仙人掌くんのリミックスを依頼してくれたことがうれしかったですよ。いま、自分のビートが海外のヤツに聴かれているっていう実感は俺もありますよ。日々発送作業に追われていますから（笑）」

──ライブ、めちゃくちゃ良かったです。 嬉しい！ありがとう。 ──バックスクリーンに、子供の頃の写真を投影してましたよね？ うん。自分がどこから来たのか、忘れないようにするため。今、こうしてここに立っていられることへの感謝を込めてね。今回のライブで、初めて試してみたことだったの。＜フジロック＞のためにね！ ──初めて日本のオーディエンスの前で演奏してみた感想は？ もう、めちゃめちゃ楽しかった。みんなとっても優しくてフレンドリーで……。昨日はものすごい雨だったけど、だからこそ今日の天気を楽しんで、よりハッピーに過ごせているんじゃないかしら。 ──確かにそうですね。ちなみに昨夜はどうしてました？ 私たち昨日、ロンドンからここまで来たのだけど、48時間ずっと寝てなかったから早めにホテルに戻り、メンバーとトランプやったりしてすぐ寝ちゃった。今回の滞在はとっても短くて、あまり色んなところへ行けないのが残念。12月にまた来るからその時は東京と大阪をゆっくり探索したいな。

──是非！ で、今日は「ステラ・ドネリーを構成する要素」についてお聞きしたいなと思って。 OK。自分では大きく2つの要素があると思ってる。一つは「パンク・ミュージック」。色んなバンドを観て、その影響の組み合わせによって出来ているのだけど、中でもパンクからの影響がとても大きい。音楽的にはそう聴こえなくても、自分が思ったことを素直に表明する姿勢というのは間違いなくパンク精神よね。 もう一つは、「これまでの人生経験」。恋に落ちたり、別れたり。女性アーティストとして、この数年間で感じたこと……そのうちのいくつかは、あまりいい思い出ではないけれど、私に歌詞を書くモチベーションを与えたし、書くことによって自分のやっていることに対して自信が持てるようになっていったと思う。そんな自分を見て、若い女の子たちがギターを手に取ってくれるようになって欲しいな。 ──今、ステラが使っているシェルピンクのストラトキャスターは……。 フェンダー・ジャパンよ！　バンドのベーシスト、ジェニファーから安く売ってもらったの。ギターは全部で3本持っていて、アコギと、あと1970年製の赤いヴォックス・ストローラーを持ってる。指1本で持ち上げられるくらい軽くて（笑）アルバムのレコーディングでも使っているわ。 ──もともとはアコギから始めたんですよね？ そう。私が8歳の時に父が買ってくれて、それでいくつかのコードを教えてくれた。そこから先は独学で覚えていったわ。ラジオから流れてくる曲を聴いて、どうやって弾いているのか必死に調べて。そのうち徐々に上達していったという感じ。 で、あるときアコギを車の中に置きっぱなしにしていたら、誰かに盗まれてしまって。仕方ないから、それまで全然触ったことのなかったエレキを手に取ってみたの。もしアコギを盗まれてなかったら、きっとまだエレキを弾いてなかったと思う。なので、あの時の泥棒には感謝してるわ。「（日本語で）ありがとうございます」あははは！

──（笑）。スリーフィンガーでエレキを弾いてるのは、アコギからの名残なんですね。 まさにそう！ ──歌の中に笑い声やため息を入れたり、話すように歌ったりする表現は、どこから来たもの？ 「正直であること」を、常に自分に思い出させるのにとてもいい方法なの。単にメロディをなぞるように歌っているのだと、アイドルと変わらないというか。自分のストーリーを、まるで話すように歌うことでよりリアルに表現できる気がする。 ──ビブラート唱法も特徴の一つですよね。 ライブのビデオを見返したら「あ、やってる」って感じで、自分でも気づかないうちに習得していたみたい。思い返してみると、風邪を引いてあまり声が出なかった時に、無理やり出そうとしたら出来るようになった気がするな。ただ、エディット・ピアフ（Edit Piaf）は好きだけど、やりすぎは良くないと思っているので、ほどほどに取り入れているわ。 ──ミュージック・ビデオではコメディエンヌっぷりも発揮してますよね？ 本当に？　でもそれはきっと、編集が上手いからだと思うな（笑）。キャラクターを演じるのは難しくて、最初は苦労したからそう言ってもらえて嬉しいわ。 ──レオタード姿でユニークなダンスをしたり（”Old Man”）、死体やナースを演じたり（”Die”）、ああいうアイデアはどこから生まれるのですか？ “Old Man”は映像作家のフィオナ（・ジェーン・バージェス）が全体のテーマを考えてくれたのだけど、ダンスの振り付けは私が適当に思いついたものよ（笑）。ちょっと遊び心があって、奇妙な感じはフランスのヌーベル・バーグを意識してるの。ジャン=リュック・ゴダールとかね。撮影はアムステルダムで行ったから、オランダとフランスの要素がいい具合に混じり合っているんじゃないかな。

“Die”はスタジオ・ジラフの作品で、「死」というものを面白おかしく表現したかったの。ちょっとハリウッド映画を意識して、大きな霊柩車に乗ってみたり、棺桶に入ってみたり……（笑）。「死」って語ることをタブー視されているというか、忌み嫌われたものとされているじゃない？　オーストラリアを含め、特に英語圏ではそうだと思う。でも国によっては、あるいは人によっては「死」についてオープンに語ったり、「生の一部」として捉えたり、むしろ明るく祝福するものと考えてさえいる。どちらも否定しないけど、私自身は後者の考え方に近いと思う。まだ死にたくはないけどね（笑）。

──僕も、メキシコの死の祝い方がとても気になっています。 「死者の日」ね！ ──愛読書や、大切にしている映画を教えてもらえますか？ えーっと、そうだな。お気に入りの映画は、アルゼンチンの監督ダミアン・ジフロンの『人生スイッチ（Wild Tales）』（20014年）。「暴力」と「復讐」がテーマで、ありえないような出来事が次々と起こるクレイジーな物語なのだけど（笑）同時に風刺も利いた知的な作品なの。 愛読書は、オルガ・トカルチュクというポーランドの作家が書いた『Flights』。いくつかの短編で成り立っていて、様々な場所が舞台になっているからツアー中に読んでいると、すごく入り込める。2回読んだわ。映画は飛行機の中で観る程度なのだけど、本は大好きで、たくさん買ってしまうから常にスーツケースがパンパン（笑）。なるべく本屋には立ち寄らないよう気をつけてるわ。ちなみに今は、チャールズ・ブコウスキーの『On Love』という詩集を読んでいるわ。 ──音楽や映画、読書以外で関心を持っていることは？ 実は今、言語学（linguistic）をオンラインで勉強していて、近いうちにちゃんと大学に通おうと思っているの。私はウェールズ系のオーストラリア人なのだけど、「ウェールズ語」という素晴らしい言語が失われつつあることに心を痛めてるの。それをちゃんと勉強して、残していきたいなって。 ──次のアルバムでは、どんなことをテーマにしようと思っていますか？ 「テーマにしたい」と思っていることはまだ決まってないのだけど、テーマに「したくない」ものはもう決まっていて。とにかく「ツアーに関する作品」だけは避けたい。よくあるじゃない？　デビュー作を携えツアーに出たミュージシャンが、それに感化されて《I'm on the road, blah-blah-blah〜》（と歌い出す）みたいな曲を作るのって、ありがち過ぎて。 ──（笑）。 ツアーから戻って日常生活を取り戻し、「自分はどこから来て、どこへ向かうのか」にちゃんと向き合いながら曲を作りたいな。 ──ライブの時のあの写真には、そういう意味も込められていたのですね。 その通りよ！

ステラ・ドネリー（Stella Donnelly） オーストラリア・パース出身のシンガー・ソング・ライター。ソロ活動の傍ら、Bells RapidsやBOAT SHOWのギタリストとしても活躍。2017年にリリースした楽曲“Boys Will Be Boys”でオーストラリアの音楽見本市、Bigsound 2017のリーバイス・ミュージック・アワードを受賞したことで世界的な注目を集め、〈Secretly Canadian〉と契約。2018年、“Boys Will Be Boys””を収録した『THRASH METAL』EPにボーナストラックを追加しワールドワイド流通で再リリース。2019年3月にデビュー・アルバム『Beware of the Dogs』をリリースする。

——「サークル・オブ・ライフ」はもちろん、「ハクナ・マタタ」や「愛を感じて」など本作には名曲と呼ばれる歌が数多く登場しますよね。さらに今回、ビヨンセやドナルド・グローヴァー（チャイルディッシュ・ガンビーノ）、ファレル・ウィリアムスといった名だたるアーティストの参加により、音楽的な面だけを切り取っても話題性の高い作品となっています。劇中の音楽については、どんな印象を持たれましたか？ とにかく今回のキャストが世界で大活躍されている方々だというのもあるんですけど、楽曲自体もよりドラマチックさが増すアレンジになっていたり、超実写版に合わせてアップデートされているのをすごく感じていて。特に、劇中で流れるビヨンセの新曲『スピリット』は、歌詞的にも「心の中に眠っている本来の自分の声が聞こえますか？」っていう問いかけであり、「一人一人が輝く花を持っている」っていう強いメッセージが込められていて、そういった部分が物語とリンクして生まれる感動があったり。ビヨンセにしか出来ないような表現がたくさんあったので、そこも本当に素晴らしいなあと思いました。 ——ナラ役で声優としても活躍されていらっしゃいますが、声の演技という点ではいかがでしたか？ すごいですよね！ 音楽以外でもあんなに表現出来るのが「さすがだなあ」って思いました。ライブパフィーマンスはもちろん、これまでにご出演された映画とかもたくさん観ているんですけど、彼女の尋常ではない表現力は本当にすごく尊敬しています。 ——彼女の持っている強さは、ナラにも重なるところがありますよね。 本当にそう思います。ナラって、シンバを一番に信じていて、力強い芯のある女性というキャラクターなので、ビヨンセのように女性を引っ張っていく世界のディーヴァっていうところと重なる部分がたくさんあるなって思います。

——今回、日本版オフィシャルソングを担当されるということで、ジョン・ファヴロー監督とシンバ役のドナルド・グローヴァーさんに直接会って歌声を披露されたそうですね。 歌い終わったあとに、お2人とも「Yeah!!!!!」って拍手してくださって（笑）。ドナルド・グローヴァーさんは「『ライオン・キング』に出演した方がいいよ！　」って言ってくださったり、帰るときに水を飲みながら「またね！　」って手を振ってくれたりして。お会いする前はチャイルディッシュ・ガンビーノのMVをとか見ていて「どんな方なんだろう」って思っていたんですけど、すごく穏やかで優しい方でした。 ——物語中では、プンバァやティモン、「ハクナ・マタタ」という言葉との出会いがシンバを大きく成長させるきっかけとして描かれています。今回の監督やドナルド・グローヴァーさんとの出会いもそう捉えられるのかもしれませんが、RIRIさんにとって特別な意味を持つ言葉や出会いってどんなものでしょう？ 昔からすごく好きで大事にしている、“夢見ることができれば、それは実現できる（If you can dream it, you can do it.）”っていうウォルト・ディズニーの言葉があるんですけど、本当にそうだなって思う瞬間がすごくあって。私は昔から世界で活躍出来るアーティストになりたいっていう大きな夢があって、そこに向かって本気で進んできているし、それなりに大変なこともたくさんあるんですけど、それも将来夢を実現するために起きていることだって感じることが多々あります。それに、自分の身の回りにいる尊敬出来る方たちが力になってくれたりするので、本当に「サークル・オブ・ライフ」じゃないですけど、出会う人に影響を受けたりして、「がんばろう」って思えたりすることもたくさんあります。人と人との愛のつながりの中で素晴らしい影響を受けることがたくさんあるなって、すごく思いますね。

——いい影響を与えあって生きていけたら、それはとても素敵なことですよね。自分で未来を切り拓いていくシンバの姿はRIRIさんにも重なるところがあると感じました。これから新時代のアイコンとしてどんなエンターテインメントをつくっていきたいですか？ 私はグラミー賞を受賞するっていう大きな目標があるんですけど、日本人がまだ獲ったことがない４大部門を目指しています。今、アジアの国のアーティストがどんどん世界に出ていっているなかで、絶対に日本人も世界に進んでいけると思うし、日本人アーティストとして世界で活躍したいという想いも強くあるので、そういった意味で新時代をスタートさせるための革命を起こせるようにという気持ちでいつもがんばっています。これからまだまだ道のりは長いと思いますけど、実現出来るようにがんばります！

INTERVIEW：ravenknee

――7月3 日にリリースした新曲“ubugoe”の評判がとてもいいですね。 松本祥（Vo/Gt以下、祥）　「ポップだけど、革新的なところを突いていて、聴いたことのない感じだった」と言われたのは嬉しかったですね。 松本一輝（Gt以下、一輝）　今までのテイストを加えながらも、聴きやすいように、ポップに仕上げているので、これまでとは違った印象の楽曲になりました。 ――“ubugoe”はみなさんのルーツが散りばめられていて、それが「革新的」と言われる部分に繋がっていると思うのですが、作る上で、どんなことをイメージしましたか？ 祥　僕が高校２年生ぐらいの時に、なんとなく一人でいっぱい曲を作ってた時期があって、特に披露をするとかもなく溜め込んでたストックがあるんです。構成も決まってなくて、歌詞もなくて、メロディーとコードだけある曲で、いつかバンドをやる時に、できたらなっていうような。今までそのストックを弾き語り、僕が90%くらいトラックを作り込んだものをみんなに渡してたんですけど、今回は、ギターと声だけで録ったやつをみんなに送って、そこから組み立てていくっていう新しい形で、初めて作ったやつですね。 一輝　自分は“daydreaming”（2017年12月に自主制作にて発表した楽曲）の感じがすごく好きなので、そういう北欧のテイストのギターリフと、それにのっかるようなシンセサイザーのリフを重ねられたらいいなと思いました。祥くんからもらった音源に、その２本だけを１コーラスつけて送り返して、それを元にだいたい90%くらい完成させてもらって、それからメンバー全員で構成を削って、足したりしてという感じですね。 祥　本当は転調してCメロとかあったんですよ。結局、最後はサビが転調するんですけど、元々はCメロっていうまったく別の転調があって、そこで転調してたんですよね。でも、ごっそり思い切って削ってみたり、ひたすら5時間ぐらいバンドでスタジオに篭って、構成を考えながら作りましたね。

――制作にはどれくらいの期間かかったんですか？ 祥　弾き語りのボーカルをみんなに送ったのは2月末くらいでした。そこからレコーディング撮り終わったのが4月の半ばです。 一輝　期間的にはそんな経ってないかもしれないですけど、何回もトラックを作り直したり、そういうので結構労力がかかりましたね。 ――東さんと安田さんは初めて楽曲を聴いた時、どんな印象でしたか？ 安田照嘉（Ba以下、安田）　弾き語りできたっていうのはすごく新鮮でしたね。祥くんの弾き語りがいいと思って、バンドに入ったというのもあったので。 東克幸（Dr以下、東）　トラックが作り込まれてきた時に、それを再現するのがドラムの重要な課題だと思ってたんですけど、フィルの自由さも“ubugoe”の前ぐらいからあがってきてて、色々考えていれられるようになって。鳥が羽ばたいていくイメージを想像しながらプレイしました。

――みなさんの“ubugoe“のイメージは？ 祥　まぁ、緑は浮かびました。あくまでポップで壮大で、エレクトロで、空間の広がりがあるようなシューゲイザーまでいかないけど、北欧や民謡系のサンプルを取り入れたり、エレクトロなんですけど、オーガニックなイメージというか。 安田　北欧のお祭りはイメージしてましたね。 一輝　電子音楽に使われている音色は民族楽器だったりとか、自然っぽさを意識してます。 安田　音楽的な面でもジャンル的な面でも、「新しい時代への移り変わり」というのを考えてました。 一輝　ある意味、前から一貫してるよね。“新しいことをやっていきたい”っていうのは。

――確かに5月から年号が令和に変わり、時代の移り変わりは感じますよね。以前、インタビューさせてもらった時は、サーキットフェスの出演を控えていたり、ライブの本数も去年に比べて増えていると思うのですが、そういったことを踏まえて、バンドに何か変化はありますか？ 祥　すごくありますね。ライブが楽しくて、自信になってきたというか。 一輝　「やってやったぜ」みたいな感覚がたまにでてきましたね（笑）。 安田　ハプニングを楽しめるようになってきた感じはありますね。 祥　あと、ライブ中にテレパシーが通じるような感覚。メンバー間で目だけで話せるような感じがでてきたような気がします。エレクトロバンドといえど、グルーヴとか、フィジカルを大事にしているところもあるので、そういうのが結構難しい課題ではあったんですけど、エレクトロをメインに、例えばエレクトロユニットだったらほとんど２ミックスで出してる感じでよかったりだとか、他にもユニットの難しさもあると思うんですけど、バンドサウンドはバンドサウンドで生音だけでやってるバンドがあったりする中で、結構エレクトロの２ミックスと生音とのバランスみたいな、中音と外音がこうでみたいなのは、すごく難しい課題なんですけど、毎回、ライブごとに小さい課題を考えている中で、クリアしているような気がしていて、それがこの半年間で、自信と楽しさに繋がってる気がします。 一輝　僕はできるところは全部ちゃんとリアルタイムでやって、ちゃんとドラムとかにもエレクトロの同期とかを返しているんで、たぶんリアルタイム感っていうのは伝わっていて、電子音楽なんだけど、ライブの生感に繋がっていると信じているんですよね。そういうことを追求していって、やっと形になってきたかたな、と思います。 祥　毎回、ライブは少しずつ違いますね。曲の繋ぎとか、セクションのアレンジとか。エレクトロの部分も毎回同じシーケンスが鳴ってる日はないし、エフェクトをかけるタイミングもその日によって違うし。セットリストは決めているんですけど、アレンジは本番でいきなり変わったりとか結構ありますね。

――それに対して、周りのお客さんの反応はどうですか？ 東　こっちが楽しくなるにつれて、反応もいい方向に変わってきている気がしますね。 一輝　ちゃんとやれば伝わると実感しましたね。 ――8月11日には、リリースを記念した自主企画がありますが、どんなライブになりそうでしょうか？ 祥　新曲盛りだくさんでいきたいと思っています。まだ音源も公開してないし、ライブもしてないし、本当に誰も聞いたことない曲がたくさんあるんです。ライブでしかやってない曲は結構あるんですけど、それを抜いてもまだ新しい曲がたくさんあるので、そこでお披露目できたらなと思います。 ――楽しみです。今回、企画に出演予定のLucky Kilimanjaro とthe engyとは、どんな繋がりがありますか？ 祥　2バンドとも繋がりが深いバンドです。Lucky Kilimanjaroは、revenkneeが結成してから2回目のライブで一緒に共演をしました。初めてあったのはもう少し前ですね。ライブハウスで会ったんですけど、僕、結構コミュ障というか、初対面の人と話が続かない人なんです。そしたらキーボードのまおたき（大瀧真央） ちゃんとかきて、「バンドやってるの？」とか、ただの客だったのに、こっちがすごく質問を受けて。そこからちょいちょいライブハウスで会うようになって、挨拶するようにはなりましたね。the engyは前にやっていたバンドで、2回くらい対バンしましたね。 安田　僕はthe engyは普通にファンだったんですよ。ravenkneeを組んだくらいの時に、このバンドでイベントするなら、the engyを呼びたいっていう話をしていたのは覚えてますね。 祥　その時、YouTubeにEPのトレイラーくらいしかなくて、メンバー不明みたいな感じだったんですけど、それをてるくんがディグって聴かせてくれて、「日本人！？」みたいな印象でした。 安田　そのあと、the McFaddinっていうバンドと仲が良いみたいで、なんやかんや繋がっていたって感じですね。そしたら、同じレーベルに所属することになって、すごく縁の深いバンドになりましたね。 祥　いつのまにかレーベルメイトになってましたね。

─――縁のあるバンドが出演されるんですね。今回の自主企画が一つの区切りとして、ravenkneeの次のステップは？ 祥　やっぱり、より大きい会場でライブがしたいですね。 一輝　取り急ぎ、アルバムですね。もう曲は録り終わっているので。 ――どんなアルバムになりそうですか？ 祥　今まで通り、エレクトロやクラブミュージック的な方面から攻めるということを意識しながら、ポップの中で新しいことを探そうとしているような局面も持ちつつ、“OCEAN”や“ubugoe”みたいな日本語の壮大なシューゲイザーや僕らのルーツを詰め込んだ作品になると思います。 一輝　今回は今までと違って、メンバー全員が関わっている曲が増えていて、その多様性も生まれていると思います。 祥　一緒に切磋琢磨してゼロペースから作った曲が結構あります。これまでのEPのようにジャンルが違う曲が目まぐるしく変わるんですけど、1つの物語として構成的に流れをつくれたらなと思います。 一輝　より多様性になったから、その間がでてきたって感じですね。いろんな幅がある曲ができたので、その間を繋げる曲ができてきたっていう感じですね。ライブの幅もそれで広がっています。 ――アルバムに収録される曲が、今回の自主企画で聴けるかもしれないですね。楽しみにしてます。

──Alffo Recordsを始めたきっかけを教えてもらえますか？ 18歳からレコードを買い始めて、そこからずっとDJをやっていて今年で20年目なんですけど、それが動機になっています。当時から、今でもレコードが好きなテンションは変わってないですね。色々なきっかけがあって、それを話すと5時間くらいになっちゃうんですけど、今でも僕はレコードも買うしDJもやるし、若い子とかもずっと連綿と続いてレコードを買ってくれているのを見てきて、「そういう子たちにいいものを提供できる場所っていいな」っていうのが根底にあります。 ──Alffo Recordsは元々、通販だけでレコードの販売をしていましたよね。実際に直接お客さんと触れ合うようになって、どんなことを感じましたか？ 前の店舗にも来てもらっているんでわかると思うんですけど（以前は雑居ビルの6畳程度の部屋に店舗を構えていた）、あんな雑居ビルでも足繁く通ってくれる人たちを見てきて「やってて楽しいなぁ」っていうのはあります。通販のみでやってた時はそういう出会いってほぼなかったので、やっぱり店舗に来てくれるのは嬉しいですね。 ──直接顔を見てお話をしたり、コミュニケーションをしっかり取れるのはいいですよね。 そうなんですよ。話しているうちにこっちの熱量とかが伝わったんだろうなぁっていう時に、「これ買おうと思って来たんですけど、やっぱりこっちにしますわ」みたいなことがたまにあるんですよ。思っていたものと違うものを買って帰ってくれるとすごく嬉しいです。

──店舗をここに移転してから、レコードの販売と合わせて、バーを始めた理由やきっかけはありますか？ 僕がDJをやっていて、クラブも含めて「ベストな場所が無い」っていう思いがあったんです。入りづらかったり敷居が高かったり。それで1年半くらいずっと場所を探していたんですけど、懇意にしてる不動産屋が「やっと出てきました！」って条件の合う場所を見つけてくれたので、見て即決しました。 ──そうだったんですね。 やっぱり「集まれる場所」が欲しかったんです。僕自身がインディーミュージックに特化しているというか……ダンスミュージックとかも大好きなんですけど、レコ屋だけをやってるとコミュニティが固まってきてしまうので、もっと幅広く色んな人と交わりたいなっていうのがありました。 ──店舗内でイベントもやってらっしゃいますもんね。 おかげさまで週末は結構イベントが入ってますね。イベントに遊びに来るついでにレコードを見て買ってくれたり、お酒飲んでくれたりとかしたら、すごく有難いです。

──今後、イベント以外で何か新しくやってみたいことはありますか？ 音楽のイベント問わず、ファッション系のポップアップとか、フリーマーケットとかもやりたいですね。それもレコードだけじゃなくていいし。 ──なるほど。普段レコードに興味がない人がお店に訪れることによって、レコードに興味を持ったり、自分の知らない音楽を聴くきっかけにもなりそうですね。お店に立っていて、一番楽しいと思う瞬間はどんな時ですか？ 全然知らない人がカウンターで隣同士に座って、盛り上がった瞬間ですかね。そこを上手く繋げるのがカウンター内の人間の役割だと思っていて。そういう繋がりが連鎖していけば、より輪が大きくなるんじゃないかなと。いまだに「緊張する」っていう人もたくさんいるので、そういう「圧」はなるべく取っ払いたいと思っています。 ──改めて、「レコードの魅力」はどんなところだと思いますか？ 「大きさ」。たぶん音楽ソフトとしては一番大きいですよね。あとはやっぱり、レコードに針を落としてそこから音が流れるって、一番ライブに近い感覚というか。DJとしてこんなこと言っていいか分かんないですけど、いちDJとしては「モノ」というか「ツール」としか思ってないんですよ。でも、安心感はある。そこに「モノ」としてあるっていうことは消えることはないし、触っていると可愛くなるし、磨けば綺麗な音が出るし、逆に雑に扱うと傷ついちゃう。やっぱり「モノ」としてあるっていうのは、良いですよね。しかも、好きな「モノ」に囲まれるとなおさら良いですよね。

──確かに。新作、新譜も扱っていると思うんですけど、扱う上で心がけている事とかありますか？ もちろん音源は聞くんですけど、MVの作り方とライブは絶対見るようにはしてます。音源だけ聞いても分からないポイント、どれだけ本気でどのくらいパッションがあってやっているのかとかが、パフォーマンスで見えてきたりするんです。それを見た上で「これは推したい」っていうのを決めています。そういう意味では、もちろんルックスもすごく大事ですね。アーティストのパッションが高いと、こっちもパッション高くお客さんに伝えられるので、生の映像とか、どれくらい美意識もってやってるのかとか、どのくらいコンセプトもってやってるのかとか、色んな動画を見たりしますね。音だけ聞いても分からないことって、たくさんあるんですよ。 ──ナカシマさんが音楽に夢中になる瞬間ってどういう時ですか？ 例えば本とか小説とか映画とかにも言えると思うんですけど、「これ聴いた事ないけどヤバいな」みたいな時ですね。映画だと観た事ないようなショッキングなシーンとかありますけど、それって「アイデア」だと思うんです。そういうのが盛り込まれてるとテンション上がりますよね。逆にいうと、毎日の様に音源をチェックしていると色んな音楽に対して不感症になってくるんです。そんな中で、どこの国か分からないけど「やたらカッコいいな」って人が出て来たりすると、どうしたらこれを売れるんだっていうのは調べて、そのカッコよさがお客さんに伝わると、嬉しさが倍増します。 ──DJとして現場に立つ事もすごく多いから、感覚も磨かれてきますよね。 確かに。自分ももっと、自分の周りのイベントだけじゃなくて、メインストリームのヒップホップのパーティーとか行かないとダメなんですけどね。若い時とかは、それで感覚を磨いて来たので。もうちょっと余裕できたら人雇って遊びに行く様にします（笑）。

──今後どんな風に発信をしていきたいですか？ やっぱり人により多く集まってもらうっていうのが一番大事なので、食事も出したり、もうちょっとレコードを見やすくするとか。難しいですよね、「発信」って。俺が教えて欲しいですもん（笑）。あ、グッズ作りたいですね。色んな人に知って貰えるきっかけにもなるので。それが今一番やりたい事かなぁ。 ──海外だとレコーショップがオリジナルのトートバッグを作ってたりしてますよね。 そういうロゴがメインのデザインのグッズも、もちろんいいんですけど、もうちょっとデザイン性の高いものも作ってみたいですね。映画もすごく好きなので、とあるワンシーンをオマージュしたようなデザインとか、他でやってないようなことを、頭を使って色々やりたいなとは思っています。