──今回コロンビアから発表されたSH/FTの”Shift”という言葉は「変化する（To Change）」「どこか違う場所に動く（To Move）」など様々な意味を持ちますが、ゼッドさんのDJ/Producerとしての次なる挑戦（＝Shift）は何でしょうか？ 音楽制作においてはこれまでも今でもシフト（Shift）の連続だよ。ある程度スタイルを確立して、ファンからあらかじめ何か期待されはじめるときが、常にシフトであり変化のタイミングだと思っている。最初はクラシック音楽から入って、ジャズ、ファンク、フュージョン、そしてしばらく経ってからロック、ハードロックに没頭し、16～17歳のときエレクトロニック・ミュージックを始めたんだ。それまでに触れたとことのない数少ない音楽の1つでもあったことからね。 最初は複雑にレイヤーを重ねるように制作していたのだけど、ファンがそれに慣れてきて期待しはじめたら「いやいやいや、自分は自分のやりたいことをやる」と思うようになった。そして、シンプルに1つのベース音を使うことを試し始めたんだ。その流れで、ある時ポップをやろうと思い、そのきっかけが”Clarity”のベースラインを完成させたんだ。エレクトロニック・ミュージックだけどベース音が重視ではない。歌い手メインで、メロディー重視の曲を作りたくてね。それをまた人が期待するようになってからはBPMを落として勢いやベース音ではないまた違った要素でダイナミックなサウンド作りに挑戦したり、僕の制作の過程は常にシフトの連続だよ。

──では今、現在のあなたのシフトや新たな挑戦は何でしょうか？ 今は間近に控えるツアーの準備をしている最中なんだ。これまで使用してきたS4というDJコントローラーに代わり、今回のツアーでは初めてCDJを使う。プロダクションにおいてもゼロからカスタムでプログラミングし、ステージでの映像やライティングは全く新しいものを披露する。だから、次のツアーそのものが新たな大きなチャレンジであり、シフトでもあるんだ。制作面でも、次に出る新曲はこれまでの中で一番気に入っている曲と自信を持っていえる。子供の時、音楽を始めた瞬間から今まででの中でね。今までの集大成とも言える曲だ。クラシック音楽を学んだときから今まで、全ての影響がその曲には詰まっている。 ──今回の「SH/FT」はあらゆるシュチュエーションでも機能し、特にNature（アウトドアー、自然）⇄ City（都会）の2面性の使い分けが要となっています。DJにおいてもミックスすること、様々な要素を繋げることが重要です。また、クラシックミュージックからジャズと様々な影響を受けているおっしゃっていましたが、様々な要素を繋げる、ミックスすることの重要性についてお聞かせください。 ミックスするということはこの世の中で1番に面白く興味深いことだと思うんだ。例えばステーキが好き。フレンチフライも好き。サラダも好き。それぞれを別に食べるのではなくて、一緒に食べることで初めてそれぞれの可能性が引き出される。美味しいハンバーガーは肉だけじゃない。肉とスパイスの組み合わせや、野菜のコンビネーションがあって美味しいハンバーガーができる。音楽も同じ。この世に存在する全ての曲の裏には何百、何万、何億と膨大な音の影響が隠されている。それはある日いた駅の雑音かもしれないし、友達の携帯から聞こえた音かもしれない、遊びに行ったクラブかもしれないしね。そこで各人の脳にある情報が無意識の中でアウトプットされることで楽曲が出来る。不思議でありとても素晴らしいことだよ。 僕のコラボレーションにおいても意外な人と組むことを意識しているんだ。例えばカントリーとエレクトロニックなんて誰も合わないと思うだろ。だけどそれこそ挑戦でありエキサイティングなことなんだ。新たなコンビネーションを「ミックス」すること、違った要素を掛けあわせることはどんな場面でもとても重要なことなんだ。

──制作においてどんな環境を好みますか？　都会の喧騒、自然の静寂、それとも何気ない日常なのか・・・。 その時々でいつも変わるね。実は都会に住んだこともあって、その後、人口2000人の森の中の小さな町で暮らしたこともある。家から徒歩10秒で森に着くような場所にね。だから、どちらのライフスタイルも経験したことはあるんだ。今はロサンゼルスの閑静な場所に自宅がある。平和である程度静かな環境を必要としているから正直、今は都会には住めない。ニューヨークはザ・都会だよね（笑）。でも言ったように常に変化はあるから、もしかしたらニューヨークに住みたい日が来るかもしれないし、忙しい日常を求める日がある日突然、来るかもしれない。でも今は家の前に芝生があってピクニックできるような場所が必要なんだ。 ──技術の発達のおかげでこの世の中はますます便利になり、ますます速いペースで時間は流れています。これは時代においての”Shift”でもあります。あなたが今後この技術によって望むこと、また望まないことをお聞かせください。 テクノロジー（＝以下：技術）は最高なものだし同時に最低なものだと思うんだ。まず技術によって人間の寿命はウンと長くなったよね。過去であれば即死するような病気でも今の技術のおかげで治せるものが沢山ある。技術はたくさんのことを教えてくれるし、Googleで検索すれば数秒で学べることが山ほどある。でも技術は同時に間違って使われることも多々ある。特にAI（人工知能）に関しては素晴らしい方法で活用されることももちろんあるんだけど、人間のエゴによって間違った形で乱用されることを心配している。でも基本的に技術には期待しているし、これからもエキサイティングな分野だと思う。例えば、将来いつか別の星に住むことが可能になり、生命の可能性を広げることを想像するなんてめちゃくちゃ楽しい。でも同時にAIのこともとにかく心配している（笑）。

──今回の「SH/FT」はあらゆるシュチュエーションでも機能し、特にネイチャー ⇄ シティの2面性の使い分けが要となっています。ゼッドさんのDJ／Producerが一面だとしたらもう1つの裏の顔は何でしょう？　Qetic独占で教えてください。 ビデオゲーム！ ──（笑）！？ ビデオゲームは小さい頃から好きなんだ。たまにツアーにゲーム用のラップトップとヘッドセットとマウスを持っていくことだってある（笑）。 ──多忙な中、どのタイミングでビデオゲームをプレイしているのですか？ 最近、人生はバランスが全てだと感じている。というのもバランスがない生活が過去に何年も続いたことがあるんだ。1日12時間働いて趣味の時間もなければ新たな人に会うこともない。起きたらすぐにスタジオでに行き、12時間ぶっ通しで作業して少しジムで運動して、そして寝る。そこにバランスなんかないよね。効率よく作業が出来るのは間違いなくバランスが取れているとき。例えば今試していることで、朝起きたら体を動かす。そして食べる。ヘルシーに。そこでやっとスタジオの作業に6時間ほど入る。そして数時間ビデオゲームを楽しむ。自分の目の前の目標だけではなくて、たまには違うことにも目を向けて楽しむことがバランスを取るんだ。人生、生活においてバランスをとるということがとても重要だと常々強く感じているよ。 ──ありがとうございました。 ARIGATOU！

──〈Ninja Tune〉に移籍された理由はなんですか？ 今回のアルバムは全く異なった作品にしたかったのが大きな理由の一つだね。〈Ninja Tune〉はすごく好きなレーベルの一つで、追求したい音を作るには持ってこいの環境だと思ったから。BonoboとODESZAにはずっと影響を受けてるよ。今回のアルバム『Weather』では違うチャンネルを使いたかった。今作を作る上で、ボーカルのHannah Cottrellをフューチャーすることで違った解釈を取り入れることがトピックだったんだ。 ──今回のライブでもバンドで登場しますよね。最新作にはテーマとして人間性を挙げていますが、バンドで演奏することと「人間性」にはどのような関係があると思いますか？ 2010年からフルバンドでメンバーも変わっていないんだけど、ライブでは生音でよりオーガニックなサウンドを意識してる。音楽も言ってみればかなりチルな音になっているから、視覚的にもインパクトがあるバンドで演奏しているんだ。 2011年に『Dive』のツアーでバンドで演奏したとき、レコードに比べて音の変化がめまぐるしかった。その変化を抽出して、音源したのが2014年にリリースした『Awake』で、ライブバンドの音をより多く取り入れた。バンドで演奏することによって、人間性が楽器を通じて現れてくるんだ。その音楽がどこからきたのか、それがいかに変化していくのか、より深く感じることができるよ。

──TYCHOさんの音楽はクラブでも盛り上がるダンストラックとしての側面があると思いますが、それらを＜フジロック＞の大自然の中でプレイすると、響が変わってきますよね。 野外だと音もいいし、クラブのように暗い場所で演奏するよりかは自然の中で演奏する方が好きだよ。演奏する場所を考えるのは改めて大切だと思うし、その空間と音には切っても切れない関係がある。 ──今回のパフォーマンスも含め、異なった場所で演奏することは次の作品にも影響がありそうですよね。 ボーカリストと一緒に回る今回のツアーでは、ライブの文脈の中でボーカルがいかにオーディエンスと繋がっていくかが重要な点になる。加えて1年半一緒に演奏していくことでバンドメンバーとの関係や毎晩オーディエンスとコミュニケーションしていくこと、それが演奏に反映されていくことで、次の作品に生きていくものがあることは間違いないよ。 ──苗場はいかがですか？　天気が不規則に変わっていったり......。 最高だよ。僕の故郷であるサンフランシスコも天気が常に変わるんだ。1分晴れたと思ったらすごい霧が出て、大きな雲が来たり。それが僕の音楽、今回の作品『Weather』においても言えることで、自分がコントロールできないものを変えるのではなく、それを受け入れていく。ベストを尽くして、適応していくんだ。 2006年に初めて日本に来たときは驚いたこともあったけど、回数を重ねていつも楽しんでるよ。でも、今回大きい蛇を見たよ。変な虫は見ることはあったけど、蛇は見たことなかったな（笑）。 ──最後に、一番好きな天気はなんですか？ 雨だね。本当に美しいよ。雨が降ると、全ての景色が変わっていく。室内で作業している時も、雨を見るのが好きだよ。雨の中でハイキングに行くのが好きなんだ。今日の天気は完璧だね。

──今回ソロ・ライブ・セットで登場されるということで。どのようなセットになるのか楽しみです。 このセットは最近始めたばかりなんだ。＜フジロック＞も初出演だから、いつも通りのDJではなくて新しいことを試してみたかった。ソロでやってる方が共感を得れるというか、自分の演奏がそのままオーディエンスにリアルタイムで評価されるからね。DJでは人の曲を流すことが多いからどうしても空気感が違ってるのもあって、ソロ・ライブ・セットを試してみたい。今回はほとんど新曲で、そのうち20％くらいしか発表してないんだ。だからオーディエンスの反応が楽しみだよ。反応が良かったらリリースするつもり（笑）。ファンテストだね。 今回のセットはどちらかというと、テクノ寄りになる。最近はミニマリズムにこだわっていて、シンセサイザーの数も少なくしてる。あと、自分のバンドでやってる音楽はかなりロック寄りな要素も取り入れてるよ。 ──今回の演奏で反応が良ければ、テクノのリリースもあるかもしれないと。 かもしれないね（笑）。望んだ通りに作っちゃうかもしれない。 ──オーガニック・サウンドでダンスミュージックを作っているプロデューサーは数少ないかと思います。なぜその音を意識しているのですか？ いつもエレクトロニック・ミュージックを作ろうとしてるんだけど、制作過程でギターを入れてみたり、フルートを入れてみたりして、気づいたらオーガニックなサウンドになってるんだ。60年代の音楽がすごく好きで、そのオーガニックさ、人間的な要素はすごく意識してる。どんな音楽を作っても人間味を引き出したい。あと、機材（マシン）は私たちのために働いてくれるものであるべきで、私たちが機材のために働くべきではないって思ってる。 ──自然な音を作ろうとしてなくても、どんどん自然になって行くと。 母親がシンガーで、父親はバンジョーやギターを演奏していて、プロデュースされたような音楽を聴いたのは10歳ぐらいの時だった。無意識にオーガニックな音楽で育った感覚が残っていて、音楽である以上はより自然に音楽的であった欲しいと感じるようになった。 キューバやコロンビア、ブラジルなどの南米の音楽は昔から高度なポリリズムが主軸になっていて、他のジャンルや他国の音楽には見つけられないものだから、すごく興味深いよ。いろんなキューバのミュージシャンと仕事をしてきたけど......、“Sol Clap”という曲でトランペットを演奏しているミュージシャンがキューバ出身なんだ。キューバのミュージシャンのクオリティはすごく高いよ。

──日本の音楽でお好きなのはありますか？ 最近はあまり聴いてないんだけど......、DJ KRUSHには影響受けているよ。あと去年＜フジロック＞に出演していた民謡クルセイダーズとか。彼らはスカやコロンビア、キューバのリズムを取り入れながら「民謡」をやってるんだよね。 ──日本にはちょっと前から来ているんですよね。 美しいよ。先々週くらいから日本に来ていて、香川県の直島に行ったよ。 ──直島は芸術が有名で。 いろんな所を観に行ったよ。建築は半端なかったね。 ──最後の質問です。＜フジロック＞でもしDJするなら、絶対掛けたい1曲は？ NickodemusでThe Illustrious Blacksが客演してる“FUNK THAT”かな。

ブルガリアン・ヴォイス（Bulgarian Voices）はその名前の通りに、ヨーロッパの国ブルガリアで歌われている民族音楽で、歌ものの合唱音楽だ。 このブルガリアン・ヴォイスを説明するのにとてもわかりやすい映画がある。それは今年、日本でも公開されたパヴェウ・パヴリコフスキ監督による映画『COLD WAR あの歌、2つの心』。ブルガリアではなく、東ヨーロッパの北側に位置するポーランドが舞台だが、そのストーリーは実に興味深く、ブルガリアン・ヴォイスと繋がっている。

『COLD WAR』の舞台は1940年代からの東西冷戦直前のポーランドから始まり、主に冷戦下のソ連の支配下に置かれたポーランドと、亡命先のパリ。クラシックやジャズに精通したピアニストで作曲家の主人公ヴィクトルがオープンリールのレコーダーを車に積んでポーランドの農村を回りそこで歌い継がれているフォークソングを採集するところから始まる。その後、彼は国営の民族舞踊団に雇われ、そこで彼は自身が集めた素朴なフォークソングを舞踏団向けにアレンジし、その曲をポーランド各国から集まってきた精鋭の少女たちが歌い、踊った。その民族舞踊団にオーディションを受けにきた才能ある女性シンガーがもう一人の主人公のズーラで、そこで出会った二人が恋に落ち、くっついたり別れたりを繰り返すわけだが、そこに冷戦下の事情が絡んでくる。 これはおそらくポーランド国立民族舞踊団シュロンスクがもとになっている。1953年に作曲家スタニスワフ・ハディナが設立したこの舞踏団は、ポーランドのシュロンスク地方の歌や踊りを中心に、ポーランドの様々な地域のフォークソングを集め、そこにクラシック、オペラや宗教歌などをミックスした独自のアレンジの音楽を歌っていて、設立のために一万人を超える候補者を募りオーディションをしたとのこと。 これはまさにブルガリアン・ヴォイスの歴史そのものだ。1950年代にブルガリアの作曲家フィリップ・クーテフがブルガリアの各地の古いフォークソングを集め、それをアレンジしたものを、国営テレビ局の合唱団などが歌うようになって、現在のブルガリアン・ボイスのスタイルが完成されている。しかもブルガリアン・ボイスも女性を中心にした合唱団。つまり民間で歌われていた農村のフォークソングやダンスを採集して、それをブラッシュアップさせて、その国や民族を代表するような芸術として昇華させることを国家がサポートして、推し進めていたという意味では全く同じような現象で、それが社会主義化に置かれた東欧の国で起きていたわけだ。 ちなみにこのブルガリアン・ヴォイスは冷戦終了にともなう東西の交流の開始により、西側諸国に発見されて一気に広まった。それはルーマニアの村で演奏されてきたブラスバンドが発見されて世界中に注目されたジプシー・ブラスと同じ構造だ。ジプシー・ブラスに関していえば、ファンファーレ・チョカリーアやタラフ・ドゥ・ハイドゥークスと言ったバンドがベルギーのクラムドディスクやアメリカのノンサッチといった有名レーベルの手で、世界中へと広められていった。東欧の音楽が80年代以降に突如発見されてブームになったのには、そういった政治的な理由があったのは実に興味深い事実だ。

ブルガリアン・ヴォイスを紹介したのはイギリスのレーベル〈4AD〉だ。スイスの音楽プロデューサーのマルセル・セリエが15年かけて集めたブルガリアの民族音楽を〈4AD〉に持ち込んだのがきっかけで、1986年に『Le Mystère des Voix Bulgares』（日本では、1987年に「ブルガリアン・ヴォイス／神秘の声」というタイトルでリリース）としてリリースされて、大ヒットした。とはいえ、1980年代にバウハウス（Bauhaus）、コクトー・ツインズ（Cocteau Twins）、デッド・カン・ダンス（Dead Can Dance）、ピクシーズ（Pixies）などなど、イギリス中心に、アメリカも含めロック系のバンドをリリースしていたレーベルがなぜ、ブルガリアの民族音楽をリリースしたのかと考えると不思議ではあるが、その双方の音楽を聴いてみればすんなり納得できる。

一つは独特な歌唱法でモンゴルのホーメイを思わせる歌の音色、そしてもうひとつは不協和音満載の独特なハーモニーだ。その2つを組み合わせたサウンドは、教会音楽や聖歌のようなものと明らかに違う独特の響きと質感をもたらす。ホーメイのような喉声の非人間的な声質にまっすぐなビブラート無しの声をわざと不協和を生むようなやり方で、にもかかわらず音をぶつけるというよりは柔らかく幾重にも重ねて、ここでしかありえないような絶妙な響きを発生させると、その声の波は人間の声と共に、まるでサイン波のようなデジタルの音色にも聴こえてしまう。つまり、その不協和音は、現代の耳からするとそれはエフェクトをかけた声、もしくはもはやシンセサイザーの音色のように響いてしまう。そして、それは独特の空間性を生み出す。もはやコーラス・グループがハーモニーだけで作っている音楽とはとても思えないもはやサイケデリックなものだ。

そのまるで電子音のような音色やエフェクトを使ったような空間性が生む幻想的なサウンドは〈4AD〉で言えば、コクトーツインズのようなグループや、〈4AD〉のオーナーのアイヴォ・ワッツ＝ラッセルによるプロジェクトのディス・モータル・コイル（This Mortal Coil）あたりのサウンドがシンセを幾重にも重ねて作った浮遊感たっぷりの神秘的なサウンドのサイケデリアに通じるものがある。アイヴォ・ワッツ＝ラッセルはマルセル・セリエがブルガリアン・ヴォイスを持ち込んできて時にすぐにリリースを決めたそうだが、この自身のレーベルが扱っていたバンドとは全く異なるジャンルのサウンドから、共通するものをかぎ取ったのだろう。

またブルガリアン・ヴォイスに幻想性や神秘性をもたらしているのはブルガリアという土地が生んだ音楽ゆえの「無国籍感」もあるだろう。ブルガリアという国は黒海に面していて、南にギリシャ、北にルーマニア、東はイスタンブールを挟んだらもうトルコ。ヨーロッパの東側にあり、旧ソ連もすぐそこにあり、地中海や中東の文化とも近い場所だ。その地理的な状況に加え、歴史的にオスマン帝国化に置かれたこともあるので、ギリシャ、スラブ、オスマン帝国、ペルシャなど、様々な文化の影響を受けているのがブルガリアの特徴だ。例えば、ブルガリアン・ボイスが歌う曲の旋律ひとつとっても、ヨーロッパのものにも聴こえるし、アラブの要素も感じる。リズムにしても、ブルガリアの音楽を聴いていると、5拍子、7拍子が聴こえるが、9拍子や11拍子なども少なくないそうで、奇数拍子が当たり前とのこと。このあたりはほとんどイスラエルなどの中東のジャズのようでもある。そんなあらゆる文化が入り混じっているブルガリアの音楽は、ある意味でミクスチャー的であり、その地域性がはっきりと掴めないという意味では無国籍的な未知の国の音楽のようにも思えるし、それは架空の国の音楽のようなファンタジックさとも言えるもので、おそらくそれが神秘性にも繋がっているのだろう。そんな圧倒的な個性がブルガリアン・ヴォイスを世界中に広めた理由になったわけだ。

そんな80年代にブレイクしたブルガリアン・ヴォイスを今、フレッシュに聴く方法を教えてくれたのは三宅純だった。2016年のリオ五輪閉会式の日本パートの音楽を担当した三宅は“君が代”をブルガリアン・ヴォイス的なコーラスにアレンジして世界を驚かせた。ブルガリアン・ヴォイスをベースにしながら、不協和音による電子音的な響きの面白さは残しつつも、ビブラート無しの割合を増やしてより透明感を増やしているように思えた。

改めて、これを聴いてみると、2000年代だったらシンガー・ソング・ライターのイモジェン・ヒープ（Imogen Heap）の“Hide And Seek”、2010年代だったらチャンス・ザ・ラッパー（Chance The Rappe）の“Summer Friends”だったり、フランク・オーシャン（Frank Ocean）の“Close to You”に聴かれるようなハーモナイザーで作ったデジタルなハーモニーの質感にも似ているように僕は感じた。ここにボン・イヴェール（Bon Iver）やカニエ・ウエスト（Kanye West）、ジェイムス・ブレイク（James Blake）といったヴォコーダーやハーモナイザーを駆使したシンガーやラッパーを加えてもいいかもしれない。

それと並べて、シンガーのジェイコブ・コリアー（Jacob Collie）がハーモナイザーや多重録音で作り上げた挑戦的なハーモニーを並べて聴いてみるといい。近年、自身が提唱するネガティブ・ハーモニー理論を駆使したパフォーマンスで音楽シーンを席巻するジェイコブはそのハーモニーで誰も聴いたことがないような未知の音楽を聴かせてくれる天才だ。例えば、彼が歌う“Moon River”を聴けば、声を重ねたことで生まれる不協和音の響きが生む面白さと独特の情感をわかりやすく感じることができるはずだ。

今だとジェイコブ・コリアーともコラボレーションしているベッカ・スティーブンス（Becca Stevens）や、ベッカの作品にも参加しているローラ・マヴーラ（Laura Mvula）、もしくはベッカやジェイコブともコラボしている大御所デヴィッド・クロスビー（David Van Cortland Crosby）のように刺激的なハーモニーを組み込むことで音楽をフレッシュに聴かせているミュージシャンたちと比べてみるのもいいかもしれない。 そういった現代的なハーモニーを通過してからブルガリアン・ヴォイスを聴き直してみると、ブルガリアン・ヴォイスが持つ生の声の中に錯覚的にデジタルな質感が聴こえる響きの奇妙さをより感じられるようになるだろう。

今回、来日するブルガリアン・ヴォイス・アンジェリーテは上記の国営テレビ局の合唱団メンバーらを中心に結成されたブルガリアを代表するグループだ。1993年の『From Bulgaria with Love』グラミー賞にノミネートされるなど、ワールドワイドに活動している。彼女たちが目の前でその声を響かせる時に、僕らはどんな響きを耳で、肌で、感じ取ることができるのだろうか。声が生むその響きは生で聴くと録音されたものとは全く違う触感や雰囲気を空気の振動で伝えてくれるはずだ。 今ほど、ブルガリアン・ヴォイスを「東欧の民族音楽」ではなく、「現代の音楽にも通じる異形のハーモニー音楽」として聴くのに最適なタイミングもないだろう。一度体験すれば、間違いなく、新たな扉が開かれるはずだ。 また9月29日（日）には、特別公演として笙アンサンブル「星筐-Hoshigatami-」とのコラボレーションも聴くことができる。「笙は雅楽でも使われる古くからある日本の楽器でなぜこの楽器が？」と思う人も少なくないだろう。しかし、このコラボレーションは決して突飛なものではない。むしろブルガリアン・ヴォイスと笙のサウンドを知っていれば自然な組み合わせであることがわかるはずだ。 例えば、大友良英が率いるONJO（Otomo Yoshihde Jazz Orchestra）には笙の奏者である石川高がメンバーに加わっていた。あくまで僕の印象だが、ここで笙は雅楽の楽器としてではなく、その特殊な音色を求められ、使われていた。動画等で笙の音色を確認してもらうとわかるが、その音色はまるで電子音のような響きに聴こえるときがある。アコースティックの楽器によるサイン波のようでもあり、それがサックスやトランペットなどの管楽器の中にあるとその不思議な質感が際立って聴こえて実に面白い。ちなみにONJOにはサイン波を演奏するSACHIKO Mもいることでまた興味深い作用が生まれている。 その笙の音色はまさにブルガリアン・ヴォイスが不協和音を発生させた時に生まれる響きとよく似ている。僕にとって、あの三宅純によるリオ・オリンピックでの君が代が面白かったのは、ただ単に君が代が面白い響きに生まれ変わっていただけでなく、僕の耳にはまるで笙のように、つまり刺激的なハーモニーの中に実に日本的な音が立ち上ってくるような気がしたからだ。 このブルガリアン・ボイス アンジェリーテ（The Bulgarian Voices Angelite）と笙アンサンブル「星筐-Hoshigatami-」のコラボレーションでは、あのリオ・オリンピックの時のサウンドに感じたものを目の前で体感できるのではないかと言う期待を僕は勝手に寄せている。そして、東欧のコーラスと日本の雅楽の楽器の響きが繋ぐものの中に、僕がジェイコブ・コリア―などを聴きながら感じている何かを読み解くためのヒントが聴こえてこないか、にも期待しつつ。

──普段、どんなお酒を、どれくらいのペースで飲んでいますか? 金廣　普段は日本酒をメインに多くて週1くらいで飲んでいます。家ではあまり飲まないので仲の良いお店で飲みます。 ──JAMESONを飲んだ感想、特にシグネチャーカクテルであるジェムソン ジンジャー&ライムはどうでした？ 金廣　美味しくて飲みやすくてびっくりしました。カイペリーニャに似た甘さとスッキリのバランスに感じたので、ご飯にも合うと思いました。 ──ちなみに、どんな飲み方が好きですか？ 金廣　ウイスキーならストレートと言いたいですが、ソーダ割りをよくします。 ──料理が得意な金廣さんだからこそ聞きたいのですが、ずばり、JAMESONに合う料理やおつまみは何でしょう? 金廣　ジェムソン ジンジャー&ライムならシュラスコに合う気がしました。コッテリ肉料理にはピッタリな気がします。 ──アイリッシュウイスキーならではの良さなどはありますか? 金廣　他のアイリッシュウイスキーを飲んだ覚えが無いのでわからないですが、JAMESONはウィスキーのスモーキーな印象よりは、甘く芳醇な蜂蜜のような風味が印象的でした。 ──楽曲制作にお酒が活きることもあるのでしょうか? 金廣　普段は飲みながら製作はしないので、いつもと違う曲や歌詞が作れるのは間違いないです。 ──ちなみに、アイルランドに行ったことは? 金廣　アイルランドに行った事は無いので行ってみたいです。

──「JAMESONを飲むときに聴きたい楽曲」で選んでいただいた5曲のタイトルと理由を教えてください。

1、グッドモーニングアメリカ “一陽来復”

2、Elvis Costello & The Imposters “Don't Look Now”

3、Snow Patrol “Signal Fire”

4、Manu Chao “Clandestino”

5、浅川マキ “夜が明けたら”

──今回のキャンペーンの話が来た時、率直にどう思いましたか? 金廣　なんでうちが誘われたのだろうと思いました（笑）。お酒はとても好きなので嬉しいです。 ──グッドモーニングアメリカ流、ハロウィンの過ごし方は? 金廣　俺はお家でひっそりと過ごします。 ──＜JAMESON HALLOWEEN FES 2＞は今年で2回目の開催ですが、このイベントにはどんな印象を持っていますか? 金廣　インタビューを受けるまではお酒×ハロウィンという事でとてもパーティ感のあるイベントだと思っていました。 ──共演するFINLANDS、DATSにはそれぞれどんなイメージを持っていますか？ 金廣　FINLANDS、DATSともに歌詞や歌い方に痛みがあり共感が出来るバンドだなぁと思っているのでライブが楽しみです。 ──このイベントでどんなライブをしたいですか？ 金廣　お酒と音楽を通して、昔からの仲間や新しい仲間との輪が結ばれるきっかけを作れるライブが出来たらと思っています。 ──ちょっと気が早いですが、グッドモーニングアメリカは来年以降、どんなビジョンを描いているのでしょうか？　現メンバーになって10周年&メジャーデビュー5周年からの＜『!!!YEAH!!!』ツアー＞が終わり、今は次の段階への移行段階なのかな、という気がしていますが。 金廣　このバンドを始めてから、いろんな事を経験して来ました。音楽、バンド、ライブ、グッドモーニングアメリカを自分自身、更に好きになれるような、ずっと続けていけるような、そんな未来を捉えて安心立命して行く所存です。

さて、キャンペーン期間中は無料オンラインスマホゲーム『BEAT!BEAT!BEAT!』もリリースされる。ドラマーになりきって制限時間内にスネアドラムをできるだけ多くタップしてその数を競うゲーム。ゲームをプレイした人の中から抽選で、ライブチケットやコラボバンドのサイン入りフェンダー製エレクトリックギター、JAMESONオリジナルグッズなどが当たる（10月14日（月）まで）。

タップ数が多ければ多いほど当選確率が当たり、期間中は何度でもチャレンジできるそう。ぜひトライして、グッドモーニングアメリカのパフォーマンスを見届けよう！ 次回のインタビューはDATSの早川知輝（Ba.）が登場予定。お楽しみに。

応募期間：2019.09.17（火）〜10.14（月） 　 スマートフォンでキャンペーンサイトにアクセスいただき、オンラインゲーム『BEAT！BEAT！BEAT！』に挑戦。ドラマーになりきって制限時間（３０秒）以内にスネアドラムをできるだけ多くタップします。ゲーム参加者の中から抽選で、コラボバンド3組が出演するスペシャルライブのチケットをはじめ、コラボバンドのサイン入りフェンダー製エレクトリックギターや、「ジェムソン」オリジナルグッズが当たります。タップ数が多いほどプレゼントの当選確率が上がり、期間中何度でもチャレンジ可能！ 　 ※ プレゼントのご応募にはゲーム終了後に所定のご登録が必要です。 ※ ご応募は1メールアドレスに対し1賞品のみとなります。 ※ プレゼントは予告なく変更になる場合がございます。予めご了承ください。

プレゼント賞品 A賞　1名様 コラボバンドのサイン入りフェンダー製エレクトリックギター B賞　100組200名様 ＜JAMESON HALLOWEEN LIVE＞のライブチケット C賞　50名様 「ジェムソン」オリジナルグッズセット （サングラス、ジャケット、ジェムソン スタンダード 700ml 商品1本）キャンペーンサイトはこちら

開催期間：2019.09.17（火）〜10.30（水） 渋谷の音楽バーを中心に25店舗でスクラッチキャンペーンを開催。対象店舗で「ジェムソン」ドリンクを1杯ご注文いただくと、スクラッチカードを1枚進呈。当たりがでたら、スペシャルライブのチケットや「ジェムソン」のミニボトルなどを、各店舗にてその場でプレゼントします。 対象店舗はキャンペーンサイトをご参照ください。 プレゼント賞品 A賞　1組2名様 ＜JAMESON HALLOWEEN LIVE＞のライブチケット B賞　10名様 「ジェムソン」ミニボトル C賞　25名様 「ジェムソン」ステッカーキャンペーンサイトはこちら

「ジェムソン」の豊かでスムーズな味わいに、ジンジャーエールとライムのテイストがマッチした、さわやかなカクテルです。「ジェムソン ジンジャー＆ライム」を片手にハロウィンで盛り上がろう！

18世紀のアイルランドはウイスキー発祥の地として知られ、ダブリンのウイスキーは当時世界最高と見なされていました。「ジェムソン」は、スコットランドからアイルランドへ渡ったジョン・ジェムソンにより1780年に造られました。ピートを使わず、大麦、モルト、グレーンの3つを原料とし、3回蒸留によって造られる「ジェムソン」の豊かな香味とスムーズな味わいは、No.1アイリッシュウイスキーとして世界中で愛されています。 日本では、フラッグシップの「ジェムソン スタンダード」と「ジェムソン カスクメイツ」「ジェムソン ブラックバベル」「ジェムソン ボウ・ストリート 18年」を展開しています。 ※ 「ジェムソン ボウ・ストリート 18年」は世界的な供給数量に限りがあるため、品切れの際はご容赦ください

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──まずは、NEHANN結成の経緯から教えてください。 クワヤマ　僕とオダは同じ村の出身で、高校生の頃から「一緒にバンドやりたいね」って話をしていて。高校卒業後に僕がしばらくアメリカに留学していて、帰国後上京してから一緒にバンドを始めたんですけど、それはあまり上手くいかず、すぐに解散しました。その後、留学中にルームメイトだったイノくんが東京に来るというので、彼と一緒にバンドを組んでまた少し活動していたんですけど、それも方向性が自分の中で見えなくなって辞めてしまったんですよね（笑）。 ──どちらもうまくいかなかったのは何故だったんでしょう？ クワヤマ　もともと僕はミュージシャン志望だったんですけど、オリジナリティとかにこだわりすぎて、そこまで音楽に精通している訳でもなかったのに、「自分の中から出てくるものじゃなくちゃ」って信じ込んでいたんですよね。それでやっていても、自分で何がやりたいのか、そもそも何をやっているのか分からなくなるのは当然で（笑）。 例えばギターで曲を作っても、それをどうやってアレンジしていいか分からないわけですよ。それで、1年半くらい前から現行の音楽など、様々なジャンルを聴いたり勉強したりするようになって。それから段々と自分の中でやりたいことも見えてきたんです。 ──なるほど。 クワヤマ　ちょうどその頃、またオダくんともよく遊ぶようになって。彼とは一緒に組んでいたバンドを辞めてからも、互いに音楽や映画を教えあったりしたりと昔から趣味が合うので、もう一度一緒にバンドをやろうかという話になりました。そこから前のバンドで一緒だったイノくんも誘いました。リズム隊は友達のWaaterというバンドでベースを弾いているワタナベくんと、知り合いのナラくんを誘い、今年2月に今の5人で結成しました。 ──ちなみに留学したのは、どんな理由からだったのですか？ クワヤマ　ちょっと普通じゃない生き方をしたかったんですよね。高校までは割と普通だったんですけど、僕以外の生徒全員が大学へ行くか浪人するかみたいな感じの時に、僕はそのレールに乗りたくなかった。それで、自分が本当にやりたいことは何かと考えた時に、やっぱり「音楽」だなと。それもアメリカやイギリスの音楽を聴いて育ったし、ミュージシャンになりたいという夢もあったので、まずはその本場の地へ自分の足で行ってみたいってことだったのだと思います。そこでたまたまシェアハウスでルームメイトだったイノくんと仲良くなりましたね。 ──留学先でも音楽活動をしていたのですか？ クワヤマ　留学先のロサンゼルスに、サンタモニカ・サード・ストリートというストリート・ミュージシャンもよく集まるショッピング街の通りがあって、そこでアコギと歌だけで、ストリートライブをやっていましたね。ニルヴァーナ（Nirvana）やボブ・ディラン（Bob Dylan）、ビートルズ（The Beatles）など、ほとんどがカヴァーでしたけど。その時に、オーディエンスにしっかり届く歌ということを意識するようになりました。メンタルや声量などの技術面等を鍛えられたし、色々と勉強になる良い期間になったなと思っています。 ──確かに、クワヤマさんのボーカルにはカリスマティックな要素がありますよね。特に影響を受けたボーカリストは？ クワヤマ　カート・コバーン（Kurt Cobain）やエディ・ヴェダー（Eddie Vedder）などグランジのボーカリストですかね。中学生の時にニルヴァーナの『Nevermind』を聴いて、90年代のグランジシーンにドハマりして、アリス・イン・チェインズ（Alice in chains）やサウンドガーデン（Soundgarden）なんかもよく聞いていましたね。 ──バンド名の「NEHANN」はもう、ニルヴァーナ愛をストレートに表しているんですね（笑）。 クワヤマ　それもありますね。（笑）。あとはバンド名に日本語を入れたいというのもあったし、「NEO東京」みたいな感じというか。『AKIRA』とか『ブレード・ランナー』とかサイバーパンクの作品が大好きですし、せっかく東京に住んでいるならその世界観も出したいなと思って。それで何かハマる日本語はないかなと思っていろいろ言葉を並べた中に、涅槃があったんです。もちろん、最初の着想はバンドのニルヴァーナ（涅槃＝NEHANN）から来ているんですが、僕は哲学とか精神世界とかにすごく興味があった時期があって、古本などを漁って読んだり、「涅槃寂静」の境地に想いをはせたり空想するのが好きだったりしたので、そういうところともリンクするかなと思ってこの名前に決めました。 ──そもそも何故クワヤマさんは、ミュージシャンになろうと思ったんですか？ クワヤマ　元々は親が音楽好きというか、ビートルズオタクみたいな感じだったんです。それでギターを弾いてみたいという気持ちは小さい頃からあったんですけど、中学2年生の時に初めてギターを買って弾き始めた時から音楽へのめり込んでいきましたね。

──他のメンバーの皆さんは？ ワタナベ　僕は日本のパンクにハマったのがキッカケでした。高校の学園祭で先輩がグリーンデイ（Green Day）などのコピーをしているのを観て「カッコいいな」と思って、それで大学に入ってからバンドサークルに入ったんです。最初はギターを買ったんですけど、あんまり上手くできなくて。そのタイミングで先輩に「うちのバンドでベース弾かない？」って誘われ1年半くらい前にベースに転向しました。それがWaaterというバンドです。 オダ　僕は高校の時に軽音楽部に入ってベースを弾いたりしていました。中学生くらいに日本のインディーロックばかり聞いてしましたが、いつの間にかガレージリバイバル系のバンドを漁ったり、レディオヘッド（RADIOHEAD）とかニルヴァーナなどオルタナ、グランジにどっぷりハマっていましたね。 ──今日はポーティスヘッド（Portishead）のTシャツを着てますね！ オダ　はい、ポーティスヘッド愛してます。日本のバンドだとTHE NOVEMBERSやGEZANが好きです。楽曲や演奏だけでなく、魅せ方とか姿勢がすごくクールだと思います。 ナラ　僕は2歳の時からずっとピアノを習っていました。ドラム教室へも行かせてもらうようになったんですけど、そこがなぜかジャズドラム教室だったのですぐ辞めちゃったんです。 中高はドラムを時々叩くくらいの感じだったのですが、大学に入ってからバンドを組んで、そこから本格的にドラムを叩き始めました。MIHARAYASUHIROというブランドでアパレルのバイトをしていたんですけど、デザイナーの三原さんがカート・コバーンが大好きだったというのもあって、その辺を掘り下げて聞いていくうちにどんどんバンドにハマっていきましたね。 イノ　僕は音楽好きな従兄弟の影響でギターを始めました。僕自身はなんでも好きで聴いていますね。 クワヤマ　彼がエフェクターを駆使して作り出す、ちょっと不気味なサウンドとか、そういうのがバンドのアクセントになっているかも知れないですね。このバンドのコンテンポラリーな装飾を担ってくれているというか。

──先日のライブを拝見したところ、ポスト・パンクからの影響が強いのかなと思ったのですが、その辺はコンセプトとしてありましたか？ クワヤマ　そうですね。さっきも話したように、自分でちゃんと音楽を勉強しようと色々聴くようになってから「ポスト・パンク」というジャンルが特に好きになって。そこからの影響はかなり大きいと思います。 オダ　夜な夜な高円寺の駅前とかで飲みながらザ・ホラーズ（The Horros）ばっかり聞いてたよね（笑）。 ──曲作りの手順はどのようなものですか？ クワヤマ　僕が家で作ったデモを、まずオダくんに聴かせて意見をもらってから、スタジオへ持っていってみんなでアレンジを詰めていくパターンが多いですね。中でもイノくんは、ギターも上手いし音の重ね方の知識やノウハウを持っているので、その辺のアドバイスをもらいつつ仕上げていく感じです。ダンサブルな曲が好きなので、最近はドラムとベース、特にベースラインからデモを作ることが多いかも知れないです。 ──歌詞のモチーフはどんな時に思いつくのですか？ クワヤマ　やっぱり、フラストレーションが溜まった時が多いですかね（笑）。僕は常に「ピースフルでありたい」と考えている人間なんですけど、その領域を守りたいからこそ、干渉されたり侵害されたり、あるいは自分の中にある執着心のようなものがもたげてきたりした時に、フラストレーションが溜まるというか。そういうことって、多かれ少なかれ誰しも感じることだと思うんですよね。そういう時の心の動きから歌詞を書くことが多いかもしれないです。 ──今回3曲のデモ音源（“Labyrinth”、“Under the Sun”、“HAZARD”）をもらったんですが、それぞれどんなことを歌っていますか？ クワヤマ　まず“Labyrinth”は、歌詞がストーリー仕立てになっているのですが、社会の中で悩みを抱えているある男が、あるとき犯罪を犯してしまう。そうやって社会のレールから外れたことにより、「自分とは一体なんなのか？」「生きているってどういうことなのか？」という、形而上学的な視点から自分を俯瞰し始める内容です。何かしらの悩みを抱えた時に広く大きな視点から自分を眺めることで救いになることって多いんじゃないかなと思います。 “Under the Sun”は、理想や空想と現実のギャップについて書いた曲です。現代人は自己愛が強いというか、個人主義的なところがあり過ぎると思う時があるんです。「ポジティブ・イリュージョン」という言葉を知っていますか？ 自己を過大に肯定的に知覚したり、自己の将来について、非現実的なほど楽観的に想像したりする状態のことなのですが、それって自分にも当てはまるなあと思ったんですよね。

──なるほど。 クワヤマ　そうやって自分自身と向き合い、見つめ直したのが去年や一昨年なんですけど、その時の体験を基にして書いたのが“Under the Sun”です。今の世の中、将来についてあまりにも現実的に考え過ぎると絶望してしまうし、逆に自己肯定感が強過ぎるのも非現実的だし……。自分の中のイリュージョンと現実とのバランス感覚が大切なのかなって思いますね。 “HAZARD”は、オダくんが作った曲に僕が歌詞をのせました。自殺についての曲です。年間80万人以上の人が、世界中で自殺しているという話を聞いたのと、バイトで電車に乗ると、毎日のように人身事故が起きていることについて、色々と思うことがあったのでこの曲はそんなテーマで書きました。 ──ところで、ライブではアイスエイジ（Iceage）の曲をカヴァーしているとか。 クワヤマ　もともと僕は、ギターから音楽に入ったので、ああゆうノイジーなギターが入るバンドに弱いんですよね。もちろん、電子楽器が入っているポスト・パンクも好きなんだけど、彼らのように敢えてシンプルな編成で、当時のポスト・パンクを体現しているのがものすごくストイックだなと思ったんです。 ──他にもカヴァーしている曲はありますか？ クワヤマ　ダイヴ（DIIV）の“Doused”もカバーしました。今はジョイ・ディヴィジョンの“Ceremony”もカバーしていますね。まだバンドを結成して間もないですし、ルーツをみんなで認識するためというか、あとはアレンジの練習も兼ねてやっています。

──普段、どんなお酒を、どれくらいのペースで飲んでいますか? 早川　ほぼ毎日、ビールやウイスキーを飲んでいます。たまに日本酒やワインなども。基本的にお酒はどれも好きです。 ──ウイスキーを飲むのはどんな時、どんな場所ですか? 早川　ウイスキーは一人の時でも多人数の時でも、ゆっくりと話しながら飲むことの出来るお酒だと思っています。 ──JAMESONを飲んだ感想、特にシグネチャーカクテルであるジェムソン ジンジャー&ライムはどうでした？ 早川　爽やかな中にもウイスキーらしい味わいがあり、TPOを選ばず楽しめるお酒という印象です。 ──ちなみに、どんな飲み方が好きですか？ 早川　僕はハイボールが特に好きです。 ──楽曲制作にお酒が活きることもあるのでしょうか。 早川　ライブや楽曲制作後にメンバーとお酒を飲みながら話した内容などが次の楽曲のキーワードになる事もあります。 ──ちなみに、アイルランドに行ったことは? 早川　僕はありません。リスペクトしているアーティストが生まれた国なので、機会があれば是非行きたいです。 ──DATSの音楽はウイスキーと相性が良い気がします。この意見についてどう思いますか? 早川　自分自身も音楽を聴きながらお酒を飲むことが多いので、素直に嬉しく思います。

──「JAMESONを飲むときに聴きたい楽曲」で選んでいただいた5曲のタイトルと理由を教えてください。

1、DATS “Patagonia”

2、Kula Shaker “Govinda”

3、The Stone Roses “Fools Gold”

4、The National “Light Years”

5、Stimming “prepare”

──DATS流、ハロウィンの過ごし方は? 早川　昔はなんとなくメンバーで町に繰り出してみたりもしていました（笑）。今年はライブなので、何かその日ならではの特別なことが出来たらな、とは思っています。 ──今回のキャンペーンの話が来た時、率直にどう思いましたか? 早川　ウイスキーはメンバーみんな好きなので純粋に嬉しかったです。あと、ウイスキーを貰えるかな、とか（笑）。 ──共演するグッドモーニングアメリカ、FINLANDSにはそれぞれどんなイメージを持っていますか？ 早川　グッドモーニングアメリカさんは、ライブでの共演はありませんが、うちのボーカルのMONJOEが一度シンセで楽曲に参加していたり、実は繋がりがあったりします。陽のオーラを持った力強いバンドというイメージです。FINLANDSさんは、フェスやサーキットライブなどでニアミスする事が多いのですがお話ししたことはなく、当日お話し出来たらなと思います。非常に芯の強い歌を歌う方だなという印象です。 ──DATSには、ステージドリンクというものはあるのでしょうか? たとえば、マック・デマルコ（Mac DeMarco）はいつもビールをクーラーボックスごとステージに持って来たり、ジェムソンのストレートを飲んだりしていたりします。早川さんはライブ本番だけでなくリハ中もビールを飲んでいるようですが……。 早川　最近は、基本的にライブ中は飲まないですね。でも例えば、深夜のクラブやアルコールが身近にあるフェスなど、お客さんもお酒を楽しんでいる環境の時は、こちらも会場の雰囲気に合わせようと飲む事もあります。 ──最近のDATSはより生音を重視した熱いロックバンド的側面が強くなっていますが、このイベントでどんなライブをするのでしょうか? 早川　自分たちらしく、自由に、周りのメンバーの出す音に感化されながら、その日限りの演奏を出来たらなと思います。 ──早川さん自身はどんなパフォーマンスをしたいですか? odolを脱退してギタリストからベーシストに専念する変化のタイミングだと思いますが。 早川　より「バンドの中のベーシスト」として、歌を、グルーヴを支えつつ躍動させるような演奏を心掛けています。でも決してギターを辞めるつもりは無く、機会があればまた人前でも誰かの作る曲の上で弾いてみたいなと思っています。

さて、キャンペーン期間中は無料オンラインスマホゲーム『BEAT!BEAT!BEAT!』もリリースされる。ドラマーになりきって制限時間内にスネアドラムをできるだけ多くタップしてその数を競うゲーム。ゲームをプレイした人の中から抽選で、ライブチケットやコラボバンドのサイン入りフェンダー製エレクトリックギター、JAMESONオリジナルグッズなどが当たる（10月14日（月）まで）。

タップ数が多ければ多いほど当選確率が当たり、期間中は何度でもチャレンジできるそう。ぜひトライして、DATSのパフォーマンスを見届けよう！ 次回のインタビューはFINLANDSの塩入冬湖（Vo.& Gt.）が登場予定。お楽しみに。

応募期間：2019.09.17（火）〜10.14（月） 　 スマートフォンでキャンペーンサイトにアクセスいただき、オンラインゲーム『BEAT！BEAT！BEAT！』に挑戦。ドラマーになりきって制限時間（３０秒）以内にスネアドラムをできるだけ多くタップします。ゲーム参加者の中から抽選で、コラボバンド3組が出演するスペシャルライブのチケットをはじめ、コラボバンドのサイン入りフェンダー製エレクトリックギターや、「ジェムソン」オリジナルグッズが当たります。タップ数が多いほどプレゼントの当選確率が上がり、期間中何度でもチャレンジ可能！ 　 ※ プレゼントのご応募にはゲーム終了後に所定のご登録が必要です。 ※ ご応募は1メールアドレスに対し1賞品のみとなります。 ※ プレゼントは予告なく変更になる場合がございます。予めご了承ください。

プレゼント賞品 A賞　1名様 コラボバンドのサイン入りフェンダー製エレクトリックギター B賞　100組200名様 ＜JAMESON HALLOWEEN LIVE＞のライブチケット C賞　50名様 「ジェムソン」オリジナルグッズセット （サングラス、ジャケット、ジェムソン スタンダード 700ml 商品1本）キャンペーンサイトはこちら

開催期間：2019.09.17（火）〜10.30（水） 渋谷の音楽バーを中心に25店舗でスクラッチキャンペーンを開催。対象店舗で「ジェムソン」ドリンクを1杯ご注文いただくと、スクラッチカードを1枚進呈。当たりがでたら、スペシャルライブのチケットや「ジェムソン」のミニボトルなどを、各店舗にてその場でプレゼントします。 対象店舗はキャンペーンサイトをご参照ください。 プレゼント賞品 A賞　1組2名様 ＜JAMESON HALLOWEEN LIVE＞のライブチケット B賞　10名様 「ジェムソン」ミニボトル C賞　25名様 「ジェムソン」ステッカーキャンペーンサイトはこちら

「ジェムソン」の豊かでスムーズな味わいに、ジンジャーエールとライムのテイストがマッチした、さわやかなカクテルです。「ジェムソン ジンジャー＆ライム」を片手にハロウィンで盛り上がろう！

18世紀のアイルランドはウイスキー発祥の地として知られ、ダブリンのウイスキーは当時世界最高と見なされていました。「ジェムソン」は、スコットランドからアイルランドへ渡ったジョン・ジェムソンにより1780年に造られました。ピートを使わず、大麦、モルト、グレーンの3つを原料とし、3回蒸留によって造られる「ジェムソン」の豊かな香味とスムーズな味わいは、No.1アイリッシュウイスキーとして世界中で愛されています。 日本では、フラッグシップの「ジェムソン スタンダード」と「ジェムソン カスクメイツ」「ジェムソン ブラックバベル」「ジェムソン ボウ・ストリート 18年」を展開しています。 ※ 「ジェムソン ボウ・ストリート 18年」は世界的な供給数量に限りがあるため、品切れの際はご容赦ください

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TV、ラジオ、雑誌など、あらゆるメディアがこぞって取り上げたクエンティン・タランティーノ監督最新作で、9作目の長編『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ハリウッド』が8月30日に公開されました。その豪華キャストと細部まで映画愛溢れる映像、監督定番のストーリーは好評を得、現在も絶賛ロードショー中です。 その内容の濃さに「2回目も観ちゃった！」というリピーターの方も多いはず。Qeticでコラムを連載中のレイチェルさんもその一人。昨年の＜爆音映画祭＞で『デス・プルーフ in グラインドハウス』の感想を書いていただいたように、生粋のタランティーノファンでもある彼女は、公開初日の朝に劇場へ向かい、翌週にまた観に行ったようです。 Twitterを見ていたところ「（『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・ハリウッド』を観て）大泣きした」とレイチェルさんのツイートを確認。昨年の『カメラを止めるな！』以降、コラムを更新していなかったレイチェルさんに早速連絡を取ってみると「コラムを書くのダルいから」という理由で呼びつけられ、編集部が到着したときには、すでにビールをぐびぐびと、杯を乾かしていました。

大泣きした pic.twitter.com/Rtkr1uZlmA

— Rachel (@ohayoumadayarou) August 30, 2019

──「大泣きした」ってツイートしてましたよね。あと、事件について知っておくべきとも。 どこから話そうと思ったんだけど、まず、私はもう2回観てるのよ。で、1回目は公開当日にどうしても観たくて朝イチの回に行ったの。それでプレミアムシートを取ってゆったりと観たんだけど、最高だったし、なんか泣いたよ。 まず前提として、タランティーノの作品には押さえておくべき情報がたくさんあるじゃないですか。オマージュネタとかは山ほどあるんだけど、これから観る人に伝えたいのはシャロン・テート殺害事件（以下、事件）について知っておくべきってことね。ついでに『マインドハンター』（Netflixオリジナルシリーズ）も観ておいた方が良い。 事件について知っておかないと、ただ面白かっただけで終わっちゃうの。だから、もしシャロン・テートのことを知らないで観に行ってしまった人がいるのだとしたら、もう一回調べてから、また観に行って欲しい！ ──2回観ても全然飽きない映画ですよね。映画愛に溢れているというか。 この映画、最初っからタランティーノのこれ大好きなんだっていうのが伝わってくるじゃん。いまどきそういう作品ってないなって思って。ウエスタンもハリウッドの感じも好きだし、映画好きだし、映画の中で映画撮っちゃえば良いんじゃね？　全部やっちゃお！　と。そんなのが通用するのって、本当に大好きな人が撮ってるからだなって思ったの。だから最初のシーンから私は泣いてしまったよ。白黒で始まって、「バンティーロー！」ってやつから。好きなことやってんじゃんまた〜〜〜！！　

──その時点でニヤニヤしちゃいました。 あんなに映画愛溢れてるピュアなことってさ、ネットでどう書かれるとか気にしてあんまり派手な動きができなかったり、思ったことを言えなかったりするじゃん。それなのに好きなことをやるっていうのをまだ続けてる。タランティーノってずっとそう。最初のシーンで車からカメラが離れていって、オープニングクレジットがバシッと決まってさ。それからずーっとカッコいいんだよね、全員。カットも絵も。 でね、もしかしたら英語をわかる方が笑えるのかなって思った。タランティーノのセリフってすごいリズムが良いから、最初のプロデューサー（アル・パチーノ演じる）との会話もすごい面白いんだけど、あんまり笑いが起きてなかったから、もしかして字幕だとそういうことなのかなって。 ──悪い言葉吐きまくりながら泣いちゃうみたいなシーンもありましたよね。 最初の方のシーンでリック・ダルトン（レオナルド・ディカプリオ）が泣きながらクリフ・ブース（ブラッド・ピット）にサングラスを渡されるシーン、可愛かった〜〜！！　「もう泣いてやるよ！！」って。この映画のディカプリオは超キュートだった。絵になるってああいうことなんだ。

──レイチェルさんはどこで泣きましたか？ たくさんあるけどさ、シャロン・テート（マーゴット・ロビー）が映画を観に行って喜ぶシーン。泣いちゃったよ。私も映画観るとき眼鏡かけるんだけど、彼女もそうだった。それで「私じゃん！」って。それでまた涙が出ちゃった。 事件のこと知ってると、彼女が被害者だと思って観るじゃん。でも映画の中では、本当に、ピュアネスが出てる。ニコニコした笑顔で周りが笑ってるのを聞いたりして「へへへ」とか、可愛いんだよ！！！ ──シャロン・テート含め、映画に出てた女の子全員が可愛すぎました。 そう！　タランティーノは足の裏が好きじゃん。それもやっちゃっててさ、ラブが詰まってるんだよな〜〜〜。本当に女の子がチャーミング。だからシャロン・テートも、ヒッピー役で出てたあの彼女もそう！　名前、あとで付け足しといて。あんなのさ〜〜！　なにそれ〜って！！　可愛すぎ。 ──以前コラムに書いてもらった『デス・プルーフ』の女優さんも出てましたね。 また名前ど忘れしちゃった......。『デス・プルーフ』でボンネットに捕まる女性が、スタントマン・マイク（『デス・プルーフ』に登場する殺人鬼）を演じてたカート・ラッセルの嫁役でこの映画に出てるの。自分の作品いじりっていうかさ、すごい良いよね。タランティーノの中でスターシステムを採用してるというかさ。ちょっとディズニーっぽいなって思ったりもした。女優さんの名前、忘れてないていで書いておいて！ それで、ディズニーを褒めるシーンが出てくるじゃん。子役の女の子が。ランサー......、なにランサーだっけ。マイメロ・ランサー？　だっけ......。思い出せない......ひどすぎる......。 ──註に書いておきます。 あのめっちゃ可愛い子が「演技がちょっとでも良くなるなら本番前にご飯食べない」とか言ってたじゃん。私もそうなのよ。こんなに小さい女の子がそれをやってるって......！　私がそれわかるようになったの最近だよ！　偉くない？？？　しかもリックの隣であんなこと言ってさ。しかもリベンジ戦の時にも、10歳なのにあんなことまで......。一個一個が全部可愛いの！

──女の子は可愛いし、男も様になってましたね。 ブルース・リーがクリフと揉めるところね。クリフまじでカッコ良すぎでしょ〜〜〜！！！　描き方が良いよね〜！　 言ったらさ、リックはキャリア的に結構うまく行ってるわけじゃん。でも勝手に落ち込んでる。現時点ではそんなことないのに、必要以上に悲観してるなって思ったの。でも、本当にそういう人いるなって。俺はもうダメだ、おしまいだ、落ち目だっていう。そんなのまだまだ分からないのにさ......。対照的にクリフは、こう言うと語弊があるけど、リックほど輝かしい仕事をしてないのに、超カッコいい。 ──やっぱマッチョ最強だな！　って思っちゃいました。 フィジカル強い奴が結局人生に対するQOLが高いみたいなさ。面白くない？？　ちゃんとお金持ってていいもの食べてる彼よりも、マカロニチーズ食べてるクリフの方が飄々と自分の人生に納得を持って生きてる。満足していて、自信ある人がカッコいいん。それは今結構知りたかったことでもある。 コミューンのシーンもさ、昔の知り合いだっていう人は死んでんじゃないかって思わなかった？　骨だけになってて、部屋に入った瞬間に振り返ったら、後ろで赤髪が銃でも構えてんじゃないかって。でも本当にジジイが寝っ転がってるっていうさ（笑）。

──そうなってもマッチョだから大丈夫だろうねって、謎の安心感もありました。そのあと一人ボコボコにして（笑）。 そのシーンで、馬で駆けつけたけどギリギリ間に合わなかったテックスもカッコよかったなぁ〜〜〜。でも、なによりブラピが全編に渡ってカッコよかった。ブラピ無双だったよ。大好きなブラピ。このブラピが観たかった。 ──ブラピ、今55歳です。 え、ブラピ55歳なの？　ありえん。あの屋根の上で無駄に服を脱いでるシーンはヤバくなかった？　ただのサービスショット。あの時立ち上がりそうになったよ。ハァァって。正直、2回目観に行ったときはうとうとしてたけど、またびっくりしちゃったよ。はぁ〜〜〜、ほんとに、フィジカル強いやつが今の時代さ、良いんだよ。 アーティストのライブを観てても思う。結局、ラッパーもバンドもそうだと思うけど、ステージ上で体力ある人には惹かれる。疲れてる人とかよりも、汗かいててケモノのような人って見応えがあるんだよね。今はインドアな人が多いし、そういう人ももちろん良いんだけど、ムキムキのブラピを観た後だと、カラダだよね！！　って。余裕ある人はカッコいい。

──マカロニチーズも豪快に食べるし。映画観たあとお腹空きませんでした？ 私、マカロニチーズ大好きなの。それで、クリフがマカロニチーズを作るシーンあるじゃん。家に母から直送されてたのがあるんだけどさ、映画観たあとに帰ってすぐ作ったわ！！！　しかもあの食べ方するの。映画とかテレビ観たりしながら鍋ごと食べる。ずっと同じ味だけど一生食べてられるじゃん。あーー、もう考えただけで食べたくなっちゃった！！　ワンちゃんにドボンってやるのもすごい好きなシーンよ。 あと、事件の当日に飛行機で戻ってきたあと、夜の街でライトがパパッとつくだけのシーンが続くんだけど、そこも大好き。なんかはじまるぞっっ！！！　ってさ。ネオンライトも素敵だし、本当に感動した。雰囲気作りが上手いよね〜〜〜〜。タランティーノのこと、好き。好きになっちゃった。毎回過去最高記録を更新してくるから、なんなのお前！？　って、ちょっとイラつきもした（笑）。また更新してくるじゃん......って、みんなイラついてたと思う。 ──それで最後のシーンに向かっていって......。 最後のシーンもやばかったね。『ストレンジャー・シングス3』に出てた女の子（マヤ・ホーク）が一人帰っちゃうのが最高だった。ナイフ忘れちゃったから、ちょっと行くわ、先行っててね！　って、超良い役。

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Maya Rayさん(@maya_hawke)がシェアした投稿 - 2019年 7月月29日午前7時17分PDT

──リックが火炎放射器を倉庫から持ってきたとき、「あのシーンのだ！」って思うじゃないですか。同じにようなことを隣人さんも、ニコニコしながら話して。 そう。リックもすごい悩んでたわけで、隣にロマン・ポランスキー監督とシャロン・テートが引っ越してきて、「チャンスだ！（笑）」みたいな感じで言ってたら、実は彼らが自分のファンで「火炎放射器」だけでいろんなことを分かってくれたりさ。あんなの救いしかないよね。超感動しちゃった。 でも終わったあと、劇場の様子が「面白かったね！　スッキリしたね」って感じだったから「おい！」って思って、だから私はTwitterで情報を発信したの。知らない人がいるんだったら、これだけは知っておいてほしいと。冒頭でも言ったけど、タランティーノの細かいネタは知ってれば知ってるほど面白いけど、わからないことの方が多いのであればとりあえず一回置いて、それだけでも知ってれば全然違うよって思った。

──2回目観たときに印象変わりましたか？ 気づきがありました。この映画はもしかしたら途中で寝たりトイレに行きまくった方が面白いんじゃないかって。長いじゃんこの映画。知った上で観てみて、そんな気がしてたから通路側に席を取ったの。大成功。トイレじゃんじゃん行きまくったよ。 映画って安くはないじゃん。2,000円近く払って、3時間はしっかり観なきゃって思っちゃう。そんなんじゃない。平日のガラガラの通路側。この映画はそれが正解です。私、解を導き出した。トイレ行きたいときにいつでも行けるくらいのテンションで観た方が、ちょー楽しいから。素晴らしい映画で心が震えたけど、その見方をしたら娯楽として超A級。ご飯とかジュースをズビズビいきながら。映画の中の人がそう楽しんでるように、っていうくらいに。あれはもう居眠りしたりトイレ行くためにある映画といっても過言ではない。っていう結論に達しました。トイレを我慢しなきゃって苦しんでる人に、行ってもいいんだよって。真ん中の席だと迷惑かけちゃうから、通路側を取っときなって思っちゃう。 ──大きいスクリーンで見るとなお良しですね。 私のオススメは「TOHOシネマズ 六本木ヒルズ」かな。それで後ろの方で観る。いろんなところに見所があるから、すごい観察させられるし、見方によって楽しみ方が変わる。本当に私が言いたかったのはそれだけ。トイレに行って、居眠りするだけの映画。結論出ました。いいのよもう、観なくても。観たら超楽しめるけど。もう伝わったでしょ。愛ゆえよ。ちゃんと観てもいいし、観なくてもいいけど、最悪トイレに行けるように通路側を取るのがオススメです。以上！　終わりです！

──ブラック・ミディはブリット・スクールで出会った4人によって結成されたグループだと聞きました。数ある音楽学校、アート・スクールの中で、お二人がブリット・スクールを選んだ理由からまず聞かせてもらえますか？ マット・ケルヴィン（Vo.&Gt. 以下、マット）　小さい頃から音楽が大好きで、自分でも作ってみたいと思っていた。それも、自分一人で作るだけでなく色んな人と創作活動をしてみたかったんだ。その点ブリット・スクールは、パフォーマンス・アートとメディア教育のみに焦点を絞った英国唯一の無償学校だったし、自分がやりたいことをとことん追求できる場所だと思ったんだよ。 モーガン・シンプソン（Dr. 以下、モーガン）　実をいうとブリット・スクールの中身のことは、あまりよく知らなかったんだ。仲の良い友人がそこに応募していたのをみて「じゃあ、俺も受けてみようかな」と思ったくらいで（笑）。 ──そうだったんですね（笑）。キング・クルール（King Krule）は「ブリットでようやく社会と上手くやっていけるようになった」と述懐していたり、アデル（Adele）は「チームワークを教えてもらった」と述べていたり、結構ユニークな学校なのかなと思っていたんです。 モーガン　確かに独特な雰囲気はあったね。言葉で表すのはちょっと難しいんだけど。 マット　とにかく若いクリエーターが集まって、自分が知っている様々なことをシェアする空間があるので、様々なチームワークが生まれやすい。 モーガン　そうだね。とても安心して学べる場所というか。 マット　みんないいやつばっかりだったよね（笑）。

──ブリット・スクールで学んだことは、ソングライティング以外のことも含めてブラック・ミディの活動にどう生かされていますか？ マット　まず、学校の設備がとても充実していてさ。リハーサルスタジオは予約すれば、いつでも無料で使うことができる。ランチの後でも放課後でも、空いてる時間に集まって一緒にプレイをしていた。おかげでバンドとしての表現力も飛躍的に向上したよ。 モーガン　何よりも、ブリット・スクールに入ってなかったら、僕らは出会うこともなかったから、ブラック・ミディ結成にも大きな影響を与えているね（笑）。ただ、最初はまず友達づきあいから始まったんだ。気の会う仲間どうしで集まって、リハーサルルームで楽しくジャム・セッションをやっていたら、気がついたらバンドになっていたという感じでさ。今もその延長線上にあるんだよ。 マット　そういう意味でもブリット・スクールでの日々は、僕らにとって非常に大切なものだった。一人、ベッドルームで音楽を作っていたら、今のような状況には絶対にならなかっただろうからね。 ──もともとブラック・ミディは、ジョーディ・グリープとマットの出会いから始まったと聞きました。当時、やりたい音楽の方向性はあったのですか？ マット　ジョーディと2人だった頃は、当時好きだったノイズ〜ドローン・ミュージックに影響されたインプロをやっていたね。各自が家で考えてきたリフなどアイデアの断片を持ち寄って、リハーサルルームで発展させていくという。なので、いわゆるジャム・セッションとは違った。その後、モーガンが加入し彼のアイデアも加わったことで、1曲が20分を超えることもあったね（笑）。 モーガン　そのうちに、もう少し構成やアレンジを練るようになっていって。最後にキャメロン・ピクトンが加入した頃には、ファースト・アルバム『Schlagenheim』にも入っているような楽曲が、ある程度は作れるようになっていた。ただ、まだまだ楽曲の中はブラッシュアップする余白のようなものがあるので、今でもそれを違ったアプローチで演奏してみるなど常に模索中だよ。そうやって自分たちの音楽を、常に変化させていることも楽しくて仕方ないんだ。

──ジャム・セッションやインプロビゼーションをするときに、何か意識していることやテーマなどはありますか？ マット　ときには「このリフからやってみよう」って始まることもあるけど、95パーセントくらいはいつやるかも何も決めず、各自メンバーがスタジオに入ってきて、機材をセットアップして最初に音を出した人からインプロが始まるっていう感じなんだよね。 モーガン　ほとんど言葉も発しないよね（笑）。 マット　インプロが会話そのものというか。お互いのプレイに反応して、用意が済んだメンバーから次々に音を重ねていくんだ。 ──どの楽曲もインプロビゼーションとコンポジションの狹間で鳴らされているような、混沌と秩序の絶妙なバランスが魅力です。実際、それぞれのバランスをどのように考えていますか？ マット　うーん……。 モーガン　バランスなんて、考えたこともなかったよ（笑）。 マット　やってみて、「こっちの方がしっくりくるよな」とか「ここはもう少し練った方が良さそうだ」みたいに、曲ごとにただ決めてるだけだよね。演奏していると分かるんだよ。「ちょっとだらけてきたな」「ちょっと技巧的すぎるぞ」みたいに。 モーガン　そうそう。「この曲は75パーセントをコンポジション、35パーセントをジャムにしよう」なんて決めてるわけじゃないよ（笑）。

──そりゃそうですよね（笑）。ただ、例えば”Western“のアレンジ、構成は非常にデザインされていて、緻密なエディットやポストプロダクションも行われているように感じるのですが。 モーガン　うん、それはその通りだよ。 マット　“Western”もとっかかりはジャム・セッションだったのだけど、君のいうように後からエディットやポストプロダクションをかなり施している。おそらく、アルバムの中で一番そこに時間をかけたんじゃないかな。オーバーダビングも相当しているしね。 モーガン　ただ、それも闇雲に重ねているわけじゃなくて、必要最低限のパートを補完していく感じだったよ。 マット　アルバムのレコーディングは、ライブでの演奏とは少し切り離して考えていたので、この曲は壮大なアレンジに振り切ってみたんだ。 ──そういうやり方って、マイルス・デイヴィス（Miles Davis）とテオ・マセロ（Teo Macero）の関係にも似ていますよね。 モーガン　不思議だな。というのもさっき、ちょうどマネージャーとその話をしてたところなんだよ（笑）。マイルスの『On The Corner』って、最初に聴いた時は一切エディットなんて加わってないと思ったから「いやすげえな！」ってびっくりしたんだけど、実はテオ・マセロの鋏が随所に入っているんだよね。それを知った後に聴いてもやっぱり「クールだ」と思えたのは、テオがやっていたことがちゃんと意味のあるエディットだったからなんだよね。曲の中に曲が入っているような、入れ子状態というかさ。ジャム・セッションをコピペして、全く新しい楽曲に作り変えるっていう。 ──なるほど。しかもブラック・ミディの場合、そうやって緻密に作り込んだ楽曲をライブでは再び人力で再現しているところがすごいんですよね。 モーガン　ふふふ、その通りだよ（笑）。

──ジョーディを筆頭に、メンバー全員が相当な音楽通だと思うんですが、ブラック・ミディの音楽にはエレクトロ・ミュージックからの影響をあまり感じさせないですよね。それは戦略的に敢えて避けてるのか、それとも単純に興味がないのか、どちらなんでしょう？ マット　もちろんエレクトロ・ミュージックが好きだよ。今後、ブラック・ミディの音楽にもその要素は加えていきたいと思っている。今はまだそれが形になっていないけど、今後はもっと色々実験していくつもり。エレクトロ・ミュージックに限らず、あらゆる音楽に対してオープンでありたいしね。 モーガン　編成がドラム、ベース、それから2本のギターという編成に、どうやって加えていくのかは課題だね。 マット　どうなっていくだろうね（笑）。

──楽しみです（笑）。以前、ジョーディは「J・ディラ（J Dilla）は、エレクトロニックの機材に、ヒューマンエラーや、その他の人間味の要素を合わせて音楽を作るという才能があった」と、ヒップホップという音楽の意義について語っていたのも印象的でした。 モーガン　J・ディラに関しては面白い話があってさ。先日、スラム・ヴィレッジ（Slum Village）の“Yum Yum”という曲をYouTubeで聞いたんだけど、そこで使われているサンプリング元が何かを調べたら、なんとカーペンターズ（Carpenters）の“Bacharach／David Medley”なんだ。それがすごく衝撃的で。J・ディラはヒップホップのプロデューサーなのに、カーペンターズまでネタのストックに入っているんだ！　って。 ──ちなみにお二人は、エレクトロ・ミュージック界隈ではどんなアーティストが好きですか？ マット　僕はホーリー・ハーンドン（Holly Herndon）の一連の仕事が好きなんだ。特に『Platform』（2015年）と、今年リリースされた『Proto』はよく聴いたね。 モーガン　僕はフローティング・ポインツ（Floating Points）が好きだな。 マット　他にもソフィー（Sophie）やナイフ（The Knife）……。本当にいろんな音楽を聴いて楽しんでいるよ。 ──本当にあらゆる音楽的要素をブラック・ミディから感じていて、さっきおっしゃったようにどんな音楽に対してもオープンな姿勢がこうして話していても伝わってくるんですが、逆に「どうしても受け付けない音楽」ってあります？（笑） マット　ハハハ、どうだろうなあ。 モーガン　これもブリット・スクールで学んだことなのだけど、何かを「好き」でいる必要はないというか。その作品を「好き」であることと、その意義を「ちゃんと評価できる」ことは別だと思うんだよね。そうやって考えていくと、「嫌い」という理由で作品に向き合わないのはもったいないし、たとえ、その作品を聴いて感動したり興奮したりしなくても、その「素晴らしさ」や「美しさ」は分かるはずなんだ。 マット　それって、聴き手がどれだけ教育を受けているかによるのかも知れないね。一方で、アートというのはとても主観的なもので、作品に甲乙つけるのは難しい。個人的な意識が大きく影響されるだろ？　だからこそ、何かに触れる時は最初から先入観を持ってしまったり、興味がないと突っぱねたりはしたくない。受け手がオープンであれば、何かしらの良さは見えてくるはずなんだ。 ──心から同意です。 モーガン　ありがとう（笑）。 ──ところで、日本の音楽はどんなのが好きですか？ マット　僕はおとぼけビーバーが大好き。新しいアルバム『ITEKOMA HITS』もすごく良かった。ボアダムズももちろん好きだし……。 モーガン　僕はルインズが好きだな。 ──ちなみに日本では、「toeっぽい」という感想がSNS上にたくさん見受けられました。 モーガン　へえ！　知らなかった。聴いてみるよ（笑）。

black midi ブラック・ミディは、ジョーディ・グリープ(vo、g)、キャメロン・ピクトン(b、vo)、マット・ケルヴィン(vo、g)とモーガン・シンプソン(ds)の4人で構成され、メンバー全員が19歳か20歳で、アデルやエイミー・ワインハウス、キング・クルールらを輩出した英名門校ブリット・スクールで出会ったという。ゲリラライブを敢行するなど精力的にライブ活動を行い、常に変化するセットリストやその演奏力とオリジナリティー溢れる楽曲から、噂が噂を呼び早くも完売ライブを連発。結成されてからわずか約1年であることから未だに謎が多いが、今最もアツい新生バンドという評判を早々に確立した。最近では、米SXSWや北米各地でライブを行い、SXSWでは最も目立ったアクトとしてその名が挙がったほか、初のNYでの2公演も完売させた。米音楽メディアPitchforkは“不気味なほど正確でストイック”と評し絶賛している。

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パフォーマンス終盤、“Love Inna Basement（Midnite XTC）”のオープニングが流れた瞬間、時がピタリと止まり、何も聴こえなくなった。たった0.1秒にも満たないその出来事の直後、“ハレルヤ!!”と割れんばかりの歓声が沸き起こった。オーディエンスたちが最高沸点に達し、会場内が一体となった瞬間だった。その頭上を殺気に満ちたレーザーライトが高速で飛び交い、何発ものLEDライトが激しく発光し合い、ステージ全体を光が覆った。

土曜日のメインステージのトリ、今年のハイライトであり、個人的ベストアクトとなった、ObjektことTJ HertzがビジュアルアーティストのEzlla Millerと共に見せた圧巻のパフォーマンスである。光に包まれたステージ上の表情はほとんど見えなかったが、“してやったり”と言わんばかりのいたずらっ子のような笑みを浮かべた瞬間だけ手に取るように分かった。

一辺倒なテクノに飽きていたのか、それまで楽しんでいたOHMのダブやドラムンベースが場違いだと感じてきたのか、Tresorは閉塞感にやられて長時間はいれない、とにかく好みのビートを心底欲していたのだと思う。縦長の巨大スクリーンを背負い、向き合いながらプレイするObjektとEzlla Millerのステージは紛れもなくAtonalである。しかし、目を瞑ればそこは90年代のUKレイヴカルチャーの現場へとタイムスリップした。個人的にピッタリハマる程よいBPM120から突如160にジャンプアップ、テクノを背景に、アシッドハウス、ブレイクビーツ、ダブステップ、エレクトロと、ジャンルの垣根をぶっ壊しながら再構築していく。Objektの手によってアレンジされつくした唯一無二のトラックたちは、終始、万華鏡のようにキラキラした魅力を放ちながら予想不可能な変化を遂げていった。 エモーショナルも入り混じるまさに究極のオールドスクールを身体全部で受け止めた。圧倒され過ぎて、言葉が“やばい”しか出てこなかったが、終わった後もしばらく“やばい”ままの放心状態が続いた。好き勝手にやっているようで、完璧主義なことでも知られる彼は全てにおいて緻密に計算しつくしているのだろうと、ニヤリと笑ったObjektの端正で神経質そうな顔を思い浮かべながら思った。

このままでは、“Objektレポート”になってしまうため、フェスの話に戻そう。今年は、2日目の木曜日から参加したが、とにかく終始ビートを求めては彷徨い、湿度にやられては外へ空気を吸いに出るといった行動を繰り返し、残念ながらあまり音に集中出来なかった。深夜になっても外に人集りが出来ているという異様な光景が忘れられない。勝手なことを言わせてもらえば、例年のように”涼しくて、全然夏の風物詩じゃないじゃん！”と文句が出るぐらい冷んやりした空気の方が同フェスには合っている。 それでも、どうにかハンドタオルと扇子片手に全てのステージを網羅することが出来た。それらを貴重な写真とともに紹介したい。 毎年、日本人アーティストの活躍が目立つが、今年はアムステルダムで開催されていた＜DEKMANTEL＞にも出演していたChee Shimizuが2日目のOHMでアンビエントセットを披露。フロアーには大きなビーズクッションが敷かれ、寝っ転がりながら聴くというユニークで贅沢なスタイルだった。

Atonalファンからも熱い支持を集めている日本を代表するアーティストの一人、Yousuke Yukimatsuが4日目のStage Nullに登場。彼のプレイを一目見ようとオープニングからフロアーはほぼ満員状態の中、僅かなビートを刻むアンビエントからゆったりとスタートした。立ち振る舞いそのものから隠し切れない武士道オーラが溢れ出し、彼の表情と共に徐々に激しくなっていくビートに日本語ラップが入り込み、いよいよブレイクの瞬間を迎えるであろうその緊張感だけで鳥肌が立った。大歓声が上がる中、今後ますます世界各地での活躍が広がっていくだろうと感じた。

２日目のメインステージのトリ、Shapednoiseと気鋭の映像作家Pedro Maiaによるオーディオビジュアルライブ。彼ら目的のオーディエンスも多い中、機材トラブルで1時間近く押してスタートしたが、ステージの前方と後方にスクリーンを設置し、Shapednoiseがプレイする目の前にPedroの映像が投影されていくというインスタレーションのようなパフォーマンスは待った甲斐があったと言える完成度の高いものだった。Shapednoiseのサウンドに合わせたカラフルでアヴァンギャルドな七色の光やフィルムのコラージュのようなアナログ映像、ミニマルなモノクロームの世界とスクリーンに釘付けとなった。深夜1時過ぎ、ようやく“Atonalが始まった”と感じた瞬間である。

Atonalは、最もベルリンらしく、インテリジェンスでコマーシャルを一切排除したどこまでもストイックな実験音楽の祭典である。これほど会場で音楽関係者と遭遇するフェスは他にはなく、業界関係者からの注目度も非常に高いのも特徴である。そのため、よほどのノイズやポストクラシック好きでない限り、一般的にはやや難解で、何を求めて参加するかによって楽しみ方や感じ方が変わってくる。すでに4年参加している私だが、毎年趣向を凝らし、綿密にプログラムを変えてくる同フェスは、予習なしではまだまだ理解し切れない未知の領域である。

最後は、例年よりスポーティーで露出度の高さが目立った“ミニマルブラックファッション”を会場スナップと共にご覧頂きたい。

━━20代でこういう音楽をやってらっしゃるのが新鮮で。そもそもどんなきっかけで結成したんですか？ Cony Plankton（Vo.／Gt. 以下、Cony）　最初は海外の現行のインディーに憧れて始めました。 ━━どんな出会いだったんですか？ Cony　eliyちゃんはタワーレコードのバイトで出会って、「やりたい」って一瞬で言ってくれました（笑）。Yurikaちゃんは結婚式の三次会で紹介してもらいました。 Yurika（Dr.）　もともと顔見知りではあったんです。 ━━いわゆるガールズバンドっていうくくりじゃなくて、音楽を０からやってる感じがしたんですよ。 Cony　そうですね。日本の女の子がバンドをやるとアイドル視されて、そのせいでビジュアル先行みたいになるとすごくもったいないな、と思ったんで、そこはストイックにバンドのブランディングとして意識しました。 ━━現行の海外のインディーもですが、80年代のニューウェーブ感もありますね。 Cony　私は完全に親の影響なんですけど、タワーレコードの仲間が、割とニューウェーブ、ポストパンクが好きで。基本80年代がすごく好きなんです。80sに影響を受けている現行のバンドを見つけるとすぐにハマります。

━━UKやUSで女の子たちがDIYで始めた頃のニュアンスをすごくみなさんに感じるんですよ。 eliy（Ba.）　嬉しい。実際にすごく意識しているし、曲以外でもアートワークやMVの一つ一つにもこだわりをもってやっています。 ━━少なくとも日本のバンドをコピーしている感じはないから。 Cony　あ、でもゆらゆら帝国とかはすごくリスペクトしてます。 ━━８月にルー・リードのカバー“MAKE UP”をデジタル・リリースしましたが、その理由は？ Cony　カバーはもともとお世話になっているイベントをやっている方が、カバーアルバム（V.A.『RHYMING SLANG COVERS』2017年）を作る際に誘ってくださって提供した曲なんです。何の曲をやるかちょっと迷ったんですけど、友達の勧めでこの曲を聴いた時に、ルー・リードの歌い方が、私の発声と一致したというか、歌いやすかったんです。アップテンポな歌モノはあんまり私に合わない気がしたので、ルー・リードの語り口調みたいな歌い方が良くて選びました。その上、歌詞が割とガーリーな内容でそこもポイントでした。

━━ところで３ピースになってからバランスは変わりました？ Yurika　サポートはいるんですけど、視覚的に３人だから1人1人の責任感じゃないですけど（笑）、それは出てきたのかな。 Cony　単純にルックス的に３人組ってかっこいいよね、と思います。笑 ━━３ピースといえばスリッツ（The Slits）とか。 Cony　うん。スリッツも大好きです。 ━━サウンドももちろんですけど、スタンスも、お手本が今の時代にはないタイプの音楽だと思います。 Cony　そうですね。もうその時その時でやりたい曲の雰囲気も全然違って、なんだろ？　ジャンルにとらわれない音楽性って、すごく良い言い方で表現してもらうことが多いんですけど、1つのジャンルにまとまることができないんですよ、飽きっぽい性格なので。 Yurika　ジャンルで聴かれると難しいよね。 Cony　新曲を作りながら気付いたんですが、プレイスタイルはミニマルな方向を目指したほうが自分たちの良さを表現できるなと思いました。

━━そのミニマルさが音楽としてアウトプットする際、純度の高さに繋がっていると思います。 Yurika　ドラムについては、自分が今好きな感じのドラマーは、坂本慎太郎バンドのドラムの菅沼雄太さんなんですが、坂本慎太郎バンドの時は菅沼さんも手数が多いわけじゃないけど、素敵フィルをいい具合に入れている気がしていて。そういうのが好きなのかなという気がしますね。 ━━現在はアルバムを制作中なんですか？ Cony　はい。2019年内に出る1stアルバムを頑張って作っています。単純に曲を作るのが遅くて、前回のシングルリリースからもかなり時間が経っているんですが、その間に自分の音楽性に変化があって、曲のテイストがばらばらなんです。それを1つのアルバムにまとめるのがすごい大変ですね。 ━━皆さん、1つのバンドをやっているように見えないぐらい、各々の個性があるのが面白くて。それは音楽で繋がっているからですか？ Cony　うん、そうだと思います。 eliy　そうだね。みんな好きなものははっきりしてるけど、色々吸収し合ってもいるのかなって思います。 Cony　３人とも違いますけど、共通言語はすごくあります。 ━━新曲はいろんなタイプが？ Cony　音楽性は結構変わったと思います。たとえば今作っている曲とかは、ある意味、これまでと全然違うことをやろうと思っています。みんなに愛される普遍的なメロディを作ってみたくて、今まで全然気にしなかった部分に着目して書き進めています。 ━━そして近々のライブがphewさんとの共演で、すごいことですね。 Cony　やばいですよ！ ━━どういう経緯で共演することに？ Yurika　mmm（ミーマイモー）with Emerson Kitamuraさんの企画で呼んでいただきました。 ━━phewさんはもう活動歴35年ぐらいの日本のニューウェーブの元祖的存在で。 eliy　オープニングアクトみたいな感じではなく普通に３マンみたいな感じなんですよ。信じられないけど、かなり気合いが入ります。 Cony　もともと私がphewさんを好きだったんです。phewさんのアルバムを何枚かレコーディングしているコニー・プランク(Conny Plank)というプロデューサーがいるのですが、私のコニープランクトンという名前はそこからきています。phewさんの曲をきっかけにコニー・プランクを知ったくらいなので、ついにお会いする時が来たなと思って……、緊張します。

━━そしてLuby Sparksとのダブルヘッドライン的な企画＜DREAMTOPIA＞もありますね。こちらはゲストがjan and naomiというすごい顔ぶれで。 Cony　初めての企画です。Luby Sparksは昔から親交が深い盟友で、いつか何か一緒に作りたいと思っていたので相当気合い入ってます。 ━━彼らを盟友と思う理由は？ Cony　結成時期も一緒で、お互いライバル視しながらやってきました。特にNatsuki Katoが、ものすごい気にしてくるんですよ。「バンドどうなんですか、最近」って（笑）。なので私も会うたびにガサ入れしてます。 Yurika　観察力がすごい（笑）。

━━この２バンドでやる意義を感じます。 Cony　感じます。そして悩んだ結果のjan and naomiさんという豪華ゲストです。 ━━すごく精神的な世界が高いイベントになりそう（笑）。 一同　ははは。 Cony　思想がすごい（笑）。

━━全員ストイックな感じですね。 Cony　それぞれのブランディングがぶつかり合って3者3様になっていくと思います。 eliy　でも来てくれるお客さんもそれを気に入ってくれるんじゃないかな？ Cony　もちろん。この３マンだと、まだうちらはポップな方だよね。基本、テンション低い人しかいない（笑） Yurika　確かに。 ━━今年後半は楽しみなライブもありますし、本格的にバンドの全貌が見えそうなアルバムリリースも楽しみにしています。 Cony　アルバムが出たら多分、いろんなことが変わると思うので丁寧に過ごしていきたいと思います。

TAWINGS Cony Plankton（vo, g）、eliy（ba）、Yurika（dr） 　 2016年結成の3人組バンド。ガレージ、ポストパンク、ニューウェーブなど様々な要素を飲み込んだサウンドで、東京を拠点に活動。2017年5月に1stシングル『Listerine／Dad Cry』を7インチでリリース、その後2018年1月に2ndシングル『Invisible／UTM』をカセットでリリース。The Lemon Twigs、Hinds、Japanese Breakfastなど多くの海外アーティストのサポートを務め、2018年の SXSW に出演、初の海外公演を行った。2019年10月15日にLuby Sparksとの共同企画＜Dreamtopia＞を WWWで開催。2019年11月20日には1stアルバム「TAWINGS」をリリースが決定。 HP｜Twitter｜Instagram｜Facebook

━━実質的に現在のシェフは下村さん1人が在籍するグループなわけですが、下村さんの場合、自分で打ち込みやマニュピレートも出来る関係上、てっきり今作もDAW等を駆使し自分一人で作り上げ完結させる作品を予想していました。しかし実際は色々な方と一緒に、しかも生音で制作されていたのが少々意外でした。 なるほど。 実は最初の段階では、ほとんどの曲が打ち込みで既に完成していたんです。しかし、それらを改めてざっと並べてみた際に、自分の中で、「はいはい、私です」って、いかにも自分然とした作品に映って。その時に、パーマネントのバンドメンバーが居ないということは、裏を返せば誰と一緒にやっても、どのような形でやっても自由なわけで。 だったら、この自由さを味方に、過去、特にこの6年間で知り合った音楽仲間たちや、「この人とやってみたい」「一緒に音楽を作ってみたい」という方々と一緒に是非この曲たちを完成させてみようとなったんです。やはりバンド形式でセッションする方が、より肉体的で、化学変化もおきやすくかつ面白いだろうなと思いました。 ━━では今作は、「これが下村亮介です！」というよりかは、シェフというグループとしての作品意識の方が強くなっていった結果だと？ 結果、最終的にバンドの方を選んだという感じです。 これまでも下村亮介個人として楽曲を作ったり、ライブを何度かしたりはしました。そんな中、この屋号（シェフ）を下ろすことも可能だったわけですが、この屋号のまま1人で続けていくとどうなっていくのか？　を続けてみよう。そんな例が今までなかったのであれば、あえて自分がやってやろう。そんな気概で押し進めていきました。 ━━楽曲毎にけっこう贅沢にみなさんに参加してもらっていますもんね。 結果、アルバムに参加して下さったミュージシャンの人数はシェフ史上最多になりましたから（笑）。 ━━不思議です。せっかく1人になったのだから、自分の頭の中で鳴っている音をより確実にそのまま作品に出来る機会でもあるのに。 前作アルバムの『回転体』以降、自分はサポートミュージシャンとしてやるべきか？　はたまたシェフを続けるべきか？　でかなり悩んだ時期があって。 ある時、自分が中心にすべきものが、どちらか分からなくなっちゃったんです（笑）。でも、考えているうちに、結局、“どっちも全部自分だな”と思えるようになったんです。

━━この6年間、ASIAN KUNG-FU GENERATION（以下、アジカン）やチャットモンチー等のサポートも精力的に行ってきましたもんね。 サポートをしてきたことが、今作を作るにあたってはかなり役に立ったところでもあって。 ━━それは？ サポートミュージシャンは基本、凄く俯瞰してプレイしたり、全体を見ながら自分のプレイをする存在だと思っていて。 特に自分の場合は、元々鍵盤が存在しない音楽に鍵盤を入れる仕事が多かったこともあって。 例えば、「これは自分が弾くよりも、他の方に弾いてもらった方がより映えるものが出来る」など、主観と客観の両方を養えるようになったんです。 ━━それは言い換えると、プロデューサー的な立ち位置で作品制作出来るようになったと？ 言われるとそうかもしれません。俯瞰して、適材適所でミュージシャンの方々に色々と手伝ってもらって完成に至ったところを考えると。 ━━自分の中では、シェフはずっと自身の音楽性の根底に至福感を擁して楽曲を制作してきた印象があります。で、今回はまさにその至福感をこれまでとは違った形で現しているのも興味深くて。中でも特に今回は非常にヒップホップ性を感じたし。それが意外でもありました。 その辺りの要素が前面に出ているのが、今作の特徴の一つかもしれません。 自分は中学生ぐらいの頃、アメリカのマサチューセッツで短い期間ではありましたがホームステイをさせてもらっていたことがあったんです。そこのホストファミリーのお兄さんが、当時のウータン・クラン（Wu-Tang Clan）やア・トライブ・コールド・クエスト（A Tribe Called Quest）、デ・ラ・ソウル（De La Soul）、ビースティ・ボーイズ（Beastie Boys）等をコンパイルしたテープを聴かせてくれて。そこからヒップホップが好きになりました。 日本に戻ってきたら今度は姉がJ-RAPを聴いていたので、そんなに詳しくはないけど身体には入っていましたね。 実際、シェフも昔は全曲英語詞でテンポが100を超える曲って実はないんです。その頃はポストロックとか音響的な括りをされていました。 そんな中、ここ数年でまたヒップホップ関連が面白いなと気づき始めたんです。一番大きかったのは2015年頃、チャンス・ザ・ラッパー（Chance the Rapper）が参加しているドニー・トランペット＆ザ・ソーシャル・エクスペリメント（Donnie Trumpet & The Social Experiment）の“Sunday Candy”という曲を聴いた時に、「おおっ！ これはすさまじい音楽だ！」と感心したことでした。 そこからもう一度ヒップホップの面白さに気づいたんです。

━━個人的にはシェフが2015年に発表されたミニアルバムの『RGBとその真ん中』。そこに収録されていた“エメラルド”という曲が今作に向かう転機になったのかな？　と捉えています。 確かにあの曲が今作に大きく紐づいてはいます。 その間も実はSoundCloudで試聴できたり、内々で楽しむ音源として、このようなタイプの曲は作ってはいました。ゴッチさん（ASIAN KUNG-FU GENERATIONの後藤正文、シェフが作品リリースをしていたインディーズレーベル〈only in dream〉の主宰者でもある）がリミックス用にパラデータを開放していたので、それを自分なりにもう一度組み上げてリミックスをしてみたり。 それらを経て、思いがけずこれまでのことが繋がって今作に向かった感じはありますね。

━━それをあえて打ち込みで構築するのではなく生でやっているのが今作の興味のある部分です。以前、発表されて、今作に収められている曲たちも、元々はもっと打ち込み要素が高かったものが、今回はリメイクされてほぼ生楽器に差し替えられているのも興味深いです。 その辺りは、人力や人間ならではのグルーヴ感やセンス、その辺りを交えたかった部分が大きいです。 これらの曲に限らず他の曲でも、全部自分で打ち込んだり、トラックメイカーに全てお願いするという選択ももちろんありました。 でも、それよりも今回の方法論の方が確実にいいものが作れる確信があったんです。 自分はやはりバンドミュージックで勝負をしてきましたし、レコーディングのノウハウも少しずつ知識を得て蓄えてきた自負もありました。 あとは、今作の生ドラムをほぼほぼ叩いてもらっている伊吹文裕くんという29歳の若いドラマーの彼との出会いがすごく大きかったです。 ━━その伊吹さんとはどのような形で知り合わられたんですか？ 数年前の年末のカウントダウンフェスで僕はアジカンで出演していたのですが、伊吹くんはボカロPの「じん」さんのバックバンドでドラムを叩いていました。 その時に彼がわざわざ僕に「シェフの『回転体』が凄く好きなんです」って話しかけてきてくれて。 そこからセッションをしてみることになったんです。そうしたら、本当にすごくて。軽々と自分の想像を超えるクオリティで叩いてくれました。 ━━ボカロPのドラムと今作での音楽性でのドラミングとのリンク性が全く見えてこないのですが……。 確かに（笑）。 元々、彼は音楽大学のジャズ科に居たんです。それがアジカンを機にロック好きになって。 70年代から現代まで幅広く、すごく音楽知識も持っていて。絶対音感も持ってはいるんだけど、「和音には触れたくない！」っていうひねくれ者でもあったり(笑)。 その辺りも面白くて、急速に親密になっていきました。彼と出会えたことで「生音で彼のビート感を活かしたい！」との思いが強くなっていった面もあります。 ━━ロックバンド畑の方のドラミングであれば、きっと想像の範疇だったでしょうが、そこに4ビートや16ビートに長けている方が加わることで、かなり科学変化や想像の範疇を超えるものが生まれたんでしょうね。 そうなんです。 あと、メインストリームというか、今のムーブメントとかも好きですし、リスペクトもしています。 だけど、絶対に変化するタイミングも訪れる。もちろん時代性が見える音楽も、それはそれで面白いだろうけど、自分が追っていくのはそっちじゃないなって思ったんです。 天邪鬼まではいかないけど、自分は自分の求めたいものを求めていけばいいやってかなと。なので、自分以外で今作みたいな音楽は作れないだろうとの自負は持っています。

━━今作に於いては、伊吹さんのようにすべての楽曲でパーマネントに叩いている方もいれば、かたや楽曲毎にプレイヤーをフレキシブルに代えられている部分も見受けられて。その辺りのチョイスにも興味があります。 特に「この曲にこの人が……」というよりかは、自分が個人的にその人のプレイのファンであったり、昔からの朋友のようなミュージシャンたちに手伝ってもらいました。 そこに仲間とも呼べるミュージシャンがいて、自分も共感できる音楽を作っている人がいる。その人たちに声をかけ、その人のらしさを各曲で出してもらった感じです。海外のコライト的なノリに近いですね。 ━━参加ミュージシャンにしても、かなり各人に任せたり委ねたりされている面も不思議でした。 僕からしたら、その辺りこそ昨今の海外のコライトのようなものだと捉えているんです。 アリアナ・グランデ（Ariana Grande）には作家が何十人もいて、とか（笑）。全部、自分でやるのではなく、他の方に任せられるのであればそこは任せる。それで面白いものが出来るのであれば、そっちの方が今っぽいというか。全部自分1人でやるというのは良くも悪くも日本的だなと僕は感じていて。 ━━なるほど。ちなみに今作のラストにはアジカンのカバー “踵で愛を打ち鳴らせ” も入っています。最初に聴いた時、このオリジナル曲を思いだすまでに時間を要しました（笑）。かなり独自性と自己解釈のあるカバーだったので。 実は、今回この曲は録り直したんです。 元々は2年前にアジカンのトリビュートがリリースされた際に、僕もこの曲で参加させてもらったんです。その際は〈only in dream〉というゴッチさんのレーベルの仲間やゴッチさんやアジカンのメンバーと繋がりのあるミュージシャンにサポートしてもらいながら作りました。 それはそれでいいアレンジで、自分たちのライブでもやってました。そこから僕らのバージョンをライブで聴いてアジカンに興味を持って好きになって下さった方も少なからず現れたんです。 それで、「自分も役に立てることがあるじゃん」と思ったんです。しかも、ライブでやっていくうちにどんどん楽しくなって。そのうち自分の中でも、まるで自分たちの曲のように浸透してきて。せっかくいいアレンジなのに、あの作品でしか聴けないのはもったいないな、と思い始めたんです。

━━このバージョンのアレンジのコンセプトは何かあったんですか？ ゴッチさんが当時好きだったチャンス・ザ・ラッパーやL.A.の音楽でした。以前のアレンジは、「このようなアレンジにしてもアジカンの曲は絶対に成立するし、元々メロディや歌詞が強いので、たぶんこんなアレンジにしたらこうなります」という僕なりの愛を込めています。 そこで今回は、ゴッチさんを招いて歌ってもらったらもっと面白くなるだろう、と。 と、言うのもこの6年、ずっと音楽を一緒にさせてもらっていたのはアジカンさんだけだったので。アジカンさんへの愛とリスペクトも込めてやらせていただきました。 彼らがいなければきっとシェフを続けていなかっただろうし、そうなるとこの作品も出せていなかったと思います。ゴッチさんはずっと僕のことを見守ってくれていたので、感謝の気持ちを込めました。 ━━しかもオールスターキャストというのが素晴らしいです。 おかげさまでいい広がりが出来ました。海外の人はリアルタイムで流行っている曲のカバーをバンバンされているじゃないですか。自分はそれを聞くのが好きで。 あれがもっと日本のミュージシャン同士で、「いい曲だからカバーしたよ」とかやっていけたらもっと音楽的に広がりが生まれたり、交流やフックアップにも繋がるんだろうなとは常々感じています。きっと、もっと日本の音楽業界も楽しくなるだろうし。 カニエ・ウェスト（Kanye West）といった海外の「才能を見つけて、全然違うフィールドでもフックアップする文化」ってあると思うんですけど。あれは素晴らしいことだと感じています。 僕の中でゴッチさんはカニエ・ウェスト的な存在なんです。もちろんあそこまでの危うさはないですけど（笑）。しっかりと若いミュージシャンとか色々な音楽に目を向けている。その辺りも非常に尊敬しています。

━━今一度、作品内容に話を移させていただくと。今作からは非常に抒情性やたゆたった面も感じられました。その辺りご自身的にはいかがでしたか？ 歌詞に関しては悩みました。途中で留まったときもありましたね。 自分が今、こういったタイミングでどんなことを歌うのか？　という点では非常に迷うところもあって。そんなときに、最果タヒさんの詩に出会って開いてもらった部分がかなりありました。彼女の詩が凄く自由で面白いなと感じて。 彼女は音楽も好きで、音楽における詩について書かれている文章を拝見したことがきっかけでした。 それまでは物語を作り上げていく緻密な歌詞作りを心がけていたのですが、それを読んで以降は、なんとなく自分が感触で思い浮かんだ言葉等を並べていってもいいんだと解釈して。そこからはもうパーッと書けました。 なので、今作ではその辺りが強く関係し、感じてもらえるんじゃないかなと思っています。 ━━確かに今回の歌詞に関しては、これまで以上に情景の念を感じました。 意識して大事にはしてきませんでしたが、結果的に大事になっていたんだなとは思います。 言葉遣いに関してはこれまで以上に吟味しました。例えば、どうやって今自分が感じている感触や気持ちを伝えるかを、これまでは聴いてもらう人を想像しながら作っていたんです。どうやったら感動してもらえるか？　とか。元気出してもらえるか？　とか。 自分のことを歌ってはいるんだけど、他人にも響くような観点で作っていたんです。とは言え、実はすごく内省的に書いてもいて。 対して、今作の歌詞は、極力難しい言葉は排除して、フワッと聞いて、「これ楽しい」って感触を抱いてもらえる。そんなことを意識して書きました。分かってもらえなくても全然かまわないけど、五感やテンポ、言葉の速度感や強さや抑揚を考えて作っていったというか……。そういった意味では、よりサウンドに近い歌詞や歌になったのかなと思います。

━━分かります。凄く耳障りがいいんです。だけど、しっかり引っかかるものがある。 「よくよく聴いたら……」とか、改めて歌詞を見た際に、「そうだったんだ！」って発見がある。その辺りは意識して歌詞は書きました。なので、パッと聴いてスッと理解できる、そういった歌じゃないかなと。 初めて出会った方が聴いて、どのような感想を持つのかにももちろん興味はありますが、今回知りたいのはまた別のところだったり。 ━━そのあたり、周りの反応とかはいかがですか？ 周りのミュージシャン仲間に聴いてもらい、「ループして聴けるし、聴けば聴くほど新しい発見や解釈が出来る作品だ」とか、「何回か聴いて自分たちの中に入ってきた」といった感想をもらうことが多いです。 でも、それでいいんだろうなって。永く聴いてもらえる作品になってくれたら嬉しいです。 ━━リリースタイミングで東名阪を回るライブも行いますね。 ワクワクしています。まずはしっかりと時間をかけてこの東名阪をやって感触を掴んで、次はもっと色々な場所に足を延ばしたいと考えています。 今回7人編成で演奏する予定なのですが、うち2人はジャズマンでもあるので、いい意味で各楽曲をまた作品とは違ったものにブチ壊してくれることを楽しみにしていて欲しいです（笑）。 それからこの作品に入らなかった曲たちもまだまだあるので、それらも合わせて披露出来たらなと。なので、この作品とそれ以降のシェフをそこではお見せできると考えています。楽しみにしていて下さい。

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